Art Nouveau - Art Nouveau - Wikipedia

Van Wikipedia, De Gratis Encyclopedie

Pin
Send
Share
Send

Art Nouveau
Abbesses.JPG
Alfons Mucha - F. Champenois Imprimeur-Éditeur.jpg
Louis comfort tiffany, lampada da tavolo pomb lily, 1900-10 ca .. JPG
Louis Majorelle - Wandkast - Walters 6587.jpg
Tassel House trap.JPG
Met de klok mee van linksboven: metrostation Parijs Abbesses, door Hector Guimard (1900); Lithografie door Alphonse Mucha (1898); Wandkast van Louis Majorelle​Lamp van Louis Comfort Tiffany (1900-1910); Interieur van Hôtel Tassel door Victor Horta (1892–1893).
jaren actiefc. 1890–1910
Landwesterse wereld

Art Nouveau (/ˌɑːrtnˈv,ˌɑːr/; Frans:[aʁ nuvo]) is een international stijl van kunst, architectuur en toegepaste kunst, vooral de decoratieve kunsten, in verschillende talen bekend onder verschillende namen: Jugendstil In het Duits, Stijl Liberty in Italiaans, Modernisme català in het Catalaans, enz. In het Engels is het ook bekend als de Moderne stijl (Britse art nouveau-stijl)​De stijl was het populairst tussen 1890 en 1910.[1] Het was een reactie tegen de academische kunst, eclecticisme en historisme van 19e eeuwse architectuur en decoratie. Het werd vaak geïnspireerd door natuurlijke vormen zoals de bochtige rondingen van planten en bloemen.[2] Andere kenmerken van Art Nouveau waren een gevoel van dynamiek en beweging, vaak gegeven door asymmetrie of whiplash-lijnen, en het gebruik van moderne materialen, met name ijzer, glas, keramiek en later beton, om ongebruikelijke vormen en grotere open ruimtes te creëren.[3]

Een belangrijk doel van de art nouveau was om het traditionele onderscheid tussen schone kunsten (vooral schilderkunst en beeldhouwkunst) en toegepaste kunst te doorbreken. Het werd het meest gebruikt in interieurontwerp, grafische kunst, meubels, glaskunst, textiel, keramiek, sieraden en metaalbewerking. De stijl reageerde op vooraanstaande negentiende-eeuwse theoretici, zoals de Franse architect Eugène-Emmanuel Viollet-le-Duc (1814-1879) en Britse kunstcriticus John Ruskin (1819-1900). In Groot-Brittannië werd het beïnvloed door William Morris en de Arts and Crafts-beweging​Duitse architecten en ontwerpers zochten een spirituele verheffing Gesamtkunstwerk ("totaal kunstwerk") dat de architectuur, meubels en kunst in het interieur zou verenigen in een gemeenschappelijke stijl, om de bewoners te verheffen en te inspireren.[3]

De eerste Art Nouveau-huizen en interieurdecoratie verscheen in Brussel in de jaren 1890, in de architectuur en het interieurontwerp van huizen ontworpen door Paul Hankar, Henry van de Velde, En in het bijzonder Victor Horta, van wie Hôtel Tassel werd voltooid in 1893.[4][5][6] Het verhuisde snel naar Parijs, waar het door werd aangepast Hector Guimard, die het werk van Horta in Brussel zag en de stijl toepaste voor de ingangen van het nieuwe Metro van Parijs​Het bereikte zijn hoogtepunt op de 1900 Internationale Expositie in Parijs, die het Art Nouveau-werk van kunstenaars als Louis Tiffany​Het verscheen in de grafische kunsten in de posters van Alphonse Mucha, en het glaswerk van René Lalique en Émile Gallé.

Vanuit België en Frankrijk verspreidde het zich naar de rest van Europa en kreeg het in elk land verschillende namen en kenmerken (zie Naamgeving sectie hieronder). Het verscheen vaak niet alleen in hoofdsteden, maar ook in snelgroeiende steden die artistieke identiteiten wilden vestigen (Turijn en Palermo in Italië; Glasgow in Schotland; München en Darmstadt in Duitsland), evenals in centra van onafhankelijkheidsbewegingen (Helsinki in Finland, toen een deel van het Russische rijk; Barcelona in Catalonië, Spanje).

Tegen 1914 en met het begin van de Eerste Wereldoorlog, De Art Nouveau was grotendeels uitgeput. In de jaren 1920 werd het vervangen als de dominante architectonische en decoratieve kunststijl door Art Deco en dan Modernisme.[7] De art nouveau-stijl kreeg eind jaren zestig meer positieve aandacht van critici, met een grote tentoonstelling van het werk van Hector Guimard bij de museum van Moderne Kunst in 1970.[8]

Benoemen

De voorwaarde Art Nouveau werd voor het eerst gebruikt in de jaren 1880 in het Belgische tijdschrift L'Art Moderne om het werk van te beschrijven Les Vingt, twintig schilders en beeldhouwers die door middel van kunst hervorming zoeken. De naam werd gepopulariseerd door de Maison de l'Art Nouveau ("Huis van de nieuwe kunst"), een kunstgalerie die in 1895 in Parijs werd geopend door de Frans-Duitser kunst handelaar Siegfried Bing​In Groot-Brittannië de Franse term Art Nouveau werd algemeen gebruikt, terwijl het in Frankrijk vaak met de term werd genoemd Stijl modern (verwant aan de Britse term Moderne stijl), of Stijl 1900.[9] In Frankrijk werd het ook wel eens genoemd Stijl Jules Verne (naar de romanschrijver Jules Verne), Stijl Métro (na Hector Guimardingangen van ijzer en glas), Kunst Belle Époque, of Kunst fin de siècle.[10]

Art Nouveau is gerelateerd aan, maar niet identiek aan, stijlen die ongeveer tegelijkertijd in veel landen in Europa opkwamen. Hun lokale namen werden in hun respectievelijke landen vaak gebruikt om de hele beweging te beschrijven.

  • In België werd het soms genoemd Stijl coup de fouet ("Whiplash-stijl"), Paling Stijl ("Palingstijl"), of Stijl nouille ("Noodle-stijl") door zijn tegenstanders.[10]
  • In Brittannië, naast Art Nouveau, stond het bekend als de Moderne stijl, of, vanwege werken van Glasgow School, zoals de Glasgow-stijl​De voorwaarde Modern wordt ook gebruikt in Azerbeidzjan, Kazachstan, Rusland en Oekraïne, en Modernas in Litouwen.
  • In Duitsland en Scandinavië heette het Reformstil ("Hervormingsstijl"), of Jugendstil ("Jeugdstijl"), naar het populaire Duitse kunsttijdschrift met die naam,[10] net zoals Wellenstil ("Wave-stijl"), of Lilienstil ("Lily-stijl").[9] Het heet nu Jugend in Finland en Zweden, Juugend in Estland, en Jūgendstils in Letland.
  • In Denemarken staat het bekend als Skønvirke ("Werk van schoonheid").
  • In Oostenrijk en de omringende landen maakt dan deel uit van de Oostenrijks-Hongaarse rijk, Wiener Jugendstil, of Secessionsstil ("Secession-stijl"), naar de artiesten van de Wenen Secession (Hongaars: szecesszió, Tsjechisch: secese, Slowaaks: secesia, Pools: secesja).
  • In Italië werd het vaak genoemd Liberty-stijl, na Arthur Lasenby Liberty, de oprichter van London's Liberty & Co, wiens textielontwerpen populair waren. Het werd ook wel eens genoemd Stijl floreale ("Bloemenstijl"), of Arte nuova ("Nieuwe kunst").[10]
  • In de Verenigde Staten vanwege de associatie met Louis Comfort Tiffany, werd het soms de "Tiffany-stijl" genoemd.[3][11][9][12]
  • In Nederland heette het Nieuwe Kunst ("New Art"), of Nieuwe Stijl ("Nieuwe stijl").[11][9]
  • In Portugal, Arte nova.
  • In Spanje, Modernismo, Modernisme (in het Catalaans) en Arte Joven ("Young Art").
  • In Zwitserland, Stijl Sapin ("Dennenboomstijl").[9]
  • In Finland, Kalevala-stijl.
  • In Rusland, Модерн ("Modern") of, voor schilderen, Мир Искусства (Mir Iskusstva, "World of Art").
  • In Japan, Shiro-Uma.[13]
  • In Roemenië, Arta Nouă ("Nieuwe kunst") of Noul Stil ("Nieuwe stijl").[14]

Geschiedenis

Oorsprong

De nieuwe kunstbeweging had zijn wortels in Groot-Brittannië, in de bloemmotieven van William Morris, en in de Arts and Crafts-beweging opgericht door de leerlingen van Morris. Vroege prototypes van de stijl zijn onder meer de rood huis met interieurs van Morris en architectuur van Philip Webb (1859), en de weelderige Pauw kamer door James Abbott McNeill Whistler​De nieuwe beweging werd ook sterk beïnvloed door de Pre-Raphaelite schilders, waaronder Dante Gabriel Rossetti en Edward Burne-Jones, en vooral door Britse grafische kunstenaars uit de jaren 1880, waaronder Selwyn afbeelding, Heywood Sumner, Walter Crane, Alfred Gilbert, En in het bijzonder Aubrey Beardsley.[15] De stoel ontworpen door Arthur Mackmurdo is erkend als een voorloper van Art Nouveau-ontwerp.[16]

In Frankrijk werd het beïnvloed door de architectuurtheoreticus en historicus Eugène Viollet-le-Duc, een verklaarde vijand van het historische Beaux-arts bouwstijl​In zijn boek uit 1872 Entretiens sur l'architecture, schreef hij: 'Gebruik de middelen en kennis die ons in onze tijd zijn gegeven, zonder de tussenliggende tradities die tegenwoordig niet meer levensvatbaar zijn, en op die manier kunnen we een nieuwe architectuur inluiden. Voor elke functie zijn materiaal; voor elk materiaal zijn vorm en zijn ornament. "[17] Dit boek heeft een generatie architecten beïnvloed, waaronder Louis Sullivan, Victor Horta, Hector Guimard, en Antoni Gaudí.[18]

De Franse schilders Maurice Denis, Pierre Bonnard en Édouard Vuillard speelde een belangrijke rol bij het integreren van beeldende kunstschilderkunst met decoratie. "Ik geloof dat een schilderij vóór alles moet versieren", schreef Denis in 1891. "De keuze van onderwerpen of scènes is niets. Het is door de waarde van tonen, het gekleurde oppervlak en de harmonie van lijnen dat ik de geest kan bereiken en maak de emoties wakker. "[19] Deze schilders hebben allemaal zowel traditioneel schilderen als decoratief schilderen op schermen, in glas en in andere media.[20]

Een andere belangrijke invloed op de nieuwe stijl was Japonisme​Dit was een golf van enthousiasme voor Japans houtsnededruk, in het bijzonder de werken van Hiroshige, Hokusai, en Utagawa Kunisada, die vanaf de jaren 1870 in Europa werden geïmporteerd. Het ondernemende Siegfried Bing een maandelijks tijdschrift opgericht, Le Japon artistique in 1888, en publiceerde zesendertig nummers voordat het eindigde in 1891. Het beïnvloedde zowel verzamelaars als kunstenaars, waaronder Gustav Klimt​De gestileerde kenmerken van Japanse prenten kwamen voor in art nouveau-afbeeldingen, porselein, sieraden en meubels. Sinds het begin van 1860 heeft een Uit het Verre Oosten invloed manifesteerde zich plotseling. In 1862 konden kunstliefhebbers uit Londen of Parijs kopen Japanse kunstwerken, want in dat jaar verscheen Japan voor het eerst als exposant op de Internationale tentoonstelling in Londen. Ook in 1862, in Parijs, La Porte Chinoise winkel, op Rue de Rivoli, was open, waar Japans ukiyo-e en andere voorwerpen uit het Verre Oosten werden verkocht. In 1867, Voorbeelden van Chinese ornamenten door Owen Jones verscheen, en in 1870 Kunst en industrieën in Japan door R. Alcock, en twee jaar later publiceerden O. H. Moser en T. W. Cutler boeken over Japanse kunst. Sommige Art Nouveau-artiesten, zoals Victor Horta, bezat een collectie kunst uit het Verre Oosten, vooral Japans.[13]

Dankzij nieuwe technologieën in drukkerijen en uitgeverijen kon de art nouveau snel een wereldwijd publiek bereiken. Kunsttijdschriften, geïllustreerd met foto's en kleur litho's, speelde een essentiële rol bij het populariseren van de nieuwe stijl. De studio in Engeland, Arts et idèes en Kunst en decoraties in Frankrijk, en Jugend in Duitsland liet de stijl zich snel verspreiden naar alle uithoeken van Europa. Aubrey Beardsley in Engeland, en Eugène Grasset, Henri de Toulouse-Lautrec, en Félix Vallotton kreeg internationale erkenning als illustratoren.[21]Met de posters van Jules Chéret voor danseres Loie Fuller in 1893, en door Alphonse Mucha voor actrice Sarah Bernhardt in 1895 werd het affiche niet alleen reclame, maar een kunstvorm. Sarah Bernhardt zette grote aantallen van haar posters opzij voor verkoop aan verzamelaars.[22]

Ontwikkeling - Brussel (1893-1898)

De eerste herenhuizen in art-nouveaustijl, Hankar House door Paul Hankar (1893) en de Hôtel Tassel door Victor Horta (1892–1893),[4][5] werden bijna gelijktijdig ingebouwd Brussel​Hankar werd vooral geïnspireerd door de theorieën van de Franse architect Eugène Viollet-le-Duc​Met als doel een synthese te creëren van beeldende kunst en decoratieve kunsten, bracht hij Adolphe Crespin [vr] en Albert Ciamberlani [vr] om het interieur en exterieur mee te versieren sgraffitoof muurschilderingen. Hankar versierde winkels, restaurants en galerijen in wat een plaatselijke criticus "een waar delirium van originaliteit" noemde. Hij stierf in 1901, net toen de beweging erkenning begon te krijgen.[23]

Victor Horta behoorde tot de meest invloedrijke architecten van de vroege art nouveau, en de zijne Hôtel Tassel (1892-1893) is een van de herkenningspunten van de stijl.[24][25] Horta's architectuuropleiding was als assistent Alphonse Balat, architect tot Leopold II van België, het monumentale ijzer en glas construeren Serres van Laken.[26] In 1892–1893 gebruikte hij deze ervaring op een heel andere manier. Hij ontwierp de woning van een vooraanstaande Belgische chemicus, Émile Tassel, op een zeer smal en diep terrein. Het centrale element van het huis was de trap, niet omsloten door muren, maar open, versierd met een krullende smeedijzeren leuning en geplaatst onder een hoog dakraam. De vloeren werden ondersteund door slanke ijzeren zuilen als boomstammen. De mozaïekvloeren en muren waren versierd met delicaat arabesken in bloemige en plantaardige vormen, wat de meest populaire handtekening van de stijl werd.[27][28] Horta heeft in korte tijd nog drie herenhuizen gebouwd, allemaal met open interieurs en allemaal met dakramen voor maximale binnenverlichting: de Hotel Solvay, de Hôtel van Eetvelde, en de Maison & Atelier Horta​Alle vier maken nu deel uit van een UNESCO werelderfgoed.

Henry van de Velde, geboren in Antwerpen, was een andere grondlegger bij de geboorte van de art nouveau. Van de Velde's ontwerpen omvatten het interieur van zijn woning, de Bloemenwerf (1895).[29][30] De buitenkant van het huis is geïnspireerd op de rood huis, de residentie van schrijver en theoreticus William Morris, de oprichter van de Arts and Crafts-beweging​Van de Velde, opgeleid als schilder, richtte zich op illustratie, vervolgens op meubelontwerp en ten slotte op architectuur. Voor de Bloemenwerfcreëerde hij het textiel, het behang, het zilverwerk, de sieraden en zelfs de kleding die bij de stijl van de woning pasten.[31] Van de Velde ging naar Parijs, waar hij meubels en decoratie ontwierp Samuel Bing, wiens Parijse galerie de stijl zijn naam gaf. Hij was ook een vroege Art Nouveau-theoreticus en eiste het gebruik van dynamische, vaak tegengestelde lijnen. Van de Velde schreef: "Een linie is een kracht zoals alle andere elementaire krachten. Verschillende lijnen die tegen elkaar aan staan, hebben een even sterke aanwezigheid als meerdere krachten". In 1906 vertrok hij naar België Weimar (Duitsland), waar hij de Grand-Ducal School of Arts and Crafts oprichtte, waar het onderwijzen van historische stijlen verboden was. Hij speelde een belangrijke rol in de Duitse Werkbund, alvorens terug te keren naar België.[32]

Het debuut van Art Nouveau-architectuur in Brussel ging gepaard met een golf van decoratieve kunst in de nieuwe stijl. Belangrijke artiesten inbegrepen Gustave Strauven, die smeedijzer gebruikte om barokke effecten op Brusselse gevels te bewerkstelligen; de meubelontwerper Gustave Serrurier-Bovy, bekend om zijn zeer originele stoelen en gelede metalen meubels; en de sieradenontwerper Philippe Wolfers, die sieraden maakte in de vorm van libellen, vlinders, zwanen en slangen.[33]

De Internationale Expositie van Brussel gehouden in 1897 bracht internationale aandacht voor de stijl; Onder meer Horta, Hankar, Van de Velde en Serrurier-Bovy namen deel aan het ontwerp van de beurs, en Henri Privat-Livemont creëerde de poster voor de tentoonstelling.

