Barok - Baroque

Van Wikipedia, De Gratis Encyclopedie

Pin
Send
Share
Send

De barok
WLA metmuseum Venus en Adonis door Peter Paul Rubens.jpg
Extase van St. Teresa HDR.jpg
Wieskirche 1.2.jpg
Top: Venus en Adonis door Peter Paul Rubens (1635-1640); Centrum: De extase van Saint Teresa door Bernini (1651); Onderkant: The Wieskirche in Beieren (1754)
jaren actief17e-18e eeuw

De Barok (UK: /bəˈrɒk/, ONS: /bəˈrk/; Frans:[baʁɔk]) is een stijl van architectuur, muziek-, dans, schilderen, beeldhouwwerk en andere kunsten die in Europa bloeiden vanaf het begin van de 17e eeuw tot de jaren 1740. Op het grondgebied van het Spaanse en Portugese rijk, inclusief het Iberisch schiereiland, ging het, samen met nieuwe stijlen, door tot het eerste decennium van de 19e eeuw. Het volgde Renaissance kunst en Maniërisme en voorafgegaan aan de rococo (in het verleden vaak "late barok" genoemd) en Neoklassiek stijlen. Het werd aangemoedigd door de katholieke kerk als middel om de eenvoud en soberheid van Protestant architectuur, kunst en muziek Lutherse barokke kunst ontwikkeld in delen van Europa.[1]

De barokke stijl gebruikte contrast, beweging, uitbundige details, diepe kleuren, grootsheid en verrassing om een ​​gevoel van ontzag te bereiken. De stijl begon aan het begin van de 17e eeuw in Rome en verspreidde zich vervolgens snel naar Frankrijk, Noord-Italië, Spanje en Portugal, en vervolgens naar Oostenrijk, Zuid-Duitsland en Rusland. Tegen de jaren 1730 was het geëvolueerd naar een nog meer flamboyante stijl, genaamd rocaille of rococo, die tot het midden van de 18e eeuw verscheen in Frankrijk en Centraal-Europa.

In de decoratieve kunsten, de stijl maakt gebruik van overvloedige en ingewikkelde versieringen. Het vertrek uit het classicisme uit de Renaissance kent in elk land zijn eigen wegen. Maar een algemeen kenmerk is dat overal het uitgangspunt de ornamentele elementen zijn die door de Renaissance​Het klassieke repertoire is vol, dicht, overlappend, geladen om schrikeffecten uit te lokken. Nieuwe motieven die door Baroque zijn geïntroduceerd zijn: de cartouche, trofeeën en wapens, manden met fruit of bloemen, en anderen, gemaakt in inlegwerk, stucwerkof gesneden.[2]

Oorsprong van het woord

Hanger in de vorm van een sirene, gemaakt van een barokke parel (de romp) met geëmailleerde gouden monturen bezet met robijnen, waarschijnlijk omstreeks 1860, in de Metropolitan Museum of Art (New York City)

Het Engelse woord barok- komt rechtstreeks uit de Frans (zoals de moderne standaard Engelse spelling suggereert). Sommige geleerden stellen dat het Franse woord afkomstig is van de Portugese term barroco ("een gebrekkige parel"), wijzend naar[opheldering nodig] het Latijn verruca,[3] ("wrat"), of op een woord met het achtervoegsel -ǒccu (gebruikelijk in pre-Romeins Iberia).[4][5][6] Andere bronnen suggereren een Middeleeuws Latijn term die in de logica wordt gebruikt, baroco, als de meest waarschijnlijke bron.[7]

In de 16e eeuw kwam het middeleeuwse Latijnse woord voor baroco ging verder dan de scholastische logica en werd gebruikt om alles te karakteriseren dat absurd complex leek. De Franse filosoof Michel de Montaigne (1533-1592) associeerde de term baroco met "Bizar en nutteloos ingewikkeld."[8] Andere vroege bronnen associëren baroco met magie, complexiteit, verwarring en overdaad.[7]

Het woord barok- werd ook geassocieerd met onregelmatige parels vóór de 18e eeuw. De Fransen barok- en Portugees barroco waren termen die vaak met sieraden werden geassocieerd. Een voorbeeld uit 1531 gebruikt de term om parels te beschrijven in een inventaris van Karel V van Frankrijk's[opheldering nodig] schatten.[9] Later verschijnt het woord in een editie uit 1694 van Le Dictionnaire de l'Académie Française, die beschrijft barok- als "alleen gebruikt voor parels die niet perfect rond zijn."[10] Een Portugees woordenboek uit 1728 beschrijft op dezelfde manier barroco met betrekking tot een "grove en ongelijke parel".[11]