Parijs - Maison de l'Art Nouveau (1895) en Castel Beranger (1895-1898)

De Frans-Duitse kunsthandelaar en uitgever Siegfried Bing speelde een sleutelrol bij het bekendmaken van de stijl. In 1891 richtte hij een tijdschrift op dat gewijd was aan de kunst van Japan, dat hielp bij de publiciteit Japonisme in Europa. In 1892 organiseerde hij een tentoonstelling van zeven kunstenaars, onder wie Pierre Bonnard, Félix Vallotton, Édouard Vuillard, Toulouse-Lautrec en Eugène Grasset, die zowel modern schilderwerk als decoratief werk omvatte. Deze tentoonstelling was te zien in de Société nationale des beaux-arts in 1895. In hetzelfde jaar opende Bing een nieuwe galerie in 22 rue de Provence in Parijs, de Maison de l'Art Nouveau, gewijd aan nieuwe werken in zowel de schone als de decoratieve kunsten. Het interieur en meubilair van de galerie zijn ontworpen door de Belgische architect Henry van de Velde, een van de pioniers van de Art Nouveau-architectuur. De Maison de l'Art Nouveau toonde schilderijen van Georges Seurat, Paul Signac en Toulouse-Lautrec, glas van Louis Comfort Tiffany en Émile Gallé, sieraden van René Laliqueen posters van Aubrey Beardsley​De werken die daar getoond werden, waren helemaal niet uniform van stijl. Bing schreef in 1902: "Art Nouveau streefde op het moment van zijn oprichting op geen enkele manier naar de eer om een ​​algemene term te worden. Het was gewoon de naam van een huis dat werd geopend als een verzamelpunt voor alle jongeren en vurige kunstenaars die ongeduldig zijn om de moderniteit van hun neigingen te laten zien. "[34]

De stijl viel al snel op in buurland Frankrijk. Na een bezoek aan Horta's Hôtel Tassel, Hector Guimard bouwde het Castel Béranger, een van de eerste Parijse gebouwen in de nieuwe stijl, tussen 1895 en 1898.[nb 1] Parijzenaars hadden geklaagd over de eentonigheid van de architectuur van de boulevards eronder Napoleon III door Georges-Eugène Haussmann​De Castel Beranger was een merkwaardige mix van neogotiek en art nouveau, met welvingen whiplash lijnen en natuurlijke vormen. Guimard, een bekwaam publicist voor zijn werk, verklaarde: "Wat koste wat het kost vermeden moet worden is ... de parallel en symmetrie. De natuur is de grootste bouwer van allemaal, en de natuur maakt niets dat parallel is en niets dat symmetrisch is." [36]

Parijzenaars verwelkomden de originele en pittoreske stijl van Guimard; De Castel Béranger werd gekozen als een van de beste nieuwe façades in Parijs, waarmee Guimard's carrière werd gelanceerd. Guimard kreeg de opdracht om de ingangen voor het nieuwe te ontwerpen Metro van Parijs systeem, dat de stijl onder de aandacht bracht van de miljoenen bezoekers van de stad 1900 Expositie Universelle.[10]

Parijs Expositie Universelle (1900)

De Parijs 1900 Expositie universelle markeerde het hoogtepunt van de art nouveau. Tussen april en november 1900 trok het bijna vijftig miljoen bezoekers van over de hele wereld, en toonde het de architectuur, het ontwerp, het glaswerk, het meubilair en de decoratieve objecten van de stijl. De architectuur van de expositie was vaak een mengeling van art nouveau en Beaux-Arts-architectuur: de belangrijkste tentoonstellingshal, de Grand Palais had een Beaux-Arts-façade die niets te maken had met de spectaculaire Art Nouveau-trap en de tentoonstellingshal in het interieur.

Franse ontwerpers maakten allemaal speciaal werk voor de tentoonstelling: Lalique kristal en sieraden; sieraden van Henri Vever en Georges Fouquet; Daum glas; de Manufacture nationale de Sèvres in porselein​keramiek door Alexandre Onverdraaglijke​gebeeldhouwde glazen lampen en vazen ​​van Émile Gallé​meubels door Édouard Colonna en Louis Majorelle​en vele andere vooraanstaande kunst- en ambachtsbedrijven. Op de Expositie in Parijs in 1900, Siegfried Bing presenteerde een paviljoen genaamd Art Nouveau Bing, met zes verschillende interieurs die volledig in de stijl waren gedecoreerd.[37][38]

De expositie was de eerste internationale showcase voor Art Nouveau-ontwerpers en kunstenaars uit heel Europa en daarbuiten. Prijswinnaars en deelnemers inbegrepen Alphonse Mucha, die muurschilderingen maakte voor het paviljoen van Bosnië-Herzegovina en ontwierp het menu voor het restaurant van het paviljoen; de decorateurs en ontwerpers Bruno Paul en Bruno Möhring uit Berlijn; Carlo Bugatti van Turijn​Bernhardt Pankok uit Beieren​De Russische architect-ontwerper Fyodor Schechtel, en Louis Comfort Tiffany and Company uit de Verenigde Staten.[39] De Weense architect Otto Wagner was een jurylid en presenteerde een model van de art nouveau-badkamer van zijn eigen stadsappartement in Wenen, met een glazen badkuip.[40] Josef Hoffmann ontwierp de Weense tentoonstelling op de expositie in Parijs, waarbij de ontwerpen van de Wenen Secession.[41] Eliel Saarinen won voor het eerst internationale erkenning voor zijn fantasierijke ontwerp van het paviljoen van Finland.[42]

Hoewel de Expositie in Parijs verreweg de grootste was, hebben andere exposities er veel toe bijgedragen om de stijl populair te maken. De 1888 Wereldtentoonstelling in Barcelona markeerde het begin van de Modernisme stijl in Spanje, met enkele gebouwen van Lluís Domènech i Montaner​De Esposizione internazionale d'arte decorativa moderna van 1902 in Turijn, Italië, presenteerden ontwerpers uit heel Europa, waaronder Victor Horta uit België en Joseph Maria Olbrich uit Wenen, samen met lokale artiesten zoals Carlo Bugatti, Galileo Chini en Eugenio Quarti.[43]

Lokale variaties

Art Nouveau in Frankrijk

Na de expositie van 1900 was Parijs de hoofdstad van de art nouveau. De meest extravagante woningen in de stijl werden gebouwd door Jules Lavirotte, die de gevels volledig bedekten met keramische sculpturale decoratie. Het meest flamboyante voorbeeld is de Lavirotte-gebouw, op 29, Avenue Rapp (1901). Kantoorgebouwen en warenhuizen hadden hoge binnenplaatsen die waren bedekt met glas-in-loodkoepels en keramische versieringen. De stijl was vooral populair in restaurants en cafés, waaronder Maxim's Bij 3, rue Royale, en Le Train blauw bij de Gare de Lyon (1900).[44]

De status van Parijs trok buitenlandse kunstenaars naar de stad. De in Zwitserland geboren kunstenaar Eugène Grasset was een van de eerste makers van Franse art-nouveauposters. Hij hielp bij het decoreren van het beroemde cabaret Le Chat Noir in 1885 maakte hij zijn eerste affiches voor de Fêtes de Paris en een gevierde poster van Sarah Bernhardt in 1890. In Parijs gaf hij les aan de kunstacademie van Guérin (École normale d'enseignement du dessin), waar zijn studenten deel van uitmaakten Augusto Giacometti en Paul Berthon.[45][46] Geboren in Zwitserland Théophile-Alexandre Steinlen creëerde de beroemde poster voor de Paris cabaret Le Chat zwart in 1896. The Tsjechisch artiest Alphonse Mucha (1860-1939) arriveerde in 1888 in Parijs en maakte in 1895 een poster voor actrice Sarah Bernhardt in het toneelstuk Gismonda door Victorien Sardou in Théâtre de la Renaissance​Het succes van deze poster leidde tot een contract om posters te maken voor nog zes toneelstukken van Bernhardt.

De stad van Nancy in Lotharingen werd de andere Franse hoofdstad van de nieuwe stijl. In 1901 werd de Alliantie provinciale des industries d'art, ook wel bekend als de École de Nancy, werd opgericht om de hiërarchie te verstoren die schilderkunst en beeldhouwkunst boven de decoratieve kunsten plaatste. De belangrijkste kunstenaars die daar werkten, waren onder meer de makers van glazen vazen ​​en lampen Émile Gallé, de Daum broers in glasontwerp, en de ontwerper Louis Majorelle, die meubels creëerde met sierlijke bloemen- en plantenvormen. De architect Henri Sauvage bracht de nieuwe architecturale stijl met de zijne naar Nancy Villa Majorelle in 1902.

De Franse stijl werd op grote schaal gepropageerd door nieuwe tijdschriften, waaronder De studio, Arts et Idées en Art et Décoration, wiens foto's en kleur litho's maakte de stijl bekend bij ontwerpers en vermogende klanten over de hele wereld.

In Frankrijk bereikte de stijl zijn hoogtepunt in 1900 en raakte daarna snel uit de mode en verdween in 1905 vrijwel uit Frankrijk. Art Nouveau was een luxe stijl, waarvoor deskundige en goedbetaalde vakmensen nodig waren, en die niet gemakkelijk of goedkoop massa kon zijn. geproduceerd. Een van de weinige Art Nouveau-producten die in massa konden worden geproduceerd, was de parfumfles, en deze worden nog steeds in de stijl vervaardigd.

Art Nouveau in België

België was een vroeg centrum van Art Nouveau, grotendeels dankzij de architectuur van Victor Horta, die een van de eerste Art Nouveau-huizen ontwierp, de Hôtel Tassel in 1893, en drie andere herenhuizen in varianten van dezelfde stijl. Ze zijn nu UNESCO-werelderfgoedlocaties​Horta had een sterke invloed op het werk van de jongeren Hector Guimard, die het Hotel Tassel in aanbouw kwam bekijken en later verklaarde dat Horta de "uitvinder" van de Art Nouveau was.[47] Horta's innovatie was niet de gevel, maar het interieur, waarbij een overvloed aan ijzer en glas werd gebruikt om de ruimte te openen en de kamers te overspoelen met licht, en ze te decoreren met smeedijzeren zuilen en balustrades in gebogen plantaardige vormen, die weergalmden op de vloeren en muren, maar ook de meubels en tapijten die Horta ontwierp.[48]

Paul Hankar was een andere pionier van de Brusselse art nouveau. Zijn huis werd voltooid in 1903, hetzelfde jaar als Horta's Hotel Tassel, en werd gekenmerkt sgraffiti muurschilderingen op de gevel. Hankar werd door beide beïnvloed Viollet-le-Duc en de ideeën van de Engelsen Arts and Crafts-beweging​Zijn idee was om decoratieve en schone kunsten samen te brengen in een samenhangend geheel. Hij gaf de beeldhouwer Alfred Crick en de schilder de opdracht Adolphe Crespin [vr] om de gevels van huizen te versieren met hun werk. Het meest opvallende voorbeeld was het huis en de studio gebouwd voor de kunstenaar Albert Ciamberlani op 48, rue Defacqz/Defacqzstraat in Brussel, waarvoor hij een uitbundige gevel bekleedde sgraffito muurschilderingen met geschilderde figuren en ornament, die de decoratieve architectuur van de Quattrocentoof 15e-eeuws Italië.[49] Hankar stierf in 1901, toen zijn werk net erkenning kreeg.[50]

Gustave Strauven was Horta's assistent, voordat hij zijn eigen praktijk begon op 21-jarige leeftijd. Zijn bekendste werk is het Maison Saint Cyr op Ambiorix Square in Brussel. Slechts vier meter breed, is het van boven tot onder versierd met gebogen ornament, in een vrijwel art nouveau-barokstijl.

Andere belangrijke Art Nouveau-kunstenaars uit België waren de architect en ontwerper Henry van de Velde, hoewel het belangrijkste deel van zijn carrière in Duitsland werd doorgebracht; hij had een sterke invloed op de decoratie van de Jugendstil​Anderen waren onder meer de decorateur Gustave Serrurier-Bovy, en de graficus Fernand Khnopff.[5][51][52] Belgische ontwerpers profiteerden van een overvloedig aanbod van ivoor geïmporteerd uit het Belgisch Congo​gemengde sculpturen, een combinatie van steen, metaal en ivoor, van kunstenaars als Philippe Wolfers, was populair.[53]

Nieuwe Kunst in Nederland

In Nederland stond de stijl bekend als de Nieuwe Stijl ("Nieuwe stijl"), of Nieuwe Kunst ("New Art"), en het ging een andere richting uit dan de meer bloemige en gebogen stijl in België. Het werd beïnvloed door de meer geometrische en gestileerde vormen van de Duitser Jugendstil en Oostenrijks Wenen Secession.[53] Het werd ook beïnvloed door de kunst en geïmporteerde houtsoorten Indonesië, dan de Nederlands-Indië, met name de ontwerpen van de textiel en batik van Java.

De belangrijkste architect en meubelontwerper in de stijl was Hendrik Petrus Berlage, die historische stijlen aan de kaak stelde en een puur functionele architectuur bepleitte. Hij schreef: "Het is noodzakelijk om tegen de kunst van illusie te vechten, om de leugen te herkennen en te herkennen, om de essentie te vinden en niet de illusie."[54] Leuk vinden Victor Horta en Gaudí, hij was een bewonderaar van architectuurtheorieën van Viollet-le-Duc.[55] Zijn meubels zijn ontworpen om strikt functioneel te zijn en om de natuurlijke vormen van hout te respecteren, in plaats van het te buigen of te draaien alsof het metaal is. Hij wees op het voorbeeld van Egyptische meubels en gaf de voorkeur aan stoelen met rechte hoeken. Zijn eerste en beroemdste architectonische werk was de Beurs van Berlage (1896–1903), de Amsterdam Commodities Exchange, die hij bouwde volgens de principes van constructivisme​Alles was functioneel, inclusief de rijen klinknagels die de muren van de hoofdkamer versierden. Hij voegde vaak zeer hoge torens toe aan zijn gebouwen om ze prominenter te maken, een praktijk die werd gebruikt door andere Art Nouveau-architecten uit die periode, waaronder Joseph Maria Olbrich in Wenen en Eliel Saarinen in Finland.[56]

Andere gebouwen in de stijl zijn onder meer de Amerikaans hotel (1898–1900), eveneens door Berlage; en Astoria (1904-1905) van Herman Hendrik Baanders en Gerrit van Arkel in Amsterdam​de treinstation in Haarlem (1906-1908), en het voormalige kantoorgebouw van de Holland America Lines (1917) in Rotterdam, nu de Hotel New York.

Prominente grafici en illustratoren in de stijl inbegrepen Jan Toorop, wiens werk neigde naar mystiek en symboliek, zelfs in zijn posters voor slaolie. In hun kleuren en dessins lieten ze soms ook de invloed zien van de kunst van Java.[56]

Belangrijke figuren in de Nederlandse keramiek en porselein waren onder meer Jurriaan Kok en Theo Colenbrander​Ze gebruikten kleurrijke bloemenpatronen en meer traditionele Art Nouveau-motieven, gecombineerd met ongebruikelijke vormen van aardewerk en contrasterende donkere en lichte kleuren, ontleend aan de batikversiering van Java.[57]

Moderne stijl en Glasgow School in Groot-Brittannië

Art Nouveau had zijn wortels in Groot-Brittannië, in de Arts and Crafts-beweging die begon in de jaren 1860 en in de jaren 1880 internationale erkenning kreeg. Het riep op tot een betere behandeling van decoratieve kunsten en liet zich inspireren door middeleeuws vakmanschap en design, en de natuur.[58] Een opmerkelijk vroeg voorbeeld van de moderne stijl is Arthur Mackmurdo's ontwerp voor de omslag van zijn essay over de stadskerken van Sir Christopher Wren, gepubliceerd in 1883, evenals zijn mahonie stoel uit hetzelfde jaar.[59]

Andere belangrijke vernieuwers in Groot-Brittannië waren de grafisch ontwerpers Aubrey Beardsley wiens tekeningen de gebogen lijnen vertoonden die het meest herkenbare kenmerk van de stijl werden. Vrij stromende smeedijzer uit de jaren 1880 kunnen ook worden aangevoerd, of enkele platte bloemige textielontwerpen, waarvan de meeste een impuls te danken hebben aan patronen van 19e-eeuws ontwerp. Andere Britse grafische kunstenaars die een belangrijke plaats in de stijl hadden, waren onder meer Walter Crane en Charles Ashbee.[60]

De Vrijheid warenhuis in Londen speelde een belangrijke rol, door de kleurrijke gestileerde bloemmotieven voor textiel en de ontwerpen voor zilver, tin en sieraden van Manxman (van Schotse afkomst) Archibald Knox​Zijn sieradenontwerpen in materialen en vormen braken volledig af van de historische tradities van het sieradenontwerp.