Een alternatieve afleiding van het woord barok- verwijst naar de naam van de Italiaanse schilder Federico Barocci (1528–1612).[12]

In de 18e eeuw werd de term gebruikt om muziek te beschrijven, en niet op een flatterende manier. In een anonieme satirische recensie van de première van Jean-Philippe Rameau's Hippolyte et Aricie in oktober 1733, dat werd gedrukt in de Mercure de France in mei 1734 schreef de criticus dat de nieuwigheid in deze opera "du barocque" was, waarbij hij klaagde dat de muziek een coherente melodie ontbeerde, niet spaarzaam was met dissonanten, voortdurend van toonsoort en metrum veranderde en snel door elk compositorisch apparaat ging.[13]

In 1762 Le Dictionnaire de l'Académie Française vermeldde dat de term figuurlijk iets "onregelmatig, bizar of ongelijk" zou kunnen beschrijven.[14]

Jean-Jacques Rousseau, die zowel muzikant en componist als filosoof was, schreef in 1768 in de Encyclopédie: "Barokmuziek is muziek waarin de harmonie verward is, en geladen met modulaties en dissonanten. De zang is hard en onnatuurlijk, de intonatie moeilijk en de beweging beperkt. Het lijkt erop dat de term afkomstig is van het woord 'baroco' dat wordt gebruikt door logici . "[8][15]

In 1788 Quatremère de Quincy definieerde de term in de Encyclopédie Méthodique als "een architectonische stijl die zeer versierd en gekweld is".[16]

De Franse termen stijl barok en musique barok verscheen in Le Dictionnaire de l'Académie Française in 1835.[17] Tegen het midden van de 19e eeuw hadden kunstcritici en historici de term 'barok' aangenomen als een manier om post-renaissancekunst belachelijk te maken. Dit was de betekenis van het woord zoals die in 1855 werd gebruikt door de vooraanstaande kunsthistoricus Jacob Burckhardt, die schreef dat barokke kunstenaars "details verachtten en misbruikten" omdat ze geen "respect voor traditie" hadden.[18]

In 1888 de kunsthistoricus Heinrich Wölfflin publiceerde het eerste serieuze academische werk over de stijl, Renaissance en Barock, waarin de verschillen tussen de schilderkunst, beeldhouwkunst en architectuur van de Renaissance en de Barok werden beschreven.[19]

Architectuur: oorsprong en kenmerken

Quadratura of trompe-l'œil plafond van de Kerk van de Gesù uit Rome, door Giovanni Battista Gaulli, van 1673 tot 1678[20]

De barokke stijl van architectuur was het resultaat van doctrines die door de katholieke kerk bij de Concilie van Trente in 1545-1563, in reactie op de protestante Reformatie​De eerste fase van het Contrareformatie had een strenge, academische stijl opgelegd aan religieuze architectuur, die intellectuelen had aangesproken, maar niet de massa kerkgangers. Het Concilie van Trente besloot in plaats daarvan een meer populair publiek aan te spreken en verklaarde dat de kunsten religieuze thema's moesten communiceren met directe en emotionele betrokkenheid.[21][22] Lutherse barokke kunst ontwikkelde zich als een confessionele marker van identiteit, in reactie op de Grote beeldenstorm van Calvinisten.[23]

Barokke kerken werden ontworpen met een grote centrale ruimte, waar de aanbidders dicht bij het altaar konden zijn, met een koepel of koepel hoog boven het hoofd, waardoor licht de kerk eronder kon verlichten. De koepel was een van de centrale symbolische kenmerken van de barokke architectuur en illustreerde de vereniging tussen de hemel en de aarde. De binnenkant van de koepel was rijkelijk versierd met schilderijen van engelen en heiligen, en met stucwerk beeldjes van engelen, wat de indruk wekte bij degenen beneden van omhoog kijken naar de hemel.[24]Een ander kenmerk van barokke kerken zijn de quadratura; trompe-l'œil schilderijen aan het plafond in gepleisterde lijsten, echt of geverfd, vol met schilderijen van heiligen en engelen en door architectonische details verbonden met de balustrades en consoles. Quadratura schilderijen van Atlantes onder lijken de kroonlijsten het plafond van de kerk te ondersteunen. In tegenstelling tot de beschilderde plafonds van Michelangelo in de Sixtijnse Kapel, die verschillende scènes combineerde, elk met een eigen perspectief, om een ​​voor een te bekijken, werden de barokke plafondschilderingen zorgvuldig gemaakt zodat de toeschouwer op de vloer van de kerk de hele plafond in het juiste perspectief, alsof de cijfers echt waren.

De interieurs van barokke kerken werden steeds sierlijker in de hoogbarok en concentreerden zich rond het altaar, meestal onder de koepel geplaatst. De meest gevierde barokke decoratieve werken van de hoogbarok zijn de Voorzitter van Sint-Pieter (1647-1653) en de Baldachino van St. Peter (1623-1634), beide door Gian Lorenzo Bernini, in St. Peters Basiliek in Rome. De Baldequin van St. Peter is een voorbeeld van de balans van tegenstellingen in de barokke kunst; de gigantische proporties van het stuk, met de schijnbare lichtheid van de luifel; en het contrast tussen de massief gedraaide kolommen, brons, goud en marmer van het stuk met de vloeiende draperieën van de engelen op het baldakijn.[25] De Frauenkirche van Dresden dient als een prominent voorbeeld van de lutherse barokke kunst, die in 1743 werd voltooid na opdracht van het Lutherse stadsbestuur van Dresden en "door achttiende-eeuwse waarnemers werd vergeleken met de Sint-Pietersbasiliek in Rome".[1]

De gedraaide kolom in het interieur van kerken is een van de kenmerkende kenmerken van de barok. Het geeft zowel een gevoel van beweging als een dramatische nieuwe manier om licht te reflecteren cartouche was een ander kenmerkend kenmerk van barokke decoratie. Dit waren grote uit marmer of steen gehouwen plaquettes, meestal ovaal en met een afgerond oppervlak, waarop afbeeldingen of tekst in vergulde letters stonden en die als interieurdecoratie of boven de deuropeningen van gebouwen werden geplaatst om berichten aan degenen beneden te bezorgen. Ze lieten een grote verscheidenheid aan uitvindingen zien en werden in alle soorten gebouwen aangetroffen, van kathedralen en paleizen tot kleine kapellen.[26]

Barokke architecten gebruikten soms gedwongen perspectief om illusies te creëren. Voor de Palazzo Spada in Rome gebruikte Borromini zuilen van steeds kleiner wordende afmetingen, een versmalde vloer en een miniatuurbeeldje in de tuin daarachter om de illusie te wekken dat een doorgang dertig meter lang was, terwijl deze eigenlijk maar zeven meter lang was. Een standbeeld aan het einde van de gang lijkt levensgroot te zijn, hoewel het slechts zestig centimeter hoog is. Borromini ontwierp de illusie met de hulp van een wiskundige.

Italiaanse barok

Sint Ignatius van Rome (1626–1650)

Het eerste gebouw in Rome met een barokke gevel was de Kerk van de Gesù in 1584; het was duidelijk naar latere barokke maatstaven, maar markeerde een breuk met de traditionele renaissancegevels die eraan voorafgingen. Het interieur van deze kerk bleef zeer sober tot in de hoge barok, toen ze rijkelijk versierd werd.

In Rome in 1605, Paul V werd de eerste van de serie pausen die basilieken en kerkgebouwen liet ontwerpen om emotie en ontzag te inspireren door een wildgroei aan vormen en een rijkdom aan kleuren en dramatische effecten.[27] Een van de meest invloedrijke monumenten van de vroege barok was de gevel van St. Peters Basiliek (1606–1619), en het nieuwe schip en de loggia die de gevel verbond met de koepel van Michelangelo in de vroegere kerk. Het nieuwe ontwerp creëerde een dramatisch contrast tussen de torenhoge koepel en de onevenredig brede gevel, en het contrast op de gevel zelf tussen de Dorische zuilen en de grote massa van de portiek.[28]

In het midden van de 17e eeuw bereikte de stijl zijn hoogtepunt, later de hoogbarok genoemd. Veel monumentale werken zijn gemaakt in opdracht van pausen Stedelijk VIII en Alexander VII​De beeldhouwer en architect Gian Lorenzo Bernini ontwierp een nieuwe viervoudige colonnade rond het Sint-Pietersplein (1656 tot 1667). De drie galerijen van kolommen in een gigantische ellips balanceren de extra grote koepel en geven de kerk en het plein een eenheid en het gevoel van een gigantisch theater.[29]