Voor Art Nouveau-architectuur en meubeldesign was het belangrijkste centrum in Groot-Brittannië Glasgow, met de creaties van Charles Rennie Mackintosh en de Glasgow School, wiens werk werd geïnspireerd door Schotse baronarchitectuur en Japans ontwerp.[61] Vanaf 1895 exposeerde Mackintosh zijn ontwerpen op internationale exposities in Londen, Wenen en Turijn; zijn ontwerpen hadden vooral invloed op de Secession-stijl in Wenen. Zijn architectonische creaties waren onder meer het Glasgow Herald Building (1894) en de bibliotheek van de Glasgow School of Art (1897). Hij bouwde ook een grote reputatie op als meubelontwerper en decorateur, in nauwe samenwerking met zijn vrouw, Margaret Macdonald Mackintosh, een vooraanstaand schilder en ontwerper. Samen creëerden ze opvallende ontwerpen die geometrische rechte lijnen combineerden met zacht gebogen bloemendecoraties, met name een beroemd symbool van de stijl, de Glasgow Rose ".[62]

Léon-Victor Solon, leverde een belangrijke bijdrage aan Art Nouveau-keramiek als art director bij Mintons. Hij specialiseerde zich in plaquettes en in buis bekleed vazen ​​die op de markt worden gebracht als "secessionist ware" (meestal beschreven als vernoemd naar de Weense kunstbeweging).[63] Behalve keramiek ontwierp hij ook textiel voor de Prei-zijde-industrie[64] en verdubbelingen voor een boekbinder (G.T. Bagguley van Newcastle onder Lyme), die patenteerde op de Sutherland bindend in 1895.

George Skipper was misschien wel de meest actieve art nouveau-architect in Engeland. Het Edward Everard-gebouw in Bristol, gebouwd in de periode 1900-1901 om het drukkerij van Edward Everard, heeft een art-nouveaugevel. De afgebeelde figuren zijn van Johannes Gutenberg en William Morris, beide vooraanstaand op het gebied van afdrukken. Een gevleugelde figuur symboliseert de "Spirit of Light", terwijl een figuur die een lamp en spiegel vasthoudt, licht en waarheid symboliseert.

Jugendstil in Duitsland

Duitse Art Nouveau is algemeen bekend onder de Duitse naam, Jugendstilof "Jeugdstijl". De naam is ontleend aan het artistieke tijdschrift, Die Jugend, of Jeugd, dat werd gepubliceerd in München. Het tijdschrift werd in 1896 opgericht door Georg Hirth, die redacteur bleef tot aan zijn dood in 1916. Het tijdschrift bleef bestaan ​​tot 1940. Tijdens het begin van de 20e eeuw, Jugendstil werd alleen toegepast op de grafische kunsten.[65] Het verwees vooral naar de vormen van typografie en grafische vormgeving gevonden in Duitse tijdschriften zoals Jugend, Pan, en Simplicissimus. Jugendstil werd later toegepast op andere versies van Art Nouveau in Duitsland, Nederland. De term is door verschillende talen van de Baltische staten en Scandinavie om Art Nouveau te beschrijven (zie Benoemen sectie).[11][66]

In 1892 Georg Hirth koos de naam Afscheiding van München voor de Vereniging van Beeldende Kunstenaars van München​De Wenen Secession, opgericht in 1897,[67] en de Berlin Secession namen ook hun namen van de München-groep.

De tijdschriften Jugend en Simplicissimus, gepubliceerd in München, en Pan, gepubliceerd in Berlijn, waren belangrijke voorstanders van de Jugendstil. Jugendstil kunst combineerde bochtige rondingen en meer geometrische lijnen, en werd gebruikt voor covers van romans, advertenties en tentoonstelling posters. Ontwerpers creëerden vaak originele stijlen van lettertype die harmonieus samenwerkten met het beeld, b.v. Arnold Böcklin lettertype in 1904.

Otto Eckmann was een van de meest prominente Duitse kunstenaars die met beide verbonden waren Die Jugend en Pan​Zijn favoriete dier was de zwaan, en zijn invloed was zo groot dat de zwaan als symbool van de hele beweging ging dienen. Een andere prominente ontwerper in de stijl was Richard Riemerschmid, die meubels, aardewerk en andere decoratieve objecten maakte in een sobere, geometrische stijl die vooruit wees op de Art Deco.[68] De Zwitserse kunstenaar Hermann Obrist, woonachtig in München, illustreerde de coup de fouet of whiplash-motief, een sterk gestileerde dubbele curve die een beweging suggereert die is genomen vanaf de steel van de cyclamen bloem.

De Kunstenaarskolonie Darmstadt werd in 1899 opgericht door Ernest Ludwig, groothertog van Hessen​De architect die het huis van de groothertog bouwde, evenals de grootste structuur van de kolonie (trouwtoren), was Joseph Maria Olbrich, een van de Wenen Secession oprichters. Andere opmerkelijke kunstenaars van de kolonie waren Peter Behrens en Hans Christiansen​Ernest Ludwig gaf ook de opdracht om het kuuroordcomplex in Bad Nauheim aan het begin van de eeuw. Een compleet nieuwe Sprudelhof [de] complex werd gebouwd in 1905-1911 onder leiding van Wilhelm Jost [de] en bereikte een van de belangrijkste doelstellingen van Jugendstil: een synthese van alle kunsten.[69]Een ander lid van de regerende familie die opdracht gaf voor een Art Nouveau-structuur was Prinses Elisabeth van Hessen en door Rijn​Ze heeft opgericht Marfo-Mariinsky-klooster in Moskou in 1908 en zijn katholikon wordt erkend als een art nouveau-meesterwerk.[70]

Een andere opmerkelijke unie in het Duitse rijk was de Deutscher Werkbund, opgericht in 1907 in München op instigatie van Hermann Muthesius door kunstenaars van Darmstadt Colony Joseph Maria Olbrich, Peter Behrens​door een andere oprichter van Wenen Secession Josef Hoffmann, evenals door Wiener Werkstätte (opgericht door Hoffmann), door Richard Riemerschmid, Bruno Paul en andere artiesten en gezelschappen.[71] Later Belg Henry van de Velde sloot zich aan bij de beweging[nb 2]​De Groothertogelijk School of Arts and Crafts [de], opgericht door hem in Weimar, was een voorloper van Bauhaus, een van de meest invloedrijke stromingen in Modernistische architectuur.[73]

In Berlijn werd Jugendstil gekozen voor de aanleg van verschillende treinstations. De meest opvallende[74] is Bülowstraße door Bruno Möhring (1900-1902), andere voorbeelden zijn Mexikoplatz (1902–1904), Botanischer Garten (1908–1909), Frohnau (1908–1910), Wittenbergplatz (1911-1913) en Pankow (1912-1914) stations. Een andere opmerkelijke structuur van Berlijn is Hackesche Höfe (1906) die polychrome geglazuurde baksteen gebruikte voor de gevel van de binnenplaats.

Art Nouveau in Straatsburg (toen een deel van het Duitse rijk als de hoofdstad van de Rijksland Elsaß-Lothringen) was een specifiek merk, in die zin dat het invloeden van combineerde Nancy, en Brussel, met invloeden van Darmstadt, en Wenen, om een ​​lokale synthese uit te voeren die de geschiedenis van de stad tussen het Germaanse en het Franse rijk.

Afscheiding in Oostenrijk-Hongarije

Wenen Secession

Wenen werd het centrum van een aparte variant van de art nouveau, die bekend werd als de Wenen Secession​De beweging dankt zijn naam aan Afscheiding van München opgericht in 1892. Vienna Secession werd in april 1897 opgericht door een groep kunstenaars waaronder Gustav Klimt, Koloman Moser, Josef Hoffmann, Joseph Maria Olbrich, Max Kurzweil, Ernst Stöhr, en anderen.[67] De schilder Klimt werd de voorzitter van de groep. Ze maakten bezwaar tegen de conservatieve oriëntatie op historisme uitgedrukt door Wenen Künstlerhaus, de officiële vakbond van kunstenaars. The Secession richtte een tijdschrift op, Ver Sacrum, om hun werken in alle media te promoten. De Secession-stijl was met name vrouwelijker, minder zwaar en minder nationalistisch dan de Jugendstil in buurland Duitsland.[75] De architect Joseph Olbrich ontwierp het koepelvormige Secession-gebouw in de nieuwe stijl, dat een etalage werd voor de schilderijen van Gustav Klimt en andere Secession-kunstenaars.

Klimt werd de bekendste van de Secession-schilders, waarbij hij vaak de grens tussen kunstschilderkunst en decoratieve schilderkunst uitwiste. Koloman Moser was een buitengewoon veelzijdige artiest in de stijl; zijn werk, waaronder illustraties uit tijdschriften, architectuur, zilverwerk, keramiek, porselein, textiel, glas-in-loodramen en meubels.

The most prominent architect of the Wenen Secession was Otto Wagner,[76] he joined the movement soon after its inception to follow his students Hoffmann and Olbrich. His major projects included several stations of the urban rail network (the Stadtbahn), de Linke Wienzeile Buildings (consisting of Majolica House, the House of Medallions and the house at Köstlergasse). The Karlsplatz Station is now an exhibition hall of the Wenen Museum​De Kirche am Steinhof of Steinhof Psychiatric hospital (1904–1907) is a unique and finely-crafted example of Secession religious architecture, with a traditional domed exterior but sleek, modern gold and white interior lit by abundance of modern stained glass.

In 1899 Joseph Maria Olbrich verhuisd naar Kunstenaarskolonie Darmstadt, in 1903 Koloman Moser en Josef Hoffmann richtte het Wiener Werkstätte, a training school and workshop for designers and craftsmen of furniture, carpets, textiles and decorative objects.[77] In 1905 Koloman Moser en Gustav Klimt separated from Vienna Secession, later in 1907 Koloman Moser links Wiener Werkstätte as well, while its other founder Josef Hoffmann toegetreden tot de Deutscher Werkbund.[71] Gustav Klimt en Josef Hoffmann continued collaborating, they organized Kunstschau Exhibition [de] in 1908 in Wenen en bouwde het Stoclet Palace in Brussel (1905–1911) that announced the coming of modernistische architectuur.[78][79] Het werd aangeduid als een Werelderfgoed door Unesco in juni 2009.[80]

Hongaars Szecesszió

De pionier en profeet van de Szecesszió (Secession in het Hongaars), de architect Ödön Lechner, created buildings which marked a transition from historicism to modernism for Hungarian architecture.[81]His idea for a Hungarian architectural style was the use of architectonisch keramiek and oriental motifs. In his works, he used pygorganite placed in production by 1886 by Zsolnay Porcelain Manufactory.[81] This material was used in the construction of notable Hungarian buildings of other styles, e.g. de Hongaars parlementsgebouw en Matthiaskerk.

Works by Ödön Lechner[82] omvatten de Museum voor Toegepaste Kunst (1893–1896), other building with similar distinctive features are Geologisch museum (1896–1899) and The Postal Savings Bank building (1899–1902), all in Boedapest​However, due to the opposition of Hungarian architectural establishment to Lechner's success, he soon was unable to get new commissions comparable to his earlier buildings.[81] But Lechner was an inspiration and a master to the following generation of architects who played the main role in popularising the new style.[81] Within the process of Magyarisering numerous buildings were commissioned to his disciples in outskirts of the kingdom: e.g. Marcell Komor [hu] en Dezső Jakab kregen de opdracht om de Synagoge (1901–1903) and Town Hall (1908–1910) in Szabadka (now Subotica, Servië), County Prefecture (1905–1907) and Paleis van Cultuur (1911–1913) in Marosvásárhely (now Târgu Mureş, Roemenië​Later Lechner himself built the Blauwe Kerk in Pozsony (present-day Bratislava, Slowakije) in 1909–1913.

Another important architect was Károly Kós wie was een volgeling van John Ruskin en William Morris​Kós took the Finnish Nationale romantiek movement as a model and the Transylvanian vernacular as the inspiration.[83] His most notable buildings include the Roman Catholic Church in Zebegény (1908–09), pavilions for the Budapest Municipal Zoo (1909–1912) and the Székely National Museum in Sepsiszentgyörgy (now Sfântu Gheorghe, Romania, 1911–12).

The movement that promoted Szecesszió in arts was Gödöllő Art Colony, founded by Aladár Körösfői-Kriesch, also a follower John Ruskin en William Morris and a professor at the Royal School of Applied Arts in Boedapest in 1901.[84] Its artists took part in many projects, including the Franz Liszt Muziekacademie in Boedapest.[85]

An associate to Gödöllő Art Colony,[86] Miksa Róth was also involved in several dozen Szecesszió projects, including Budapest buildings including Gresham Palace (stained glass, 1906) and Török Bank [vr] (mosaics, 1906) and also created mosaics and stained glass for Paleis van Cultuur (1911–1913) in Marosvásárhely.

A notable furniture designer is Ödön Faragó [hu] who combined traditional popular architecture, oriental architecture and international Art Nouveau in a highly picturesque style. Pál Horti [hu], another Hungarian designer, had a much more sober and functional style, made of oak with delicate traceries of ebony and brass.

Andere variaties

The most prolific Sloveens Art Nouveau architect was Ciril Metod Koch.[87] Hij studeerde bij Otto Wagner's classes in Vienna and worked in the Laybach (now Ljubljana, Slovenië) City Council from 1894 to 1923. After the earthquake in Laybach in 1895, he designed many secular buildings in Secession style that he adopted from 1900 to 1910:[87] Pogačnik House (1901), Čuden Building (1901), The Farmers Loan Bank (1906–07), renovated Hauptmann Building in Secession style in 1904. The highlight of his career was the Loan Bank in Radmannsdorf (now Radovljica) in 1906.[87]

The most notable Secession buildings in Praag zijn voorbeelden van total art with distinctive architecture, sculpture and paintings.[88] The main railway station (1901–1909) was designed by Josef Fanta and features paintings of Václav Jansa en sculpturen van Ladislav Šaloun en Stanislav Sucharda along with other artists. De Gemeentelijk huis (1904–1912) was designed by Osvald Polívka and Antonín Balšánek, painted by famous Czech painter Alphonse Mucha and features sculptures of Josef Mařatka en Ladislav Šaloun​Polívka, Mařatka, and Šaloun simultaneously cooperated in the construction of Nieuw stadhuis (1908–1911) along with Stanislav Sucharda, and Mucha later painted St. Vitus Kathedraal's stained glass windows in his distinctive style.

The style of combining Hungarian Szecesszió and national architectural elements was typical for a Slowaaks architect Dušan Jurkovič​His most original works are the Cultural House in Szakolca (now Skalica in Slowakije, 1905), the buildings of spa in Luhačovice (now Czech Republic) in 1901–1903 and 35 war cemeteries near Nowy Żmigród in Galicië (now Poland), most of them heavily influenced by local Lemko (Rusyn) folk art and carpentry (1915–1917).

Art Nouveau in Romania

De Constanța Casino is probably the most famous exemplary of Art Nouveau in Romania. De Casino, Kurhaus of Kursaal theme is specific to the Belle Époque​The author of the casino, started in 1905 and finished in 1910, is the architect Daniel Renard, who studied in Paris between and 1894 and 1900. He signed both the architectural and decoration plans of the casino. Specific to Art Nouveau is the embossed ornamentation of the facades, either with naturalistic floral motifs, such as those of the School of Nancy, or motifs inspired by marine fauna (shells, dolphins, marine chimeras, ships, masts, ...). One of the Art Nouveau houses of Bucharest is the Dinu Lipatti House (no. 12, Lascăr Catargiu Boulevard), by Petre Antonescu, its central motif being the entrance arch, above which there is a female mascaraon in hoog reliëf​Among the examples of Art Nouveau architecture in Bucharest are townhouses, which sometimes have only horseshoe-shaped windows or other forms or ornaments specific to Art Nouveau. Een voorbeeld is de Romulus Porescu House (no. 12, Doctor Paleologu Street), which also has Egyptische opwekking stained glass windows on the corner windows. Sommige van de Barokke heropleving buildings in Bucharest have Art Nouveau or neorocaille influences, among them the Bucharest Observatory (no. 21, Lascăr Catargiu Boulevard), house no. 58 on Sfinții Voievozi Street, the beautiful Mița the Cyclist House (no. 9, Biserica Amzei Street, or no. 11, Christian Tell Street) and the Cantacuzino-paleis (no. 141, Victory Avenue).[91]

One of the most important Art Nouveau painters in Romania was Ștefan Luchian, who quickly took over the innovative and decorative directions of Art Nouveau for a short period of time. The moment was synchronized with the founding of the Ileana Society in 1897, of which he was a founding member, a company that organized an exhibition (1898) at the Union Hotel entitled The Exhibition of Independent Artists and published a magazine - the Ileana Magazine.[92]

Stijl Liberty in Italië

Art Nouveau in Italy was known as arte nuova, stile floreale, stijl moderno En in het bijzonder stile Liberty. Liberty-stijl took its name from Arthur Lasenby Liberty en de winkel die hij in 1874 in Londen oprichtte, Liberty Warenhuis, which specialised in importing ornaments, textiles and art objects from Japan and the Far East, and whose colourful textiles which were particularly popular in Italy. Notable Italian designers in the style included Galileo Chini, whose ceramics were often inspired both by majolica patronen. He was later known as a painter and a theatrical scenery designer; he designed the sets for two celebrated Puccini operas Gianni Schicchi en Turandot.[93][94][11]

Liberty style architecture varied greatly, and often followed historical styles, particularly the Baroque. Facades were often drenched with decoration and sculpture. Examples of the Liberty style include the Villino Florio (1899–1902) by Ernesto Basile in Palermo​de Palazzo Castiglioni in Milaan door Giuseppe Sommaruga (1901–1903); Milan, and the Casa Guazzoni (1904–05) in Milan by Giovanni Battista Bossi (1904–06).[95]

Colorful frescoes, painted or in ceramics, and sculpture, both in the interior and exterior, were a popular feature of Liberty style. They drew upon both classical and floral themes. as in the baths of Acque della Salute, and in the Casa Guazzoni in Milan.

The most important figure in Liberty-stijl design was Carlo Bugatti, the son of an architect and decorator, father of Rembrandt Bugatti, Liberty sculptor, and of Ettore Bugatti, famous automobile designer. Hij studeerde aan de Milanese Academy of Brera, en later de Académie des Beaux-Arts in Parijs. His work was distinguished by its exoticism and eccentricity, included silverware, textiles, ceramics, and musical instruments, but he is best remembered for his innovative furniture designs, shown first in the 1888 Milan Fine Arts Fair. His furniture often featured a keyhole design, and had unusual coverings, including parchment and silk, and inlays of bone and ivory. It also sometimes had surprising organic shapes, copied after snails and cobras.[96]

Modernisme in Catalonia and Spain

A highly original variant of the style emerged in Barcelona, Catalonië, at about the same time that the Art Nouveau style appeared in Belgium and France. Het heette Modernisme in het Catalaans en Modernismo in het Spaans. Its most famous creator was Antoni Gaudí​Gaudí used floral and organic forms in a very novel way in Palau Güell (1886–1890). According to UNESCO, "the architecture of the park combined elements from the Arts and Crafts movement, Symbolism, Expressionism, and Rationalism, and presaged and influenced many forms and techniques of 20th-century Modernism."[98][99][100]He integrated crafts as keramiek, glas-in-lood, wrought ironwork smeden en timmerwerk into his architecture. In zijn Güell-paviljoens (1884–1887) and then Parc Güell (1900–1914) he also used a new technique called trencadís, which used waste ceramic pieces. His designs from about 1903, the Casa Batlló (1904-1906) en Casa Milà (1906–1912),[97] are most closely related to the stylistic elements of Art Nouveau.[101] Later structures such Heilige Familie combined Art Nouveau elements with revivalist Neogotisch.[101] Casa Batlló, Casa Milà, Güell-paviljoens, en Parc Güell were results of his collaboration with Josep Maria Jujol, who himself created houses in Sant Joan Despí (1913–1926), several churches near Tarragona (1918 and 1926) and the sinuous Casa Planells (1924) in Barcelona.

Besides the dominating presence of Gaudí, Lluís Domènech i Montaner also used Art Nouveau in Barcelona in buildings such as the Castell dels Tres Dragons (1888), Casa Lleó Morera, Palau de la Música Catalana (1905) en Ziekenhuis de Sant Pau (1901–1930).[101] The two latter buildings have been listed by Unesco net zo Wereld cultureel erfgoed.[102]

Another major modernista was Josep Puig en Cadafalch, die het Casa Martí en zijn Els Quatre Gats café, the Casimir Casaramona textile factory (now the CaixaFòrum art museum), Casa Macaya, Casa Amatller, the Palau del Baró de Quadras (housing Casa Àsia for 10 years until 2013) and the Casa de les Punxes ("House of Spikes").

EEN distinctive Art Nouveau movement was ook in de Valenciaanse Gemeenschap​Some of the notable architects were Demetrio Ribes Marco, Vicente Pascual Pastor, Timoteo Briet Montaud, en José María Manuel Cortina Pérez​Valencian Art Nouveau defining characteristics are a notable use of ceramics in decoration, both in the facade and in ornamentation, and also the use of Valencian regional motives.

Another remarkable variant is the Madrilenian Art Nouveau or "Modernismo madrileño", with such notable buildings as the Longoria Palace, de Casino de Madrid of de Cementerio de la Almudena, onder andere. Renowned modernistas from Madrid were architects José López Sallaberry, Fernando Arbós y Tremanti en Francisco Andrés Octavio [es].

De Modernisme movement left a wide art heritage including drawings, paintings, sculptures, glass and metal work, mosaics, ceramics, and furniture. A part of it can be found in Museu Nacional d'Art de Catalunya.

Inspired by a Paris café called Le Chat Noir, where he had previously worked, Pere Romeu i Borràs [ca.] decided to open a café in Barcelona that was named Els Quatre Gats (Four Cats in Catalan).[103] The café became a central meeting point for Barcelona's most prominent figures of Modernisme, zoals Pablo Picasso en Ramon Casas en Carbó who helped to promote the movement by his posters and postcards. For the café he created a picture called Ramon Casas en Pere Romeu op een tandem that was replaced with his another composition entitled Ramon Casas and Pere Romeu in an Automobile in 1901, symbolizing the new century.

Antoni Gaudí designed furniture for many of the houses he built; one example is an armchair called the for the Battle House​He influenced another notable Catalan furniture designer, Gaspar Homar [ca.] (1870–1953) who often combined marquetry and mosaics with his furnishings.[104]

Arte Nova in Portugal

The Art Nouveau variant in Aveiro (Portugal) was called Arte Nova, and its principal characteristic feature was ostentation: the style was used by bourgeoisie who wanted to express their wealth on the facades while leaving the interiors conservative.[106] Another distinctive feature of Arte Nova was the use of locally produced tiles with Art Nouveau motifs.[106]

The most influential artist of Arte Nova was Francisco Augusto da Silva Rocha.[106] Though he was not trained as an architect, he designed many buildings in Aveiro and in other cities in Portugal.[107][106] One of them, the Major Pessoa residence, has both an Art Nouveau facade and interior, and now hosts the Museum of Arte Nova.[106]

There are other examples of Arte Nova in other cities of Portugal.[108][109] Some of them are the Museum-Residence Dr. Anastácio Gonçalves door Manuel Joaquim Norte Júnior [pt](1904–1905) in Lissabon, Café Majestic door João Queiroz [pt] (1921) en Livraria Lello bookstore by Xavier Esteves [pt](1906), both in Porto.

Jugendstil in de Scandinavische landen

Finland

Art Nouveau was popular in the Scandinavie, where it was usually known as Jugendstil, and was often combined with the National Romantic Style of each country. The Nordic country with the largest number of Jugendstil buildings is the Groothertogdom Finland, dan een deel van Russische Rijk.[110] The Jugendstil period coincided with Gouden Eeuw van Finse kunst and national awakening. Na Expositie in Parijs in 1900 the leading Finnish artist was Akseli Gallen-Kallela.[111] He is known for his illustrations of the Kalevala, the Finnish national epic, as well as for painting numerous Judendstil buildings in the Duchy.

The architects of the Finnish pavilion at the Exposition were Herman Gesellius, Armas Lindgren, en Eliel Saarinen​They worked together from 1896 to 1905 and created many notable buildings in Helsinki inclusief Pohjola Insurance building (1899-1901) en Nationaal Museum van Finland (1905–1910)[112] as well as their joint residence Hvitträsk in Kirkkonummi (1902). Architects were inspired by Nordic legends and nature, rough granite façade thus became a symbol for belonging to the Finnish nation.[113] After the firm dissolved, Saarinen designed the Helsinki Railway Station (1905–1914) in clearer forms, influenced by American architecture.[113] The sculptor who worked with Saarinen in construction of National Museum of Finland and Helsinki Railway Station was Emil Wikström.

Another architect who created several notable works in Finland was Lars Sonck​His major Jugendstil works include Kathedraal van Tampere (1902–1907), Ainola, de thuisbasis van Jean Sibelius (1903), Headquarters of the Helsinki Telephone Association (1903–1907) and Kallio-kerk in Helsinki (1908–1912). Ook, Magnus Schjerfbeck, broer van Helene Schjerfbeck, gemaakt tuberculose sanatorium bekend als Nummela Sanatorium in 1903 using the Jugendstil style.[114][115][116]

Noorwegen

Norway also was aspiring independence (from Sweden) and local Art Nouveau was connected with a revival inspired by Viking folk art and crafts. Notable designers included Lars Kisarvik, who designed chairs with traditional Viking and Keltisch patronen, en Gerhard Munthe, die een stoel ontwierp met een gestileerd drakenkopembleem van oude Vikingschepen, evenals een breed scala aan posters, schilderijen en afbeeldingen.[117][volledig citaat nodig]

De Noor stad Ålesund wordt beschouwd als het belangrijkste centrum van de Art Nouveau in Scandinavië omdat het volledig werd herbouwd na een brand van 23 januari 1904.[118] Tussen 1904 en 1907 werden ongeveer 350 gebouwen gebouwd volgens een stedenbouwkundig plan ontworpen door de ingenieur Frederik Næsser. De samensmelting van eenheid en variëteit heeft geleid tot een stijl die bekend staat als Ål Stil. Gebouwen in de stijl hebben een lineair decor en echo's van zowel Jugendstil als lokale elementen, bijv. torens van staafkerken of de kuifdaken.[118] Een van de gebouwen, Swan Pharmacy, herbergt nu het Art Nouveau-centrum.

Zweden en Denemarken

Jugendstil-meesterwerken uit andere Scandinavische landen omvatten Engelbrektskyrkan (1914) en Koninklijk Dramatisch Theater (1901-1908) in Stockholm, Zweden[119] en voormalige stadsbibliotheek (nu Deens Nationaal Bedrijfsarchief) in Aarhus, Denemarken (1898-1901).[120] De architect van de laatste is Hack Kampmann, dan is een voorstander van Nationale romantische stijl die ook creëerde Aangepast huis, Theater en Villa Kampen in Aarhus​De meest opvallende art nouveau-ontwerper van Denemarken was de zilversmid Georg Jensen​De Baltische tentoonstelling in Malmö 1914 kan worden gezien als de laatste grote manifestatie van de Jugendstil in Zweden.[121]

Modern in Rusland

Модерн ("Modern") was een zeer kleurrijke Russische variant van Art Nouveau die verscheen in Moskou en Sint Petersburg in 1898 met de publicatie van een nieuw kunsttijdschrift, Мир искусства (transliteratie: Mir Iskusstva) ("The World of Art"), door Russische kunstenaars Alexandre Benois en Léon Bakst, en hoofdredacteur Sergei Diaghilev​Het tijdschrift organiseerde tentoonstellingen van vooraanstaande Russische kunstenaars, waaronder Mikhail Vrubel, Konstantin Somov, Isaac Levitan, en de boekillustrator Ivan Bilibin​De stijl van de World of Art maakte minder gebruik van de plantaardige en florale vormen van de Franse Art Nouveau; het trok zwaar op de heldere kleuren en exotische ontwerpen van Russische folklore en sprookjes. De meest invloedrijke bijdrage van de "World of Art" was de oprichting van een nieuw balletgezelschap, de Ballets Russes, onder leiding van Diaghilev, met kostuums en decors ontworpen door Bakst en Benois. Het nieuwe balletgezelschap ging in 1909 in Parijs in première en trad daar elk jaar op tot 1913. De exotische en kleurrijke decors ontworpen door Benois en Bakst hadden een grote impact op de Franse kunst en design. De kostuum- en decorontwerpen werden gereproduceerd in de toonaangevende Parijse tijdschriften, L'Illustration, La Vie parisienne en Gazette du bon ton, en de Russische stijl werd in Parijs bekend als à la Bakst​Het bedrijf was eerst gestrand in Parijs door het uitbreken van de Eerste Wereldoorlog en vervolgens door de Russische revolutie in 1917, en ironisch genoeg nooit opgetreden in Rusland.[122]

Van de Russische architecten was de meest prominente in de pure Art Nouveau-stijl Fyodor Schechtel​Het bekendste voorbeeld is de Ryabushinsky-huis in Moskou. Het werd gebouwd door een Russische zakenman en krantenbezitter, en daarna, na de Russische revolutie, werd de residentie van de schrijver Maxim Gorky, en is nu het Gorky Museum. De hoofdtrap, gemaakt van een gepolijst aggregaat van beton, marmer en graniet, heeft vloeiende, krullende lijnen als de golven van de zee en wordt verlicht door een lamp in de vorm van een drijvende kwal. Het interieur heeft ook deuren, ramen en plafond versierd met kleurrijke mozaïekfresco's.[123] Schechtel, die ook wordt beschouwd als een belangrijke figuur in Russische symboliek, ontwierp verschillende andere monumentale gebouwen in Moskou, waaronder de wederopbouw van de Moskou Yaroslavsky treinstation, in een meer traditionele Moskou-heroplevingsstijl.[123]

Andere Russische architecten uit de periode zijn gemaakt Russische Revival-architectuur, die putte uit historisch Russische architectuur​Deze gebouwen zijn grotendeels van hout gemaakt en verwezen naar de Architectuur van Kievan Rus '​Een voorbeeld is het Teremokhuis in Talashkino (1901-1902) van Sergey Malyutin, en Pertsova House (ook bekend als Pertsov House) in Moskou (1905-1907). Hij was ook lid van Mir Iskusstva beweging. De Sint Petersburg architect Nikolai Vasilyev gebouwd in verschillende stijlen voordat het in 1923 emigreerde. Dit gebouw is het meest opmerkelijk vanwege de steengravures gemaakt door Sergei Vashkov, geïnspireerd door de gravures van Kathedraal van Sint Demetrius in Vladimir en Sint-Joriskathedraal in Yuryev-Polsky van de XII en XIII eeuw. De Marfo-Mariinsky-klooster (1908-1912) van Alexey Shchusev is een bijgewerkte versie van een klassieker Russisch-orthodoxe kerk​Shchusev ontwierp later Het mausoleum van Lenin (1924) in Moskou.

Verschillende kunstkolonies in Rusland werden in deze periode gebouwd in de Russische heropleving stijl. De twee bekendste kolonies bevonden zich in Abramtsevo, gefinancierd door Savva Mamontov, en Talashkino, Gouvernement Smolensk, gefinancierd door Prinses Maria Tenisheva​Een voorbeeld van deze Russische Revival-architectuur is de Marfo-Mariinsky-klooster (1908-1912), een bijgewerkte Russisch-orthodoxe kerk door Alexey Shchusev, die later, ironisch genoeg, ontwierpen Het mausoleum van Lenin in Moskou.

Jūgendstils (Art Nouveau in Riga)

Riga, de huidige hoofdstad van Letland, was in die tijd een van de belangrijkste steden van de Russische Rijk. Art Nouveau-architectuur in Riga niettemin ontwikkelde zich volgens zijn eigen dynamiek, en de stijl werd overweldigend populair in de stad. Kort na de Letse etnografische tentoonstelling in 1896 en de tentoonstelling over industrie en handwerk in 1901, werd art nouveau de dominante stijl in de stad.[124] Art Nouveau-architectuur is dus goed voor een derde van alle gebouwen in het centrum van Riga, waardoor het de stad is met de hoogste concentratie van dergelijke gebouwen waar ook ter wereld. De kwantiteit en kwaliteit van Art Nouveau-architectuur was een van de criteria om Riga in op te nemen UNESCO Werelderfgoed.[125]

Er waren verschillende varianten van Art Nouveau-architectuur in Riga:

  • in de eclectische art nouveau waren bloemen en andere op de natuur geïnspireerde decoratie-elementen het populairst. Voorbeelden van die variatie zijn werken van Mikhail Eisenstein,
  • in Perpendicular Art Nouveau werden geometrische ornamenten geïntegreerd in de verticale composities van de gevels. Verschillende warenhuizen zijn in deze stijl gebouwd, en het wordt ook wel "warenhuisstijl" of Warenhausstil In het Duits,
  • National Romantic Art Nouveau is geïnspireerd door lokale volkskunst, monumentale volumes en het gebruik van natuurlijke bouwmaterialen.

Wat later Neo-klassiek gebouwen bevatten ook Art Nouveau-details.