Een andere belangrijke vernieuwer van de Italiaanse hoogbarok was Francesco Borromini, wiens belangrijkste werk de Kerk van was San Carlo alle Quattro Fontane of Saint Charles van de vier fonteinen (1634-1646). Het gevoel van beweging wordt niet gegeven door de versiering, maar door de wanden zelf, die golven en door concave en convexe elementen, waaronder een ovale toren en een balkon dat in een concave traverse is gestoken. Het interieur was al even revolutionair; de hoofdruimte van de kerk was ovaal, onder een ovale koepel.[29]

Beschilderde plafonds, vol met engelen en heiligen en trompe-l'œil architectonische effecten, waren een belangrijk kenmerk van de Italiaanse hoogbarok. Grote werken inbegrepen De intrede van Saint Ignace in het paradijs door Andrea Pozzo (1685-1695) in de Kerk van Sint Ignatius in Rome, en De triomf van de naam van Jezus door Giovanni Battista Gaulli in de Kerk van de Gesù in Rome (1669-1683), met figuren die uit de fotolijst kwamen en dramatische schuine belichting en licht-donker contrasten.[30]De stijl verspreidde zich snel van Rome naar andere regio's van Italië: het verscheen in Venetië in de kerk van Santa Maria della Salute (1631-1687) van Baldassare Longhena, een hoogst originele achthoekige vorm bekroond met een enorme koepel. Het verscheen ook in Turijn, met name in de Kapel van de Heilige Lijkwade (1668-1694) van Guarino Guarini​De stijl begon ook in paleizen te worden gebruikt; Guarini ontwierp de Palazzo Carignano in Turijn, terwijl Longhena de Ca 'Rezzonico op de groot kanaal, (1657), afgewerkt door Giorgio Massari met versierd met schilderijen van Giovanni Battista Tiepolo.[31] Een reeks zware aardbevingen in Sicilië vereist de herbouw van de meeste van hen en een aantal werden gebouwd in de uitbundige laatbarok of rococo-stijl.

Spaanse barok

De torens van de kathedraal van Santiago de Compostela door Fernando de Casas Novoa (1680 (middelste toren) en 1738-1750)

De katholieke kerk in Spanje, en in het bijzonder de jezuïeten, waren de drijvende kracht achter de Spaanse barokke architectuur. Het eerste grote werk in deze stijl was de San Isidro-kapel in Madrid, begonnen in 1643 door Pedro de la Torre​Het contrasteerde een extreme rijkdom aan ornament aan de buitenkant met eenvoud in het interieur, verdeeld in meerdere ruimtes en met behulp van lichteffecten om een ​​gevoel van mysterie te creëren.[32] De kathedraal in Santiago de Compostela werd gemoderniseerd met een reeks barokke toevoegingen aan het einde van de 17e eeuw, te beginnen met een zeer sierlijke klokkentoren (1680), vervolgens geflankeerd door twee nog hogere en meer sierlijke torens, genaamd de Obradorio, tussen 1738 en 1750 toegevoegd door Fernando de Casas Novoa​Een ander herkenningspunt van de Spaanse barok is de kapeltoren van de Paleis van San Telmo in Sevilla door Leonardo de Figueroa.[33]

Granada was pas in de 15e eeuw bevrijd van de Moren en had zijn eigen uitgesproken variatie aan barok. De schilder, beeldhouwer en architect Alonso Cano ontwierp het barokke interieur van Kathedraal van Granada tussen 1652 en zijn dood in 1657. Het heeft dramatische contrasten van de massieve witte zuilen en het gouden decor.

De meest decoratieve en rijkelijk versierde architectuur van de Spaanse barok wordt genoemd Churrigueresque stijl, genoemd naar de broers Churriguera, die voornamelijk in Salamanca en Madrid werkte. Hun werken omvatten de gebouwen op het belangrijkste plein van de stad, de Plaza Mayor van Salamanca (1729).[33] Deze zeer decoratieve barokke stijl was zeer invloedrijk in veel kerken en kathedralen die door de Spanjaarden in Amerika werden gebouwd.