Stijl Sapin in La Chaux-de-Fonds, Zwitserland

Een variant genaamd Stijl Sapin ("Pine Tree Style") ontstond in La Chaux-de-Fonds in de Kanton Neuchâtel in Zwitserland. De stijl werd gelanceerd door de schilder en kunstenaar Charles l'Eplattenier en werd vooral geïnspireerd door de sapine, of pijnboom, en andere planten en dieren in het wild van de Jura-gebergte​Een van zijn belangrijkste werken was het crematorium in de stad, met driehoekige boomvormen, dennenappels en andere natuurlijke thema's uit de regio. De stijl ging ook samen met de meer geometrische stilistische elementen van Jugendstil en Wenen Secession.[126]

Een ander opmerkelijk gebouw in de stijl is de Villa Fallet La Chaux-de-Fonds, een chalet ontworpen en gebouwd in 1905 door een leerling van L'Epplattenier, de achttienjarige Charles-Édouard Jeanneret (1887-1965) die later beter bekend werd als Le Corbusier, De vorm van het huis was traditioneel Zwitsers chalet, maar de versiering van de gevel omvatte driehoekige bomen en andere natuurlijke kenmerken. Jeanneret bouwde nog twee chalets in de omgeving, waaronder de Villa Stotzer, in een meer traditionele chaletstijl.[127][126][128][129]

Tiffany-stijl en Louis Sullivan in de Verenigde Staten

In de Verenigde Staten heeft de firma Louis Comfort Tiffany speelde een centrale rol in de Amerikaanse Art Nouveau. Geboren in 1848, studeerde hij aan de Nationale Academie voor Design in New York, begon op 24-jarige leeftijd met glas te werken, trad toe tot het familiebedrijf dat door zijn vader was opgericht, en 1885 richtte zijn eigen onderneming op die zich toelegde op fijn glas en ontwikkelde nieuwe technieken voor het kleuren ervan. In 1893 begon hij glazen vazen ​​en schalen te maken, waarbij hij opnieuw nieuwe technieken ontwikkelde die meer originele vormen en kleuren mogelijk maakten, en begon hij te experimenteren met decoratief vensterglas. Lagen van glas werden gedrukt, gemarmerd en over elkaar heen gelegd, wat een uitzonderlijke rijkdom en verscheidenheid aan kleuren opleverde. In 1895 werden zijn nieuwe werken tentoongesteld in de Art Nouveau-galerij van Siegfried Bing, wat hem een ​​nieuwe Europese klantenkring opleverde. Na de dood van zijn vader in 1902 nam hij de hele onderneming van Tiffany over, maar besteedde nog steeds een groot deel van zijn tijd aan het ontwerpen en vervaardigen van glaskunstobjecten. Op aandringen van Thomas Edisonbegon hij elektrische lampen te vervaardigen met veelkleurige glazen kappen in structuren van brons en ijzer, of versierd met mozaïeken, geproduceerd in talloze series en edities, elk gemaakt met de zorg van een sieraad. Aan elk product werkte een team van ontwerpers en vakmensen. Vooral de Tiffany-lamp werd een van de iconen van de Art Nouveau, maar Tiffany's ambachtslieden (en ambachtslieden) ontwierpen en maakten buitengewone ramen, vazen ​​en andere glaskunst. Het glas van Tiffany had ook veel succes bij de 1900 Exposition Universelle in Parijs; zijn glas-in-loodraam genaamd de Flight of Souls won een gouden medaille.[130] De Colombiaanse expositie was een belangrijke locatie voor Tiffany; een door hem ontworpen kapel werd getoond in het Paviljoen van Kunst en Industrie. De Tiffany-kapel, samen met een van de ramen van Tiffany's huis in New York, zijn nu te zien in de Charles Hosmer Morse Museum of American Art in Winter Park, Florida.

Een andere belangrijke figuur in de Amerikaanse art nouveau was de architect Louis Sullivan​Sullivan was een toonaangevende pionier op het gebied van Amerikaanse moderne architectuur. Hij was de oprichter van de Chicago School, de architect van enkele van de eerste wolkenkrabbers, en de leraar van Frank Lloyd Wright​Zijn bekendste gezegde was "Vorm volgt functie". Terwijl de vorm van zijn gebouwen werd bepaald door hun functie, was zijn decoratie een voorbeeld van Amerikaanse art nouveau. In 1893 Wereldtentoonstelling in Colombia in Chicago, het meest bekend om de neoklassieke architectuur van zijn bekendheid Witte stadontwierp hij een spectaculaire art nouveau-ingang voor het zeer functionele transportgebouw.[131][132]

Terwijl de architectuur van zijn Carson, Pirie, Scott en Company Building (1899) (nu de Sullivan Center) opvallend modern en functioneel was, omringde hij de ramen met gestileerde bloemendecoratie. Hij vond een even originele decoratie uit voor de Nationale boerenbank van Owatonna, Minnestota (1907-1908) en de Merchants 'National Bank in Grinell, Iowa. Hij vond een specifiek Amerikaanse variant van art nouveau uit en verklaarde dat decoratieve vormen eindeloos moesten oscilleren, opzwellen, vermengen en voortkomen. Hij creëerde werken met grote precisie die soms gotiek combineerden met art nouveau-thema's.[133]

Art Nouveau in Argentinië

Overstroomd door Europese immigranten, verwelkomde Argentinië alle artistieke en architecturale Europese stijlen, inclusief de art nouveau.[134] Steden met het meest opmerkelijke art nouveau-erfgoed in Argentinië zijn dat wel Buenos Aires, Rosario en Mar del Plata.[135]

Parijs was een prototype voor Buenos Aires met de aanleg van grote boulevards en lanen in de 19e eeuw.[134] De lokale stijl en de Franse invloed volgden ook de Italiaanse vrijheid, zoals veel architecten (Virginio Colombo, Francisco Gianotti, Mario Palanti) waren Italianen. In werken van Julián García Núñez [es] Catalaanse invloed kan worden opgemerkt toen hij in 1900 zijn studie in Barcelona voltooide.[134] De invloed van Wenen Secession is te vinden in het Paso y Viamonte-gebouw.[134]

De introductie van Art Nouveau in Rosario is verbonden met Francisco Roca Simó [es] die in Barcelona hebben getraind.[136] Zijn Club Español-gebouw [es] (1912) heeft een van de grootste glas-in-loodramen in Latijns-Amerika, geproduceerd (evenals tegels en keramiek) door de plaatselijke firma Buxadera, Fornells y Cía.[137] De beeldhouwer van het gebouw is Diego Masana uit Barcelona.[137]

De Belgische invloed op de Argentijnse art nouveau wordt vertegenwoordigd door de Villa Ortiz Basualdo, waar nu de Juan Carlos Castagnino Stedelijk Kunstmuseum in Mar del Plata waar het meubilair, het interieur en de verlichting langs zijn Gustave Serrurier-Bovy.

Art Nouveau in de rest van de wereld

Net als in Argentinië werd Art Nouveau in andere landen vooral beïnvloed door buitenlandse kunstenaars:

Art Nouveau-motieven zijn ook terug te vinden in Frans koloniaal artchitechture overal Frans Indochina.

Een opmerkelijke kunstbeweging riep Bezalel school verscheen in de Palestina in het dateren van de late Ottomaanse en Brits mandaat periodes. Het is beschreven als "een fusie van oosterse kunst en Jugendstil. "[146] Verschillende kunstenaars verbonden aan de Bezalel-school stonden bekend om hun art nouveaustijl, waaronder Ze'ev Raban, Ephraim Moses Lilien en Abel Pann.[147]

Kenmerken

De vroege art nouveau, vooral in België en Frankrijk, werd gekenmerkt door golvende, gebogen vormen geïnspireerd op lelies, wijnstokken, bloemstelen en andere natuurlijke vormen. vooral gebruikt in het interieur van Victor Horta en de decoratie van Louis Majorelle en Émile Gallé.[148] Het putte ook uit patronen gebaseerd op vlinders en libellen, ontleend aan Japanse kunst, die toen populair was in Europa.[149]

Vroege Art Nouveau bevatte ook vaak meer gestileerde vormen die beweging uitdrukken, zoals de coup de fouet of "whiplash"lijn, afgebeeld in de cyclaamplanten getekend door ontwerper Hermann Obrist in 1894. Een beschrijving gepubliceerd in Pan tijdschrift van Hermann Obrist's muur hangen Cyclamen (1894), vergeleken met de 'plotselinge gewelddadige bochten die worden gegenereerd door het kraken van een zweep',[150] De term "whiplash", hoewel het oorspronkelijk werd gebruikt om de stijl belachelijk te maken, wordt vaak toegepast op de karakteristieke rondingen die worden gebruikt door Art Nouveau-kunstenaars.[150] Dergelijke decoratieve golvende en vloeiende lijnen in een gesyncopeerd ritme en asymmetrische vorm, worden vaak aangetroffen in de architectuur, schilderkunst, beeldhouwkunst en andere vormen van Art Nouveau-ontwerp.[150]

Andere bloemvormen waren populair, geïnspireerd door lelies, blauwe regen en andere bloemen, vooral in de lampen van Louis Comfort Tiffany en de glasobjecten gemaakt door de kunstenaars van de School van Nancy en Émile Gallé​Andere gebogen en golvende vormen die aan de natuur waren ontleend, waren onder meer vlinders, pauwen, zwanen en waterlelies. Veel ontwerpen toonden vrouwenhaar verweven met stengels van lelies, irissen en andere bloemen.[151] Vooral gestileerde bloemvormen werden gebruikt door Victor Horta in tapijten, balustrades, ramen en meubels. Ze werden ook veel gebruikt door Hector Guimard voor balustrades, en, het meest bekend, voor de lampen en balustrades bij de ingangen van de Metro van Parijs​Guimard legde uit: "Dat wat vermeden moet worden in alles wat continu is, is de parallel en symmetrie. De natuur is de grootste bouwer en de natuur maakt niets dat parallel is en niets dat symmetrisch is."[152]

Eerdere Art Nouveau-meubelen, zoals die van Louis Majorelle en Henry van de Velde, werd gekenmerkt door het gebruik van exotische en dure materialen, waaronder mahonie met inleg van kostbare houtsoorten en sierlijsten, en gebogen vormen zonder rechte hoeken. Het gaf een gevoel van lichtheid.

In de tweede fase van de Art Nouveau, na 1900, werd de versiering zuiverder en werden de lijnen meer gestileerd. De gebogen lijnen en vormen evolueerden naar polygonen en vervolgens naar kubussen en andere geometrische vormen. Deze geometrische vormen werden met name gebruikt in de architectuur en meubels van Joseph Maria Olbrich, Otto Wagner, Koloman Moser en Josef Hoffmann, vooral de Palais Stoclet in Brussel, dat de komst van Art Deco en modernisme.[78][79][80]

Een ander kenmerk van Art Nouveau-architectuur was het gebruik van licht, door het openen van binnenruimtes, het verwijderen van muren en het veelvuldig gebruik van dakramen om een ​​maximale hoeveelheid licht in het interieur te brengen. De residentie-studio van architect en andere huizen gebouwd Victor Horta had uitgebreide dakramen, ondersteund door gebogen ijzeren frames. In de Hotel Tassel hij verwijderde de traditionele muren rond de trap, zodat de trap een centraal element werd in het interieurontwerp.

Relatie met hedendaagse stijlen en bewegingen

Twee voorbeelden van rococo: een ontwerp van een consoletafel uit 1752 (links), en een porseleinen terrine uit 1756 (rechts). Rondingen, plantaardige ornamenten, asymmetrie en door de natuur geïnspireerde motieven werden in beide breed gebruikt Rococo Revival (een van de meest populaire stijlen in de jaren 1870 en 1880) en art nouveau

Art Nouveau heeft als kunststijl affiniteiten met de Pre-Raphaelites en de Symbolist stijlen, en artiesten zoals Aubrey Beardsley, Alphonse Mucha, Edward Burne-Jones, Gustav Klimt en Jan Toorop kan in meer dan een van deze stijlen worden ingedeeld. In tegenstelling tot de symbolistische schilderkunst heeft Art Nouveau echter een onderscheidende uitstraling; en, in tegenstelling tot de ambachtsman-georiënteerd Arts and Crafts-beweging, Art Nouveau-kunstenaars gebruikten gemakkelijk nieuwe materialen, machinaal bewerkte oppervlakken en abstractie in dienst van puur design.

De art nouveau schuwde het gebruik van machines niet, zoals de Arts and Crafts-beweging deed. Voor beeldhouwkunst waren de belangrijkste materialen die werden gebruikt glas en smeedijzer, wat zelfs in de architectuur tot sculpturale kwaliteiten leidde. Keramiek werd ook gebruikt bij het maken van edities van sculpturen van kunstenaars zoals Auguste Rodin.[153] hoewel zijn sculptuur niet als art nouveau wordt beschouwd.

Art Nouveau-architectuur maakte van velen gebruik technologisch innovaties van de late 19e eeuw, vooral het gebruik van zichtbaar ijzer en grote, onregelmatig gevormde stukken glas voor architectuur.

Art Nouveau-tendensen werden ook opgenomen in lokale stijlen. In Denemarken was het bijvoorbeeld een aspect van Skønvirke ("esthetisch werk"), dat zelf nauwer verband houdt met de Arts and Crafts-stijl.[154][155] Evenzo namen kunstenaars veel van de bloemige en organische motieven van de art nouveau over in de Młoda Polska ("Young Poland") stijl in Polen.[156] Młoda Polskaomvatte echter ook andere artistieke stijlen en omvatte een bredere benadering van kunst, literatuur en levensstijl.[157]

Genres

Art Nouveau is vertegenwoordigd in de schilderkunst en beeldhouwwerk, maar het is het meest prominent in architectuur en de decoratieve kunsten​Het was zeer geschikt voor de grafische kunst, vooral de poster, interieur ontwerp, metaal en glaskunst, sieraden, meubel ontwerp, keramiek en textiel.

Posters en grafische kunst

De grafische kunsten floreerden in de Art Nouveau-periode, dankzij nieuwe druktechnologieën, met name kleur lithografie, wat de massaproductie van kleurenposters mogelijk maakte. Kunst bleef niet langer beperkt tot galeries, musea en salons; het was te vinden op de muren van Parijs en in geïllustreerde kunsttijdschriften, die door heel Europa en naar de Verenigde Staten circuleerden. Het populairste thema van Art Nouveau-affiches was vrouwen; vrouwen die glamour, moderniteit en schoonheid symboliseren, vaak omringd door bloemen.

In Groot-Brittannië was dat de leidende grafische kunstenaar in de Art Nouveau-stijl Aubrey Beardsley (1872-1898). Hij begon met gegraveerde boekillustraties voor Le Morte d'Arthur, dan zwart-wit illustraties voor Salome door Oscar Wilde (1893), wat hem bekendheid opleverde. In hetzelfde jaar begon hij met het graveren van illustraties en posters voor het kunsttijdschrift De studio, wat hielp bij het publiceren van Europese artiesten zoals Fernand Khnopff in Groot-Britannië. De gebogen lijnen en ingewikkelde bloemmotieven trokken evenveel aandacht als de tekst.[158]

De Zwitsers-Franse kunstenaar Eugène Grasset (1845–1917) was een van de eerste makers van Franse art-nouveauposters. Hij hielp bij het decoreren van het beroemde cabaret Le Chat zwart in 1885 en maakte zijn eerste affiches voor de Fêtes de Paris​Hij maakte er een gevierde poster van Sarah Bernhardt in 1890, en een grote verscheidenheid aan boekillustraties. De kunstenaar-ontwerpers Jules Chéret, Georges de Feure en de schilder Henri de Toulouse-Lautrec allemaal gemaakt posters voor theaters, cafés, danszalen cabarets in Parijs. De Tsjechisch artiest Alphonse Mucha (1860-1939) arriveerde in 1888 in Parijs en maakte in 1895 een poster voor actrice Sarah Bernhardt in het toneelstuk Gismonda door Victorien Sardou​Het succes van deze poster leidde tot een contract om posters te maken voor nog zes toneelstukken van Bernhardt. In de daaropvolgende vier jaar ontwierp hij ook decors, kostuums en zelfs sieraden voor de actrice.[159][160] Gebaseerd op het succes van zijn theaterposters, maakte Mucha posters voor een verscheidenheid aan producten, variërend van sigaretten en zeep tot bierkoekjes, allemaal met een geïdealiseerde vrouwenfiguur met een zandloperfiguur. Hij ging verder met het ontwerpen van producten, van sieraden tot koektrommels, in zijn kenmerkende stijl.[161]

In Wenen was dat de meest productieve ontwerper van grafische afbeeldingen en posters Koloman Moser (1868-1918), die actief deelnam aan de Secession-beweging met Gustav Klimt en Josef Hoffmann, en maakte illustraties en covers voor het tijdschrift van de beweging, Ver Sacrum, maar ook schilderijen, meubels en decoratie.[162]

Schilderen

Schilderen was een ander domein van de art nouveau, hoewel de meeste schilders die geassocieerd worden met art nouveau voornamelijk worden beschreven als leden van andere stromingen, met name post impressionisme en symboliek. Alphonse Mucha was beroemd om zijn art-nouveauposters, wat hem frustreerde. Volgens zijn zoon en biograaf, Jiří Mucha, dacht hij niet veel van Art Nouveau. "Wat is het, Art Nouveau​hij vroeg. "... Kunst kan nooit nieuw zijn." [163] Hij was het meest trots op zijn werk als historieschilder. Zijn enige op art nouveau geïnspireerde schilderij, "Slava", is een portret van de dochter van zijn beschermheer in Slavische klederdracht, gemodelleerd naar zijn theatrale affiches.[163]

De schilders die het meest met Art Nouveau werden geassocieerd waren Les Nabis, postimpressionistische kunstenaars die van 1888 tot 1900 actief waren in Parijs. Een van hun gestelde doelen was om de barrière tussen de schone kunsten en de decoratieve kunsten te doorbreken. Ze schilderden niet alleen doeken, maar ook decoratieve schermen en panelen. Veel van hun werken werden beïnvloed door de esthetiek van Japanse prenten. De leden inbegrepen Pierre Bonnard, Maurice Denis, Paul Ranson, Édouard Vuillard, Ker-Xavier Roussel, Félix Vallotton, en Paul Sérusier.[164]

In België, Fernand Khnopff werkte zowel in de schilderkunst als in de grafische vormgeving. Muurschilderingen van Gustav Klimt werden geïntegreerd in het decoratieve schema van Josef Hoffmann voor de Palais Stoclet​De Klimt-muurschildering voor de eetkamer in het Palais Stoclet (1905–1911) wordt beschouwd als een meesterwerk van de late art nouveau.

Eén onderwerp kwam zowel in de traditionele schilderkunst als in de art nouveau voor; de Amerikaanse danseres Loie Fuller, werd gespeeld door Franse en Oostenrijkse schilders en affichekunstenaars.[165]

Een bepaalde stijl die populair werd in de Art Nouveau-periode, vooral in Brussel, was sgraffito, een techniek die in de Renaissance werd uitgevonden om lagen gekleurd pleisterwerk aan te brengen om muurschilderingen op de gevels van huizen te maken. Dit werd met name gebruikt door de Belgische architect Paul Hankar voor de huizen die hij bouwde voor twee kunstenaarsvrienden, Paul Cauchie en Albert Ciamberlani.

Glaskunst

Glaskunst was een medium waarin Art Nouveau nieuwe en gevarieerde uitdrukkingsvormen vond. Er werd intensief geëxperimenteerd, vooral in Frankrijk, om nieuwe effecten van transparantie en ondoorzichtigheid te vinden: in het graveren van een camee, dubbele lagen en zuurgravure, een techniek die productie in serie mogelijk maakte. De stad van Nancy werd een belangrijk centrum voor de Franse glasindustrie en de ateliers van Émile Gallé en de Daum studio, geleid door Auguste en Antonin Daum, waren daar gevestigd. Ze werkten met veel opmerkelijke ontwerpers, waaronder Ernest Bussière [vr], Henri Bergé (illustrateur) [vr], en Amalric Walter​Ze ontwikkelden een nieuwe methode om glas te korstvorming door fragmenten van verschillend gekleurd glas in het onafgewerkte stuk te persen. Ze werkten vaak samen met de meubelontwerper Louis Majorelle, wiens huis en werkplaatsen in Nancy waren. Een ander kenmerk van Art Nouveau was het gebruik van glas-in-loodramen met die stijl van bloementhema's in woonsalons, met name in de Art Nouveau-huizen in Nancy. Velen waren het werk van Jacques Grüber, die ramen maakte voor de Villa Majorelle en andere huizen.[167]

In België was de leidende firma de glasfabriek van Val Saint Lambert, die vazen ​​creëerden in organische en bloemige vormen, waarvan er vele zijn ontworpen door Philippe Wolfers​Wolfers stond vooral bekend om het maken van werken van symbolist glas, vaak met metalen versiering eraan vastgemaakt. In Bohemen, dan is een regio van de Oostenrijks-Hongaarse rijk bekend om de kristalproductie, de bedrijven J. & L. Lobmeyr en Joh. Loetz Witwe experimenteerde ook met nieuwe kleurtechnieken, waardoor levendigere en rijkere kleuren werden geproduceerd. In Duitsland werd het experiment geleid door Karl Köpping, die geblazen glas gebruikte om uiterst delicate glazen in de vorm van bloemen te maken; zo delicaat dat weinigen vandaag de dag overleven.[168]

In Wenen waren de glasontwerpen van de Secession-beweging veel geometrischer dan die van Frankrijk of België; Otto Prutscher was de meest rigoureuze glasontwerper van de beweging.[168] In Groot-Brittannië is een aantal gebrandschilderde glas-in-loodontwerpen gemaakt door Margaret Macdonald Mackintosh voor de architectonische vertoning genaamd "The House of an Art Lover".

In de Verenigde Staten, Louis Comfort Tiffany en zijn ontwerpers werden vooral beroemd om hun lampen, waarvan de glazen kappen gemeenschappelijke bloementhema's gebruikten die ingewikkeld in elkaar waren gezet. Tiffany-lampen werden populair na de Wereldtentoonstelling in Colombia in Chicago in 1893, waar Tiffany zijn lampen tentoonstelde in een Byzantijns-achtige kapel. Tiffany experimenteerde uitgebreid met de processen van het kleuren van glas en patenteerde in 1894 het proces Favrile glas, dat metaaloxiden gebruikte om de binnenkant van het gesmolten glas te kleuren, waardoor het een iriserend effect kreeg. Zijn ateliers produceerden verschillende series van de Tiffany lamp in verschillende bloemmotieven, maar ook glas-in-loodramen, schermen, vazen ​​en een scala aan decoratieve objecten. Zijn werken werden eerst in Duitsland geïmporteerd en vervolgens in Frankrijk door Siegfried Bing, en werd toen een van de decoratieve sensaties van de expositie van 1900. Een Amerikaanse rivaal van Tiffany, Steuben glas, werd opgericht in 1903 in Corning, NY, door Frederick Carder, die, net als Tiffany, het Fevrile-proces gebruikte om oppervlakken met iriserende kleuren te creëren. Een andere opmerkelijke Amerikaanse glaskunstenaar was John La Farge, die ingewikkelde en kleurrijke glas-in-loodramen creëerde op zowel religieuze als puur decoratieve thema's.[168]

Voorbeelden van glas-in-loodramen in kerken zijn te vinden in de Art Nouveau religieuze gebouwen artikel.

Metalen kunst

De 19e-eeuwse architectuurtheoreticus Viollet-le-Duc had gepleit voor het tonen, in plaats van het verbergen van de ijzeren kaders van moderne gebouwen, maar voor Art Nouveau architecten Victor Horta en Hector Guimard ging een stap verder: ze voegden ijzeren versieringen toe in rondingen geïnspireerd op bloemen- en plantaardige vormen, zowel in het interieur als aan de buitenkant van hun gebouwen. Ze namen de vorm aan van trapleuningen in het interieur, verlichtingsarmaturen en andere details in het interieur, en balkons en andere ornamenten aan de buitenkant. Dit werden enkele van de meest onderscheidende kenmerken van de art nouveau-architectuur. Het gebruik van metalen decoratie in plantaardige vormen verscheen al snel ook in zilverwerk, lampen en andere decoratieve voorwerpen.[169]

In de Verenigde Staten is de ontwerper George Grant Elmslie maakte uiterst ingewikkelde gietijzeren ontwerpen voor de balustrades en andere interieurdecoratie van de gebouwen van de architect uit Chicago Louis Sullivan.

Terwijl Franse en Amerikaanse ontwerpers bloemen- en plantaardige vormen gebruikten, Joseph Maria Olbrich en de andere Secession-kunstenaars ontwierpen theepotten en andere metalen voorwerpen in een meer geometrische en sobere stijl.[170]

Sieraden

Jugendstil-sieraden kenmerken zich onder meer door subtiele rondingen en lijnen. Het ontwerp bevat vaak natuurlijke objecten, waaronder bloemen, dieren of vogels. Het vrouwelijk lichaam is ook populair en verschijnt vaak op cameeën​Het omvatte vaak lange kettingen gemaakt van parels of sterling-zilveren kettingen onderbroken door glazen kralen of eindigend in een zilveren of gouden hanger, zelf vaak ontworpen als een sieraad om een ​​enkel, gefacetteerd juweel van amethist, peridoot, of citrien.[171]

De Art Nouveau-periode bracht een opmerkelijke stilistische revolutie in de sieradenindustrie, grotendeels geleid door de grote firma's in Parijs. In de afgelopen twee eeuwen lag de nadruk bij fijne sieraden op het creëren van dramatische zettingen voor diamanten. Tijdens het bewind van de Art Nouveau speelden diamanten meestal een ondersteunende rol. Juweliers experimenteerden met een breed scala aan andere stenen, waaronder agaat, granaat, opaal, maansteen, aquamarijn en andere halfedelstenen, en met onder andere een grote verscheidenheid aan nieuwe technieken emailleren, en nieuwe materialen, waaronder Hoorn, gevormd glas, en ivoor.

Inclusief vroege opmerkelijke Parijse juweliers in Art Nouveau-stijl Louis Aucoc, wiens familiejuwelenbedrijf dateert uit 1821. De beroemdste ontwerper van de Art Nouveau-periode, René Lalique, diende zijn leertijd in het atelier van Aucoc van 1874 tot 1876. Lalique werd een centrale figuur van Art Nouveau-sieraden en glas, gebruikmakend van de natuur, van libellen naar grassen, zoals zijn modellen. Kunstenaars van buiten de traditionele sieradenwereld, zoals Paul Follot, vooral bekend als meubelontwerper, experimenteerde met het ontwerpen van sieraden. Andere opmerkelijke Franse Art Nouveau-sieradenontwerpers waren inbegrepen Jules Brateau en Georges Henry. In de Verenigde Staten was de beroemdste ontwerper Louis Comfort Tiffany, wiens werk te zien was in de winkel van Siegfried Bing en ook op de Expositie van Parijs in 1900.

In Groot-Brittannië was de ontwerper van Liberty & Co. de meest prominente figuur Archibald Knox, die een verscheidenheid aan Art Nouveau-stukken maakte, waaronder zilveren riemgespen. C. R. Ashbee ontworpen hangers in de vorm van pauwen. De veelzijdige Glasgow ontwerper Charles Rennie Mackintosh maakte ook sieraden met traditionele Keltische symbolen. In Duitsland is het centrum voor Jugendstil sieraden was de stad Pforzheim, waar de meeste Duitse bedrijven, waaronder Theodor Fahrner, waren gelokaliseerd. Ze produceerden snel werken om aan de vraag naar de nieuwe stijl te voldoen.[171]

Architectuur en versiering

Art Nouveau-architectuur was een reactie op de eclectische stijlen die de Europese architectuur domineerden in de tweede helft van de 19e eeuw. Het kwam tot uiting in versiering: ofwel sier- (op basis van bloemen en planten, bijv. distels,[172] irissen,[173] cyclamens, orchideeën, waterlelies etc.) of sculpturaal (zie de respectieve sectie hieronder). Terwijl gezichten van mensen (of mascarons) worden verwezen naar ornament, het gebruik van mensen in verschillende vormen van beeldhouwkunst (beelden en reliëfs: zie de respectieve sectie hieronder) kwam ook veel voor in sommige vormen van art nouveau. Voordat Wenen Secession, Jugendstil en de verschillende vormen van de Nationale romantische stijl gevels waren asymmetrisch en vaak versierd met polychrome keramische tegels. De versiering suggereerde meestal beweging; er was geen onderscheid tussen de structuur en het ornament.[174] Een curling of "whiplash" motif, based on the forms of plants and flowers, was widely used in the early Art Nouveau, but decoration became more abstract and symmetrical in Wenen Secession and other later versions of the style, as in the Palais Stoclet in Brussels (1905–1911).[175]

The style first appeared in Brussels' Hankar House door Paul Hankar (1893) en Hôtel Tassel (1892–93) of Victor Horta​The Hôtel Tassel was visited by Hector Guimard, who used the same style in his first major work, the Castel Béranger (1897–98). Horta and Guimard also designed the furniture and the interior decoration, down to the doorknobs and carpeting. In 1899, based on the fame of the Castel Béranger, Guimard received a commission to design the entrances of the stations van het nieuwe Metro van Parijs, which opened in 1900. Though few of the originals survived, these became the symbol of the Art Nouveau movement in Paris.

In Paris, the architectural style was also a reaction to the strict regulations imposed on building facades by Georges-Eugène Haussmann, the prefect of Paris under Napoleon III. Boogramen were finally allowed in 1903, and Art Nouveau architects went to the opposite extreme, most notably in the houses of Jules Lavirotte, which were essentially large works of sculpture, completely covered with decoration. An important neighbourhood of Art Nouveau houses appeared in the French city of Nancy, rond de Villa Majorelle (1901–02), the residence of the furniture designer Louis Majorelle​Het is ontworpen door Henri Sauvage as a showcase for Majorelle's furniture designs.[176]

Many Art Nouveau buildings were included in UNESCO World Cultural Heritage list as a part of their city centres (in Bern, Boedapest, Lviv, Parijs, Porto, Praag, Riga, Sint Petersburg, Straatsburg (Neustadt), Wenen​Along with them, there were buildings that were included in the list as separate objects:

Beeldhouwwerk

Sculpture was another form of expression for Art Nouveau artists, crossing with ceramics sometimes. The porcelain figurine Dancer with a Scarf door Agathon Léonard won recognition both in ceramics and in sculpture at the Expositie in Parijs in 1900. Sculptors of other countries also created ceramic sculptures: Bohemian Stanislav Sucharda en Ladislav Šaloun, Belgisch Charles Van der Stappen and Catalan Lambert Escaler [ca.], who created statues of polychrome terracotta. Another notable sculptor of that time was Agustí Querol Subirats van Catalonië who created statues in Spain, Mexico, Argentinië, en Cuba.[178]

In architectonische sculptuur not only statues but also reliefs were used. Art Nouveau architects and sculptors found inspiration in animal motieven (butterflies,[179] peacocks,[180] swans,[181] owls,[182] bats,[183] dragons,[184] beren[185]). Atlantes,[186] kariatiden,[187] putti,[188] en waterspuwers[189] werden ook gebruikt.

Meubilair

Furniture design in the Art Nouveau period was closely associated with the architecture of the buildings; the architects often designed the furniture, carpets, light fixtures, doorknobs, and other decorative details. The furniture was often complex and expensive; a fine finish, usually polished or varnished, was regarded as essential, and continental designs were usually very complex, with curving shapes that were expensive to make. It also had the drawback that the owner of the home could not change the furniture or add pieces in a different style without disrupting the entire effect of the room. For this reason, when Art Nouveau architecture went out of style, the style of furniture also largely disappeared.

In France, the centre for furniture design and manufacture was in Nancy, where two major designers, Émile Gallé en Louis Majorelle had their studios and workshops, and where the Alliantie des industries d'art (later called the School of Nancy) had been founded in 1901. Both designers based on their structure and ornamentation on forms taken from nature, including flowers and insects, such as the dragonfly, a popular motif in Art Nouveau design. Gallé was particularly known for his use of inlegwerk in relief, in the form of landscapes or poetic themes. Majorelle was known for his use of exotic and expensive woods, and for attaching bronze sculpted in vegetal themes to his pieces of furniture. Both designers used machines for the first phases of manufacture, but all the pieces were finished by hand. Andere opmerkelijke meubelontwerpers van de Nancy School waren inbegrepen Eugène Vallin en Émile André​beiden waren architecten van opleiding, en beiden ontwierpen meubels die leken op de meubels van Belgische ontwerpers zoals Horta en Van de Velde, die minder versiering hadden en de gebogen planten en bloemen beter volgden. Andere opmerkelijke Franse ontwerpers inbegrepen Henri Bellery-Desfontaines, die zijn inspiratie haalde uit de neogotische stijlen van Viollet-le-Duc​en Georges de Feure, Eugène Gaillard, en Édouard Colonna, who worked together with art dealer Siegfried Bing om de Franse meubelindustrie nieuw leven in te blazen met nieuwe thema's. Hun werk stond bekend om "abstract naturalisme", zijn eenheid van rechte en gebogen lijnen, en zijn rococo invloed. The furniture of de Feure at the Bing pavilion won a gold medal at the 1900 Paris Exposition. The most unusual and picturesque French designer was François-Rupert Carabin, een beeldhouwer van opleiding, wiens meubels gebeeldhouwde naakte vrouwelijke vormen en symbolische dieren bevatten, met name katten, die art nouveau-elementen combineerden met Symboliek​Other influential Paris furniture designers were Charles Plumet, en Alexandre Charpentier.[190] In many ways the old vocabulary and techniques of classic French 18th-century rococo meubels werden opnieuw geïnterpreteerd in een nieuwe stijl.[10]

In Belgium, the pioneer architects of the Art Nouveau-beweging, Victor Horta en Henry van de Velde, designed furniture for their houses, using vigorous curving lines and a minimum of decoration. De Belgische ontwerper Gustave Serrurier-Bovy added more decoration, applying brass strips in curving forms. In the Netherlands, where the style was called Nieuwe Kunst or New Art, H. P. Berlag, Lion Cachet and Theodor Nieuwenhuis followed a different course, that of the English Arts and Crafts-beweging, with more geometric rational forms.