Andere opmerkelijke Spaanse barokke architecten van de late barok zijn onder meer Pedro de Ribera, een leerling van Churriguera, die het Royal Hospice van San Fernando in Madrid ontwierp, en Narciso Tomé, die het gevierde El Transparente altaarstuk op Kathedraal van Toledo (1729–32) wat de illusie wekt, bij bepaald licht, omhoog te zweven.[33]

De architecten van de Spaanse barok hadden een effect tot ver buiten Spanje; hun werk was zeer invloedrijk in de kerken die in de Spaanse koloniën in Latijns-Amerika en de Filippijnen werden gebouwd. De kerk gebouwd door de jezuïeten voor een college in Tepotzotlán, met zijn sierlijke barokke gevel en toren, is daar een goed voorbeeld van.[34]

Centraal-Europa en rococo (1740-1770)

Quadratura​een geschilderde koepel van Andrea Pozzo voor de Jezuïetenkerk, Wenen, die de illusie wekt naar boven te kijken naar hemelse figuren rond een niet-bestaande koepel (1703)

Van 1680 tot 1750 werden veel zeer sierlijke kathedralen, abdijen en bedevaartkerken gebouwd in Midden-Europa, in Beieren, Oostenrijk, Bohemen en het zuidwesten van Polen. Sommigen waren binnen rococo stijl, een aparte, meer flamboyante en asymmetrische stijl die voortkwam uit de barok en deze vervolgens in Midden-Europa verving in de eerste helft van de 18e eeuw, totdat hij op zijn beurt werd vervangen door classicisme.[35]

De vorsten van de vele staten in die regio kozen ook voor barok of rococo voor hun paleizen en woningen, en gebruikten vaak Italiaans geschoolde architecten om ze te bouwen.[36] Opmerkelijke architecten waren onder meer Johann Fischer von Erlach, Lukas von Hildebrandt en Dominikus Zimmermann in Beieren, Balthasar Neumann in Bruhl, en Matthäus Daniel Pöppelmann in Dresden. In Pruisen, Frederik II van Pruisen werd geïnspireerd door de Grote Trianon van de Paleis van Versailles, en gebruikte het als model voor zijn zomerresidentie, Sanssouci, in Potsdam, voor hem ontworpen door Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff (1745-1747). Een ander werk van barokke paleisarchitectuur is de Zwinger in Dresden, de voormalige orangerie van het paleis van de hertogen van Saksen in de 18e eeuw.

Een van de beste voorbeelden van een rococokerk is de Basilika Vierzehnheiligen, of Basiliek van de veertien heilige helpers, een bedevaartskerk gelegen nabij de stad Slechte Staffelstein nabij Bamberg, in Beieren, Zuid-Duitsland. De basiliek is ontworpen door Balthasar Neumann en werd gebouwd tussen 1743 en 1772, het plan een reeks in elkaar grijpende cirkels rond een centraal ovaal met het altaar precies in het midden van de kerk. Het interieur van deze kerk illustreert de top van de Rococo-versiering.[37]Een ander opmerkelijk voorbeeld van de stijl is de bedevaartskerk van Wies (Duitse: Wieskirche​Het is ontworpen door de broers J. B. en Dominikus Zimmermann​Het is gelegen in de uitlopers van de Alpen, in de gemeente Steingaden in de Weilheim-Schongau wijk, Beieren, Duitsland​De bouw vond plaats tussen 1745 en 1754, en het interieur werd versierd met fresco's en met stucwerk in de traditie van de Wessobrunner School​Het staat nu op de werelderfgoedlijst van UNESCO.

Een ander opmerkelijk voorbeeld is de Sint-Niklaaskerk (Malá Strana) in Praag (1704-55), gebouwd door Christoph Dientzenhofer en zijn zoon Kilian Ignaz Dientzenhofer​Decoratie omvat alle muren van het interieur van de kerk. Het altaar is in het schip onder de centrale koepel geplaatst en omgeven door kapellen. Licht komt naar beneden van de koepel erboven en van de omliggende kapellen. Het altaar is volledig omgeven door bogen, zuilen, gebogen balustrades en pilasters van gekleurde steen, die rijkelijk versierd zijn met beeldhouwwerken, waardoor een bewuste verwarring ontstaat tussen de echte architectuur en de versiering. De architectuur wordt getransformeerd tot een theater van licht, kleur en beweging.[25]

In Polen is het Italiaans geïnspireerd Poolse barok duurde van het begin van de 17e tot het midden van de 18e eeuw en benadrukte rijkdom aan details en kleur. Het eerste barokke gebouw in het huidige Polen en waarschijnlijk een van de meest herkenbare is het Kerk van St. Peter en Paul in Krakau, ontworpen door Giovanni Battista Trevano. Sigismund's Column in Warschau, opgericht in 1644, was 's werelds eerste seculiere barokke monument gebouwd in de vorm van een zuil.[38] De paleisachtige woonstijl werd geïllustreerd door de Wilanów-paleis, gebouwd tussen 1677 en 1696.[39] De meest bekende barokke architect die actief was in Polen was Nederlander Tylman van Gameren en zijn opmerkelijke werken omvatten die van Warschau St. Kazimierz Kerk en Krasiński-paleis, St. Anne's in Krakau en Branicki-paleis in Bialystok.[40] Het meest gevierde werk van de Poolse barok is echter het Fara-kerk in Poznań, met details van Pompeo Ferrari.