In Britain, the furniture of Charles Rennie Mackintosh was purely Arts and Crafts, austere and geometrical, with long straight lines and right angles and a minimum of decoration.[191] Continentale ontwerpen waren veel uitgebreider, waarbij vaak gebogen vormen werden gebruikt, zowel in de basisvormen van het stuk als in toegepaste decoratieve motieven. In Germany, the furniture of Peter Behrens en de Jugendstil was largely rationalist, with geometric straight lines and some decoration attached to the surface. Their goal was exactly the opposite of French Art Nouveau; eenvoud van structuur en eenvoud van materialen, voor meubels die goedkoop kunnen zijn en gemakkelijk in massa kunnen worden vervaardigd. The same was true for the furniture of designers of the Wiener Werkstätte in Vienna, led by Otto Wagner, Josef Hoffmann, Josef Maria Olbrich and Koloman Moser​The furniture was geometric and had a minimum of decoration, though in style it often followed national historic precedent, particularly the Biedemeier stijl.[192]

Italian and Spanish furniture design went off in their own direction. Carlo Bugatti in Italy designed the extraordinary Snail Chair, wood covered with painted parchment and copper, for the Turin International Exposition of 1902. In Spain, following the lead of Antoni Gaudí en de Modernismo movement, the furniture designer Gaspar Homar designed works that were inspired by natural forms with touches of Catalan historic styles.[117]

In the United States, furniture design was more often inspired by the Arts and Crafts movement, or by historic American models, than by the Art Nouveau. One designer who did introduce Art Nouveau themes was Charles Rohlfs in Buffalo, New York, whose designs for American white oak furniture were influenced by motifs of Keltische kunst en Gotische kunst, met een vleugje Art Nouveau in de metalen afwerking die op de stukken is aangebracht.[117]

Keramiek

Ceramic art, including faience, was another flourishing domain for Art Nouveau artists, in the English-speaking countries falling under the wider kunst aardewerk beweging. The last part of the 19th century saw many technological innovations in the manufacture of ceramics, particularly the development of high temperature (grand feu) ceramics with crystallised and matte glazes. At the same time, several lost techniques, such as sang de boeuf glazuur, were rediscovered. Art Nouveau ceramics were also influenced by traditional and modern Japanese and Chinese ceramics, whose vegetal and floral motifs fitted well with the Art Nouveau style. In France, artists also rediscovered the traditional steengoed (grés) methods and reinvented them with new motifs.[193]

Émile Gallé, in Nancy, created earthenware works in natural earth colors with naturalistic themes of plants and insects. Ceramics also found an important new use in architecture: Art Nouveau architects, Jules Lavirotte en Hector Guimard among them, began to decorate the façades of buildings with architectonisch keramiek, many of them made by the firm of Alexandre Onverdraaglijke, giving them a distinct Art Nouveau sculptural look.[193]

One of the pioneer French Art Nouveau ceramists was Ernest Chaplet, whose career in ceramics spanned thirty years. He began producing stoneware influenced by Japanese and Chinese prototypes. Beginning in 1886, he worked with painter Paul Gauguin on stoneware designs with applied figures, multiple handles, painted and partially glazed, and collaborated with sculptors Félix Bracquemond, Jules Dalou en Auguste Rodin​His works were acclaimed at the 1900 Exposition.

The major national ceramics firms had an important place at the 1900 Paris Exposition: the Manufacture nationale de Sèvres outside Paris; Nymphenburg, Meissen, Villeroy & Boch in Duitsland, en Doulton in Groot-Britannië. Other leading French ceramists included Taxile Doat, Pierre-Adrien Dalpayrat, Edmond Lachenal, Albert Dammouse [vr] en Auguste Delaherche.[194]

In France, Art Nouveau ceramics sometimes crossed the line into sculpture. The porcelain figurine Dancer with a Scarf door Agathon Léonard, gemaakt voor de Manufacture nationale de Sèvres, won recognition in both categories at the 1900 Paris Exposition.

De Zsolnay factory in Pécs, Hungary, was founded by Miklós Zsolnay (1800–1880) in 1853 and led by his son, Vilmos Zsolnay (1828–1900) with chief designer Tádé Sikorski (1852–1940) to produce stoneware and other ceramics. In 1893, Zsolnay introduced porcelain pieces made of eosine​He led the factory to worldwide recognition by demonstrating its innovative products at world fairs and international exhibitions, including the 1873 World Fair in Vienna, dan op de 1878 World Fair in Paris, where Zsolnay received a grote Prijs​Frost-resisting Zsolnay building decorations were used in numerous buildings, specifically during the Art Nouveau movement.[195]

Ceramic tiles were also a distinctive feature of Portuguese Arte Nova that continued the long azulejo tradition of the country.

Mozaïeken

Mosaics were used by many Art Nouveau artists of different movements, especially of Catalan Modernisme (Ziekenhuis de Sant Pau, Palau de la Música Catalana, Casa Lleó-Morera en vele anderen). Antoni Gaudí invented a new technique in the treatment of materials called trencadís, which used waste ceramic pieces.

Kleurrijk Maiolica tile in floral designs wee a distinctive feature of the Majolica House in Wenen door Otto Wagner, (1898) and of the buildings of the works of the Russian Abramtsevo Colony, vooral die van Mikhail Vrubel.

Textiel en behang

Textiles and wallpapers were an important vehicle of Art Nouveau from the beginning of the style, and an essential element of Art Nouveau interior design. In Britain, the textile designs of William Morris had helped launch the Arts and Crafts-beweging and then Art Nouveau. Many designs were created for the Liberty warenhuis in London, which popularized the style throughout Europe. One such designer was the Zilveren Studio, which provided colourful stylized floral patterns. Other distinctive designs came from Glasgow School, en Margaret Macdonald Mackintosh​The Glasgow school introduced several distinctive motifs, including stylized eggs, geometric forms and the "Rose of Glasgow".

In France, a major contribution was made by designer Eugène Grasset who in 1896 published La Plante et ses applications ornamentales, suggesting Art Nouveau designs based on different flowers and plants. Many patterns were designed for and produced by for the major French textile manufacturers in Mulhouse, Lille and Lyon, by German and Belgian workshops. The German designer Hermann Obrist specialized in floral patterns, particularly the cyclamen and the "whiplash" style based on flower stems, which became a major motif of the style. De Belg Henry van de Velde presented a textile work, La Veillée d'Anges, at the Salon La Libre Esthéthique in Brussels, inspired by the symbolism of Paul Gauguin en van de Nabis​In the Netherlands, textiles were often inspired by batik patterns from the Dutch colonies in the Oost Indië​Folk art also inspired the creation of tapestries, carpets, embroidery and textiles in Central Europe and Scandinavia, in the work of Gerhard Munthe en Frida Hansen in Noorwegen. De Five Swans ontwerp van Otto Eckmann appeared in more than one hundred different versions. The Hungarian designer János Vaszary combined Art Nouveau elements with folkloric themes.[197]

Musea

There are 4 types of museums featuring Art Nouveau heritage:

  • Broad-scope museums (not specifically dedicated to Art Nouveau but with large collection of items in this style). Art Nouveau monuments are italicised;
  • House-museums of Art Nouveau artists (all but Alphose Mucha museum are Art Nouveau monuments);
  • Museums dedicated to local Art Nouveau movements (all are Art Nouveau monuments);
  • Other Art Nouveau buildings with museum status or featuring a museum inside (not dedicated to local Art Nouveau movements/specific artists).
LandBroad-scope museumsHouse-museums of Art Nouveau artistsMuseums dedicated to local Art Nouveau movementsOther Art Nouveau buildings with museum status or featuring a museum inside
 OostenrijkMuseum voor Toegepaste Kunst in WenenSecession-gebouw in WenenWagner Pavilions at Karlsplatz en Hietzing in Wenen
 ArgentiniëJuan Carlos Castagnino Municipal Museum of Art in Mar del Plata
 BelgieFin-de-Siècle Museum in BrusselMaison and Atelier Horta in BrusselBelgisch Stripcentrum, Muziekinstrumentenmuseum in Brussel
 ChiliPalacio Baburizza in Valparaiso
 TsjechiëOost-Boheems museum in Hradec KraloveAlphonse Mucha Museum in PraagMuseum of Modern Art in Olomouc
 DenemarkenMuseum Sønderjylland in Skærbæk
 FrankrijkMusée d'Orsay, Museum voor decoratieve kunsten, Carnavalet-museum, Petit Palais in Parijs; Musée historique in Haguenau; Musée d'art modern et contemporain in Straatsburg, Museum voor Schone Kunsten van NancyVilla Majorelle in Nancy; Musée Lalique [vr] in Wingen-sur-Moder;Museum of the Nancy School in NancyMaxim's Art Nouveau "Collection 1900" bovenstaande Maxim's restaurant in Parijs (groups of twenty or more persons only)
 FinlandAteneum en Finnish National Museum in Helsinki, Turku Art Museum in TurkuHvitträsk (house of Herman Gesellius, Armas Lindgren, en Eliel Saarinen) in Kirkkonummi en Gallen-Kallela-museum in Espoo
 DuitslandBröhan Museum in Berlin, Museum in der Majolika in Karlsruhe, Landesmuseum in Mainz, Museum Wiesbaden in WiesbadenDarmstadt Colony Museum [de] in DarmstadtOsthaus Museum in Hagen
 HongarijeMuseum voor Toegepaste Kunst and its branch Villa György Ráth in BoedapestMiksa Róth House museum in BoedapestHouse of Hungarian Szecesszió in BoedapestGeologisch museum in Boedapest
 ItaliëMunicipal museum [het] in Casale MonferratoVilla Bernasconi [het] in Cernobbio
 LetlandRiga Art Nouveau Museum in Riga
 MexicoMuseo del Objeto del Objeto in Mexico-Stad
 NoorwegenJugendstil Centre in ÅlesundNoors museum voor hedendaagse kunst in Oslo
 PortugalMuseum van Arte Nova in AveiroMuseum-Residence of Dr. Anastácio Gonçalves in Lissabon
 RoemeniëSzékely Nationaal Museum in Sfântu Gheorghe
 RuslandAbramtsevo Colony in Moskou regio​All-Russian Decorative Art Museum and Gorky Museum in Moskou; Russisch staatsmuseum, Museum of Political History of Russia in Sint PetersburgFyodor Livchak House Museum in Ulyanovsk[198]Museum of Talashkino Art Colony in Flenovo, Smolensk oblast (in Russian only)Museum of Silver Age of Russian literature in Moskou, Museum van Modern in Samara, Estate of Aseevs in Tambov​Municipal Museum in Primorsk and Estate-museum of Scherbov in Gatchina (beide Leningrad oblast), Taganrog Museum voor Architectuur en Stedenbouw in Taganrog, Museum of Belle Epoque Architecture in Ulyanovsk
 SpanjeNationaal kunstmuseum van Catalonië in Barcelona, CaixaFòrum in Madrid, Museo Art Nouveau and Art Déco in SalamancaGaudí House Museum in Barcelona, Lluís Domènech i Montaner House-Museum in Canet de MarMuseum of Catalan Modernisme [ca.] in Barcelona, Art Nouveau House-Museum [es] in NoveldaHeilige Familie, Ziekenhuis de Sant Pau in Barcelona
 ZwedenBiologisch museum in Stockholm, Röhsska Museum in Göteborg
  ZwitserlandMusée des Beaux-Arts in La Chaux-de-Fonds [vr]
 UKVictoria and Albert Museum in Londen; Kelvingrove Museum in Glasgow, Haworth Art Gallery in Accrington[199]Mackintosh House in Hunterian Museum and Art Gallery in GlasgowHorniman Museum in Londen
 OekraïneArt Museum in Tsjernivtsi, Museum of Local Lore in Poltava
 VSCharles Hosmer Morse Museum of American Art in Winter Park, Florida, Metropolitan Museum of Art in New York, Getty Center in Los Angeles; Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum in New York City, Art Institute of Chicago in Chicago

There are many other Art Nouveau buildings and structures that do not have museum status but can be officially visited for a fee or unofficially for free (e.g. railway stations, churches, cafes, restaurants, pubs, hotels, stores, offices, libraries, cemeteries, fountains as well as numerous apartment buildings that are still inhabited).