Frans Barok of Classicisme

De gevel van Palais Rohan van Straatsburg (Frankrijk) dat uitkijkt op de rivier

Frankrijk verzette zich grotendeels tegen de sierlijke barokke stijl van Italië, Spanje, Wenen en de rest van Europa. De Franse barokstijl (vaak genoemd Groot classicisme of gewoon Classicisme in Frankrijk) is nauw verbonden met de werken waarvoor gebouwd is Lodewijk XIV en Lodewijk XV​het heeft meer geometrische orde en maat dan barok, en minder uitgebreide versieringen op de gevels en in het interieur. Lodewijk XIV nodigde de meester van de barok, Bernini, uit om een ​​ontwerp in te dienen voor de nieuwe vleugel van het Louvre, maar wees het af ten gunste van een meer klassiek ontwerp van Claude Perrault en Louis Le Vau.[41]

Paleis van Versailles (begonnen met Louis Le Vau in 1661)

De belangrijkste architecten van de stijl inbegrepen François Mansart (Chateau de Balleroy, 1626–1636), Pierre Le Muet (Kerk van Val-de-Grace, 1645–1665), Louis Le Vau (Vaux-le-Vicomte, 1657-1661) en vooral Jules Hardouin Mansart en Robert de Cotte, wiens werk de Galerie des Glaces en de Grote Trianon in Versailles (1687-1688). Mansart was ook verantwoordelijk voor het barokke classicisme van de Plaats Vendôme (1686–1699).[42]

Het belangrijkste koninklijke project van die periode was de uitbreiding van Paleis van Versailles, begonnen in 1661 door Le Vau met decoratie door de schilder Charles Le Brun​De tuinen zijn ontworpen door André Le Nôtre specifiek om de architectuur aan te vullen en te versterken. De Galerie des Glaces (Spiegelzaal), het middelpunt van het kasteel, met schilderijen van Le Brun, werd gebouwd tussen 1678 en 1686. Mansart voltooide de Grand Trianon in 1687. De kapel, ontworpen door de Cotte, werd voltooid in 1710. Na de dood van Lodewijk XIV voegde Lodewijk XV het meer intieme toe Petit Trianon en het zeer sierlijke theater. De fonteinen in de tuinen zijn ontworpen om vanuit het interieur te worden gezien en om het dramatische effect te versterken. Het paleis werd vooral bewonderd en gekopieerd door andere vorsten van Europa Peter de grote van Rusland, die Versailles vroeg in de regering van Lodewijk XV bezocht, en zijn eigen versie bouwde in Peterhof Paleis in de buurt van Sint-Petersburg, tussen 1705 en 1725.[43]

Portugese barok

De glorie van Neptunus, Paleis van Queluz, 1747

Barokke architectuur in Portugal duurde ongeveer twee eeuwen (eind zeventiende en achttiende eeuw). De regering van John V en Joseph I had de invoer van goud en diamanten vergroot, in een periode die Koninklijk Absolutisme heette, waardoor de Portugese barok kon floreren.

Barokke architectuur in Portugal geniet van een speciale situatie en een andere tijdlijn dan de rest van Europa.

Het wordt bepaald door verschillende politieke, artistieke en economische factoren, die verschillende fasen veroorzaken, en verschillende soorten invloeden van buitenaf, resulterend in een unieke mix,[44] vaak verkeerd begrepen door diegenen die op zoek zijn naar Italiaanse kunst, maar in plaats daarvan specifieke vormen en karakter vinden die het een unieke Portugese variëteit geven. Een andere sleutelfactor is het bestaan ​​van de jezuïetenarchitectuur, ook wel "eenvoudige stijl" genoemd (Estilo Chão of Estilo Plano)[45] die zoals de naam al doet vermoeden, duidelijker is en ietwat sober lijkt.

De gebouwen zijn basilieken voor één kamer, diepe hoofdkapel, zijkapellen (met kleine deuren voor communicatie), zonder binnen- en buitendecoratie, zeer eenvoudig portaal en ramen. Het is een zeer praktisch gebouw, waardoor het met kleine aanpassingen in het hele rijk kan worden gebouwd en voorbereid om later te worden versierd of wanneer er economische middelen beschikbaar zijn.

In feite ontbreekt het de eerste Portugese barok niet aan gebouw omdat de "eenvoudige stijl" gemakkelijk kan worden getransformeerd door middel van decoratie (schilderen, tegels, enz.), Waardoor lege ruimtes worden veranderd in pompeuze, uitgebreide barokke scenario's. Hetzelfde zou kunnen worden toegepast op de buitenkant. Vervolgens is het eenvoudig om het gebouw aan de smaak van de tijd en plaats aan te passen en nieuwe features en details toe te voegen. Praktisch en zuinig.

Met meer inwoners en betere economische middelen, het noorden, met name de gebieden van Porto en Braga,[46][47][48] was getuige van een architectonische vernieuwing, zichtbaar in de grote lijst van kerken, kloosters en paleizen gebouwd door de aristocratie.

Porto is de barokke stad in Portugal. Het historische centrum maakt deel uit van Unesco Werelderfgoedlijst.[49]

Veel van de barokke werken in het historische deel van de stad en daarbuiten behoren toe Nicolau Nasoni een Italiaanse architect die in Portugal woont en originele gebouwen tekent met scenografische opstellingen zoals de kerk en toren van Clérigos,[50] de logia van de Kathedraal van Porto, de kerk van Misericórdia, de Paleis van São João Novo,[51] de Paleis van Freixo,[52] de Bisschoppelijk paleis (Portugees: Paço Episcopal do Porto)[53] samen met vele anderen.

Russische barok

De westelijke gevel van de Catherine Palace (1752-1756) van Bartolomeo Rastrelli

Het debuut van Russische barok, of Petrine Barok, volgde een lang bezoek van Peter de grote naar West-Europa in 1697–98, waar hij de kastelen van Fontainebleu en Versailles bezocht, evenals andere architectonische monumenten. Bij zijn terugkeer naar Rusland besloot hij soortgelijke monumenten in te bouwen St. Petersburg, dat in 1712 de nieuwe hoofdstad van Rusland werd. Vroege belangrijke monumenten in de Petrine Barok omvatten de Peter en Paul Cathedral en Menshikov-paleis.

Tijdens het bewind van Keizerin Anna en Elizaveta PetrovnaWerd de Russische architectuur gedomineerd door de luxueuze barokke stijl van in Italië geboren Bartolomeo Rastrelli, die uitgroeide tot Elizabethaanse barok​De kenmerkende gebouwen van Rastrelli omvatten de Winter paleis, de Catherine Palace en de Smolny-kathedraal​Andere opvallende monumenten van de Elizabethaanse barok zijn de klokkentoren van de Troitse-Sergiyeva Lavra en de Rode poort.[54]

In Moskou, Naryshkin Barok werd wijdverspreid, vooral in de architectuur van Oosters Orthodox kerken in de late 17e eeuw. Het was een combinatie van West-Europese barok met traditioneel Russisch volksstijlen.

Barok in het Spaanse en Portugese koloniale Amerika

Gevel van de Jezuïetenkerk van Arequipa (Peru), 1698-1699. De gevelverhoging stond onder toezicht van de Spaanse architect Diego de Adrián, maar, zoals bijna alle hybride barokke monumenten uit de Andes, werd de versiering uitgehouwen door Indiaanse beeldhouwers en metselaars die met verrassende vrijheid werkten bij hun beeldkeuze.[55]

Vanwege de kolonisatie van Amerika door Europese landen, verhuisde de barok natuurlijk naar de Nieuwe wereld, het vinden van bijzonder gunstige grond in de regio's die worden gedomineerd door Spanje en Portugal, beide landen zijn gecentraliseerd en onherleidbaar katholieke monarchieën, bij uitbreiding onderworpen aan Rome en aanhangers van de barok Contra-reformistisch meest typisch. Europese kunstenaars migreerden naar Amerika en maakten school, en samen met de wijdverbreide penetratie van Katholieke missionarissen, van wie velen bekwame kunstenaars waren, creëerde een veelvormige barok die vaak werd beïnvloed door de populaire smaak. De Criollo en Indisch ambachtslieden hebben veel gedaan om deze barokke unieke kenmerken te geven. De belangrijkste centra van de Amerikaanse barokke teelt, die nog steeds overeind staan, zijn (in deze volgorde) Mexico, Brazilië, Peru, Ecuador, Cuba, Colombia, Bolivia, Guatemala en Puerto Rico.