Zie ook

Referenties

  1. ^ Sterner (1982), 6.
  2. ^ Heilbrunn Timeline of Art History, Metropolitan Museum of Art, Art Nouveau
  3. ^ een b c Sembach, Klaus-Jürgen, L'Art Nouveau (2013), pp. 8–30
  4. ^ een b [1] Victor Horta – Encyclopaedia Britannica
  5. ^ een b c d World Heritage Centre, UNESCO. "Grote herenhuizen van de architect Victor Horta (Brussel)". whc.unesco.org.
  6. ^ Oudin, Bernard, Dictionnaire des Architectes Victor Horta article
  7. ^ "Art Nouveau", Heilbrunn Timeline of Art History, Metropolitan Museum of Art
  8. ^ Vigne, Georges, Hector Guimard - Le geste magnifique de l'Art Nouveau, (2016), Editions du Patrimoine, Centre des Monuments National, p. 194
  9. ^ een b c d e Duncan (1994): 23–24.
  10. ^ een b c d e f Gontar, Cybele. Art Nouveau. In Heilbrunn Chronologie van Kunstgeschiedenis​New York: The Metropolitan Museum of Art, 2000 (oktober 2006)
  11. ^ een b c d Michèle Lavallée, "Art Nouveau", Grove Dictionary of Art Oxford Universiteit krant, accessed 11 April 2008.
  12. ^ Fahr-Becker, Gabriele, L'Art Nouveau, H.F. Ullmann, (2015), p. 335-358
  13. ^ een b Madsen, S. Tschudi (1977). Art Nouveau (in het Roemeens). Editura Meridiane. pp. 7, 71.
  14. ^ "Reteaua Art Nouveau"​7 mei 2019​Opgehaald 6 mei 2020.
  15. ^ Bouillon, Jean-Paul, Journal de l'Art Nouveau (1985), p. 6
  16. ^ https://collections.vam.ac.uk/item/O7926/chair-mackmurdo-arthur-heygate/
  17. ^ Viollet-le-Duc, Entretiens sur l'architecture
  18. ^ Bouillon 1985, p. 24.
  19. ^ Interview in L'Écho de Paris, 28 December 1891, cited in Bouillon (1985)
  20. ^ Bouillon 1985, p. 26.
  21. ^ Lahor 2007, p. 30.
  22. ^ Fahr-Becker 2015, p. 91-93.
  23. ^ Fahr-Becker 2015, p. 143.
  24. ^ Oudin, Bernard, Dictionnaiare des Architectes (1994), p. 237
  25. ^ Sembach, L'Art Nouveau p. 47
  26. ^ Culot and Pirlot, Bruxelles Art Nouveau (2005), p. 74–75.
  27. ^ Sembach, L'Art Nouveau- L'Utopie de la Réconciliation (1991) pg. 46–47
  28. ^ Lahor 2007, p. 127.
  29. ^ Sachar, Brian (1984). An Atlas of European Architecture​Van Nostrand Reinhold. p.27. ISBN 978-0-4422-8149-6.
  30. ^ Champigneulle, Bernard (1976). Art Nouveau​Barron's educatieve serie. p. 115,121. ISBN 978-0-8120-5111-7.
  31. ^ Citeer web Unesco-website
  32. ^ Culot and Pirlot (2005), p. 20
  33. ^ Fahr-Becker, p. 152.
  34. ^ Bouillon 1985.
  35. ^ [2] Hector Guimard – Art Nouveau World
  36. ^ Fahr-Becker 2015, p. 74.
  37. ^ Martin Eidelberg and Suzanne Henrion-Giele, "Horta and Bing: An Unwritten Episode of L'Art Nouveau", Het Burlington Magazine, vol. 119, Special Issue Devoted to European Art Since 1890 (Nov. 1977), pp. 747–752.
  38. ^ Duncan (1994), pp. 15–16, 25–27.
  39. ^ Fahr-Becker, Gabrielle (2015) pp. 391–413)
  40. ^ Sarnitz, August, Otto Wagner (2018), blz. 49-50
  41. ^ Sarnitz, August, Hoffmann, (2016), p. 14
  42. ^ Fahr-Becker (2015) pp. 296–27
  43. ^ Fahr-Becker, Gabrielle (2015) pp. 179–188
  44. ^ Texier 2012, blz. 86-87.
  45. ^ Lahor, L'Art Nouveau, p. 104
  46. ^ Duncan (1994), p. 37.
  47. ^ Fahr-Becker 2015, p. 136.
  48. ^ Fahr-Becker 2015, blz. 136–137.
  49. ^ Culot and Pirlot, Bruxelles Art Nouveau(2005) p. 74-75
  50. ^ Fahr-Becker 2015, p. 140.
  51. ^ Lahor, L'Art Nouveau, p. 91.
  52. ^ Sterner (1982), p. 38-42.
  53. ^ een b Riley 2004, p. 323
  54. ^ Fahr-Becker (2015), p. 171.
  55. ^ Fahr-Becker (2015), p. 171
  56. ^ een b Fahr-Becker (2015), p. 170-171.
  57. ^ Fahr-Becker (2015), p. 166-167
  58. ^ https://www.vam.ac.uk/articles/arts-and-crafts-an-introduction
  59. ^ Art Nouveau by Rosalind Ormiston and Michael Robinson, 58
  60. ^ "Art Nouveau – Art Nouveau Art"​22 februari 2013. Gearchiveerd van het origineel op 22 februari 2013.
  61. ^ Art Nouveau by Ormiston and Robinson, 61
  62. ^ Lahor, p. 160.
  63. ^ Muter, Grant (1985). "Leon Solon en John Wadsworth". Tijdschrift van de Decorative Arts Society (9): 41–49. JSTOR 41809144.
  64. ^ He was commissioned by the Wardle family of dyers and printers, trading as "Thomas Wardle & Co" and "Bernard Wardle and Co".The Wardel Pattern Books RevealedGearchiveerd 3 december 2013 op de Wayback-machine
  65. ^ A. Philip McMahon, "review of F. Schmalenbach, Jugendstil", Parnassus, vol. 7 (Oct. 1935), 27.
  66. ^ Reinhold Heller, "Recent Scholarship on Vienna's "Golden Age", Gustav Klimt, and Egon Schiele", Het Art Bulletin, vol. 59 (Mar. 1977), pp. 111–118.
  67. ^ een b [3] Association of Visual Artists Vienna Secession – Official Website
  68. ^ Lahor 2007, p. 52.
  69. ^ [4] Bad Nauheim – Art Nouveau European Route
  70. ^ [5] List of Art Nouveau objects in Moscow – Art Nouveau World
  71. ^ een b Junghanns, Kurt (1982). Der Deutsche Werkbund. Sein erstes Jahrzehnt (In het Duits). p. 140. ISBN 388520097X.
  72. ^ [6] Henry van de Velde – Werkbundarchiv
  73. ^ Pevsner, Nikolaus, ed. (1999). Een woordenboek van architectuur en landschapsarchitectuur (Paperback). Fleming, John; Honour, Hugh (5th ed.). London: Penguin Books. p. 880. ISBN 978-0-14-051323-3.
  74. ^ [7] List of buildings in Berlin - Art Nouveau World
  75. ^ Lahor 2007, p. 63.
  76. ^ "The "Coup de Fouet" magazine, vol. 27 (2016), pp. 14–25" (Pdf).
  77. ^ Lahor 2007, p. 120.
  78. ^ een b Oudin, Bernard, Dictionnaire des Architectes (1994), pag. 33-34
  79. ^ een b Sembach, L'Art Nouveau (2013), blz. 203-213
  80. ^ een b "Stoclet House". UNESCO Werelderfgoedcentrum​4 juli 2009​Opgehaald 24 juli 2019.
  81. ^ een b c d "The" Coup de Fouet "magazine, deel 23 (2014), pp. 2–35" (Pdf).
  82. ^ [8] Ödön Lechner - Art Nouveau World
  83. ^ "The" Coup de Fouet "magazine, vol. 8 (2006), pp. 37-41" (Pdf).
  84. ^ "Het tijdschrift" Coup de Fouet ", deel 14 (2009), p. 16" (Pdf).
  85. ^ [9] Aladár Körösfői-Kriesch - Art Nouveau-wereld
  86. ^ [10] The Gödöllő Artists 'Colony - artikel door David A. Hill
  87. ^ een b c "The" Coup de Fouet "magazine, vol. 13 (2009), pp. 36-41" (Pdf).
  88. ^ [11] Lijst van gebouwen in Praag - Art Nouveau World
  89. ^ Popescu, Alexandru (2018). Casele și Palatele Bucureştilor (in het Roemeens). Editura Cetatea de Scaun. p. 150. ISBN 978-606-537-382-2.
  90. ^ Popescu, Alexandru (2018). Casele și Palatele Bucureştilor (in het Roemeens). Editura Cetatea de Scaun. p. 178. ISBN 978-606-537-382-2.
  91. ^ Constantin, Paul (1972). Arta 1900 in România (in het Roemeens). Editura Meridiane. p. 83, 84, 86, 87 en 90.
  92. ^ Elena Olariu ... pag. 16
  93. ^ http://www.bestofsicily.com/mag/art225.htm
  94. ^ Henry R. Hope, recensie van H. Lenning,] De art nouveau, Het Art Bulletin, vol. 34 (juni 1952), 168–171 (in het bijzonder 168–169): In 1952, toen hij de stand van de art nouveau besprak, merkte de auteur op dat art nouveau nog geen acceptabele studie was voor serieuze kunstgeschiedenis of een onderwerp dat geschikt was voor grote musea tentoonstellingen en hun respectievelijke catalogi. Hij voorspelde een op handen zijnde verandering
  95. ^ "Storia di Milano ::: Palazzi e case liberty".
  96. ^ Riley 2007, p. 310.
  97. ^ een b [12] Chronologie - Officiële website van Casa Milà
  98. ^ Aanhaling van Parc Guell in de UNESCO-classificatie
  99. ^ James Grady, Speciaal bibliografisch supplement: een bibliografie van de art nouveau, in "The Journal of the Society of Architectural Historians", vol. 14 (mei 1955), blz. 18-27.
  100. ^ [13] Cronologia - Officiële website van Palau Güell
  101. ^ een b c Duncan (1994): 52.
  102. ^ een b https://whc.unesco.org/en/list/804/multiple=1&unique_number=950 Officiële lijst van de UNESCO-site "Palau de la Música Catalana en Hospital de Sant Pau, Barcelona" (1997)
  103. ^ McCully, Marilyn (1978). Els Quarte Gats: Art in Barcelona rond 1900​Princeton University Press. p. 64.
  104. ^ Riley 2007, p. 311
  105. ^ [14] Casa do Major Pessoa - Informatie over Patrimonio Arquitetónico
  106. ^ een b c d e "The" Coup de Fouet "magazine, deel 11 (2008), pp. 2-7" (Pdf).
  107. ^ [15] Francisco Augusto da Silva Rocha - Art Nouveau World
  108. ^ [16] Lijst van gebouwen in Lissabon - Art Nouveau World
  109. ^ [17] Lijst van gebouwen in Porto - Art Nouveau World
  110. ^ [18] Lijst van landen - Art Nouveau World
  111. ^ Martin, T. & Pusa, E. 1985, p. 12.
  112. ^ [19] Nationaal Museum van Finland - Musea van de EU
  113. ^ een b "Art Nouveau Europese Route: Helsinki". www.artnouveau.eu.
  114. ^ "Magnus Schjerfbeck". Museum van Finse architectuur​Opgehaald 15 februari 2020.
  115. ^ Professor Albert Palmberg, M.A., M.D. (1908). "De bestrijding van tuberculose in Finland". ademhalingsmedicijnen​Opgehaald 26 maart 2019.CS1 maint: meerdere namen: auteurslijst (koppeling)
  116. ^ Axel von Bonsdorff (1926). "Ervaringen met de behandeling met sanocrysin in het Nummela Sanatorium in Finland". Acta Medica Scandinavica. 64: 123–130. doi:10.1111 / j.0954-6820.1926.tb14017.x.
  117. ^ een b c Riley 2007, p. 312.
  118. ^ een b "Art Nouveau Europese Route: Ålesund". www.artnouveau.eu.
  119. ^ [20] Lijst met gebouwen in Stockholm - Art Nouveau World
  120. ^ [21] Lijst met gebouwen in Aarhus - Art Nouveau World
  121. ^ https://malmo.se/Uppleva-och-gora/Arkitektur-och-kulturarv/Kulturarv-Malmo/Handelser-och-fenomen/Baltiska-utstallningen.html
  122. ^ Duncan, Alistair, Art déco, Thames and Hudson (1988), blz. 147-48
  123. ^ een b Fahr-Becker (2015) pagina's 189-192
  124. ^ "Art Nouveau Europese Route: Riga". www.artnouveau.eu.
  125. ^ "Historisch centrum van Riga". Unesco​Opgehaald 11 maart 2016.
  126. ^ een b "The" Coup de Fouet "magazine, deel 16 (2010), pp. 2–10" (Pdf).
  127. ^ Journel 2015, p. 49.
  128. ^ [22] Ecole d'art et Style sapin - La Chaux-de-Fonds
  129. ^ "Fondation Le Corbusier"​Opgehaald 28 juli 2019.
  130. ^ Lahor 2007, p. 167.
  131. ^ H.F. Koeper. "Louis Sullivan". Britannica​Opgehaald 27 juli 2019.
  132. ^ Jackie Craven (15 november 2018). "Over Louis Sullivan, architect". ThoughtCo​Opgehaald 27 juli 2019.
  133. ^ Fahr-Becker (2015) blz. 325-330.
  134. ^ een b c d "Art Nouveau Europese Route: Buenos Aires". www.artnouveau.eu.
  135. ^ "Art Nouveau Europese route: kaart". www.artnouveau.eu.
  136. ^ "Art Nouveau Europese Route: Rosario". www.artnouveau.eu.
  137. ^ een b "The" Coup de Fouet "magazine, deel 10 (2012), pp. 44-47" (Pdf).
  138. ^ "Art Nouveau Europese Route: Havana". www.artnouveau.eu.
  139. ^ "The" Coup de Fouet "magazine, deel 12 (2008), pp. 28-29" (Pdf).
  140. ^ "Art Nouveau Europese Route: Lüderitz". www.artnouveau.eu.
  141. ^ "Art Nouveau Europese Route: Valparaiso". www.artnouveau.eu.
  142. ^ [23] Villino Silveira - Art Nouveau World
  143. ^ [24] Harbin - Art Nouveau World
  144. ^ "The" Coup de Fouet "magazine, deel 30 (2018), pp. 77-83" (Pdf).
  145. ^ [25] Palacio de Bellas Artes - Art Nouveau World
  146. ^ AATC-artiesten - Ze'ev Raban
  147. ^ Mishofy, Alec (2019). Secularisatie van het heilige​Griet.
  148. ^ Ducher Caractéristique des Styles (1989), blz. 198-199
  149. ^ Ducher, Caractéristique des Styles (1989), blz. 198-199
  150. ^ een b c Duncan (1994): 27-28.
  151. ^ Renault en Lazé, (2006) Les Styles de l'architecture en du mobilier, blz. 108-109
  152. ^ Fahr-Becker, L'Art Nouveau (2015), php. 74-85
  153. ^ "Gearchiveerde kopie" (Pdf)​Gearchiveerd van het origineel (Pdf) op 26 juli 2011​Opgehaald 30 juni 2010.CS1 maint: gearchiveerde kopie als titel (koppeling) Edmond Lachenal produceerde edities van Rodins sculpturen
  154. ^ Jennifer Opie, Een gerecht van Thorvald Bindesbøll, in Het Burlington Magazine, vol. 132 (mei 1990), blz.356.
  155. ^ Claire Selkurt, "Nieuw classicisme: ontwerp van de jaren 1920 in Denemarken", in The Journal of Decorative and Propaganda Arts, vol. 4 (voorjaar 1987), pp. 16–29 (vooral 18 n. 4).
  156. ^ Danuta A. Boczar, De Poolse poster, in Art Journal, vol. 44 (voorjaar 1984), pp. 16–27 (vooral 16).
  157. ^ Danuta Batorska, "Zofia Stryjeńska: prinses van de Poolse schilderkunst", in Art Journal voor vrouwen, vol. 19 (herfst, 1998-winter, 1999), pp. 24-29 (vooral 24-25).
  158. ^ Lahor 2007, p. 99.
  159. ^ Een inleiding tot het werk van Alphonse Mucha en Art Nouveau, lezing door Ian Johnston van Malaspina University-College, Nanaimo, British Columbia.
  160. ^ Fraser, Julie. H. "Kunst recyclen" style2000.com.
  161. ^ Lahor 2007, p. 112.
  162. ^ Lahor, blz. 120-121.
  163. ^ een b Sato 2015, p. 43.
  164. ^ Bétard, Daphne, La revolutie Nabie, in Les Nabis et le decor, Beaux-Arts Éditions, pp. 8-21
  165. ^ Bouillon, Jean-Paul, Journal de l'Art Nouveau (1870-1914), Skira, 1985
  166. ^ "Het tijdschrift" Coup de Fouet ", deel 31 (2019), p. 34" (Pdf).
  167. ^ Riley 2007, p. 318
  168. ^ een b c Riley 2007, p. 320.
  169. ^ Riley 2007, p. 322.
  170. ^ Riley 2007, p. 324
  171. ^ een b "Art Nouveau-sieraden"​Opgehaald 22 november 2016.
  172. ^ Thistle - Art Nouveau World
  173. ^ Iris - Art Nouveau World
  174. ^ Renault en Lazé, Les stijlen de l'architecture et du mobilier (2006), blz. 107-111
  175. ^ Bony, Anne, L'Architecture Moderne (2012), blz. 36-40
  176. ^ Renault en Lazé, (2006), blz. 107-111
  177. ^ https://whc.unesco.org/en/list/320/multiple=1&unique_number=364 Officiële lijst van de UNESCO-site "Werken van Antoni Gaudí" (1994, 2005)
  178. ^ [26] Agustí Querol Subirats - Art Nouveau World
  179. ^ [27] Butterfly - Art Nouveau World
  180. ^ [28] Pauw - Art Nouveau World
  181. ^ [29] Swan - Art Nouveau World
  182. ^ [30] Uil - Art Nouveau World
  183. ^ [31] Bat - Art Nouveau-wereld
  184. ^ [32] Dragon - Art Nouveau World
  185. ^ [33] Beer - Art Nouveau World
  186. ^ [34] Atlant - Art Nouveau-wereld
  187. ^ [35] Caryatid - Art Nouveau World
  188. ^ [36] Putti - Art Nouveau World
  189. ^ [37] Gargoyle - Art Nouveau World
  190. ^ Riley 2007, p. 302.
  191. ^ Lucie-Smith, 160
  192. ^ Riley 2007, p. 308.
  193. ^ een b Riley 2007, pp. 314–15.
  194. ^ Edmond Lachenal en zijn nalatenschap, door Martin Eidelberg, Claire Cass, Hudson Hills Press; geïllustreerde uitgave (25 februari 2007)
  195. ^ Tijdlijn, geraadpleegd op 23/01/08
  196. ^ Journal of UralNIIProject RAASN - 2014. - № 2 - p. 27-32. - ISSN 2074-2932 (in het Russisch)
  197. ^ Riley 2007, p. 328
  198. ^ [38] Officiële website van Lenin Birthplace Museum Reserve
  199. ^ "Haworth Art Gallery" op de website van de Hyndburn Borough Council

Opmerkingen

  1. ^ Door sommige onderzoekers wordt Hôtel Jassedé (1893) ook toegeschreven aan de art nouveau[35]
  2. ^ Sommige bronnen, b.v. Werkbund-archief, noem Van de Velde als een van de oprichters.[72]
  3. ^ Gemaakt als paasgeschenk van Emperor Nicholas II van Rusland aan zijn vrouw

Bibliografie

  • Bony, Anne, L'Architecture Moderne, Parijs, Larousse (2012) ISBN 978-2-03-587641-6
  • Bouillon, Jean-Paul, Journal de L'Art Nouveau, Parijs, Skira, 1985. ISBN 2-605-00069-9
  • Culot, Maurice en Pirlot, Ann-Marie, Bruxelles Art Nouveau, Brussel, Archives d'Architecture Moderne (in het Frans), (2005), ISBN 2-87143-126-4
  • Duncan, Alastair, Art Nouveau, Wereld van kunst, New York: Thames en Hudson, 1994. ISBN 0-500-20273-7
  • Fahr-Becker, Gabriele (2015). L'Art Nouveau (in het Frans). H.F. Ullmann. ISBN 978-3-8480-0857-5.
  • Heller, Steven en Seymour Chwast, Grafische stijl van Victoriaans tot digitaal, nieuwe ed. New York: Harry N.Abrams, Inc., 2001. pp. 53-57.
  • Huyges, René, L'Art et le monde modern, Volume 1, Librarie Larousse, Parijs, 1970
  • Journel, Guillemette Morel (2015). Le Corbusier- Construire la Vie Moderne (in het Frans). Editions du Patrimoine: Centre des Monument Nationaux. ISBN 978-2-7577-0419-6.
  • Lahor, Jean (2007) [1901]. L'art nouveau (in het Frans). Baseline Co. Ltd. ISBN 978-1-85995-667-0.
  • Ormiston, Rosalind; Robinson, Michael (2013). Art Nouveau - Posters, illustraties en beeldende kunst​Flame Tree Publishing. ISBN 978-1-84786-280-8.
  • Pruim, Gilles (2014). Paris architectures de la Belle Époque​Editions Parigramme. ISBN 978-2-84096-800-9.}
  • Renault, Christophe en Lazé, Christophe, les Styles de l'architecture en du mobliier, Éditions Jean-Paul Gisserot, 2006 (in het Frans). ISBN 978-2-87747-465-8
  • Riley, Noël (2004). Grammaire des Arts Décoratifs (in het Frans). Flammarion.
  • Sarnitz, augustus (2018). Otto Wagner (in het Frans). Keulen: Taschen. ISBN 978-3-8365-6432-8.
  • Sato, Tamako (2015). Alphonse Mucha - de kunstenaar als visionair​Keulen: Taschen. ISBN 978-3-8365-5009-3.
  • Sembach, Klaus-Jürgen (2013). L'Art Nouveau- L'Utopie de la Réconciliation (in het Frans). Taschen. ISBN 978-3-8228-3005-5.
  • Sterner, Gabriele, Art Nouveau, een kunst van transitie: van individualisme tot massamaatschappij, 1e Engels ed. (originele titel: Jugendstil: Kunstformen zwischen Individualismus und Massengesellschaft), vertaald door Frederick G. Peters en Diana S. Peters, uitgever Woodbury, N.Y .: Barron's educatieve serie, 1982. ISBN 0-8120-2105-3
  • Texier, Simon (2012). Parijs - Panorama de l'architecture​Parigramme. ISBN 978-2-84096-667-8.
  • Thiébaut, Philippe (2018). Mucha et l'Art Nouveau (in het Frans). Parijs: Éditions du Chêne. ISBN 978-2-81231-806-1.
  • Vigne, George (2016). Hector Guimard - Le geste magnifique de l'Art Nouveau (in het Frans). Parijs: Editions du Patrimoine - Centre des monuments nationaux. ISBN 978-2-7577-0494-3.

Verder lezen

Externe links

Pin
Send
Share
Send