Van bijzonder belang is de zogenaamde "Missionary Baroque", ontwikkeld in het kader van de Spaanse reducties in gebieden die zich uitstrekken van Mexico en zuidwestelijke delen van de huidige Verenigde Staten tot zo ver naar het zuiden als Argentinië en Chili, inheemse nederzettingen georganiseerd door Spaanse katholieken. missionarissen om hen te bekeren tot het christelijk geloof en hen te accultureren in het westerse leven, waarbij ze een hybride barok vormden, beïnvloed door de inheemse cultuur, waar bloeide Criollos en veel Indiase ambachtslieden en muzikanten, zelfs geletterd, sommigen van henzelf met grote bekwaamheid en talent. In de verslagen van missionarissen wordt vaak herhaald dat westerse kunst, met name muziek, een hypnotiserende invloed had op boswachters, en dat de beelden van heiligen als grote machten werden beschouwd. Veel indianen bekeerden zich en er ontstond een nieuwe vorm van toewijding, van hartstochtelijke intensiteit, beladen met mystiek, bijgeloof en theatraliteit, die zich verheugden op feestelijke missen, heilige concerten en mysteries.[56][57]

De koloniale barokke architectuur in het Spaanse Amerika wordt gekenmerkt door een overvloedige versiering (portaal van La Profesa-kerk, Mexico Stad​gevels bedekt met Puebla-stijl azulejos, als in de Kerk van San Francisco Acatepec in San Andrés Cholula en Kloosterkerk van San Francisco van Puebla), die zal worden verergerd in de zogenaamde Churrigueresque stijl (Gevel van de Tabernakel van de Kathedraal van Mexico-stad, door Lorenzo Rodríguez; Kerk van San Francisco Javier, Tepotzotlán; Kerk van Santa Prisca van Taxco​In Peruontwikkelden de constructies zich voornamelijk in de steden Lima, Cusco, Arequipa en Trujillo sinds 1650 originele kenmerken vertonen die zelfs tot de Europese barok gevorderd zijn, zoals in het gebruik van gedempte muren en solomonische kolommen (Kerk van la Compañía de Jesús, Cusco; Basiliek en klooster van San Francisco, Lima).[58] Andere landen zijn onder meer: ​​de Metropolitan Cathedral van Sucre in Bolivia; Kathedraal Basiliek van Esquipulas in Guatemala; Kathedraal van Tegucigalpa in Honduras; Kathedraal van León in Nicaragua​de Kerk van la Compañía de Jesús in Quito, Ecuador​de Kerk van San Ignacio in Bogotá, Colombia​de Kathedraal van Caracas in Venezuela​de Cabildo van Buenos Aires in Argentinië​de Kerk van Santo Domingo in Santiago, Chili​en Kathedraal van Havana in Cuba​Het is ook de moeite waard om de kwaliteit van de kerken van de Spaanse jezuïetenmissies in Bolivia, Spaanse jezuïetenmissies in Paraguay, de Spaanse missies in Mexico en de Spaanse Franciscaanse missies in Californië.[59]

In Brazilië, zoals in de metropool, Portugal, de architectuur heeft een zekere Italiaanse invloed, meestal van een Borrominesque type, zoals te zien is in de Co-kathedraal van Recife (1784) en Kerk van Nossa Senhora da Glória do Outeiro in Rio de Janeiro (1739). In de regio van Minas Gerais, benadrukte het werk van Aleijadinho, auteur van een groep kerken die opvallen door hun gebogen planimetrie, gevels met concaaf-convexe dynamische effecten en een plastische behandeling van alle architectonische elementen (Kerk van São Francisco de Assis in Ouro Preto, 1765–1788).

Barok in het Spaanse en Portugese koloniale Azië

In de Portugese koloniën van India (Goa, Daman en Diu) bloeide een architecturale stijl van barokke vormen vermengd met hindoeïstische elementen, zoals de Kathedraal van Goa en de Basiliek van Bom Jesus van Goa, waar het graf van St. Francis Xavier​De set van kerken en kloosters van Goa werd verklaard een Werelderfgoed in 1986.

In de Filippijnen, dat lange tijd deel uitmaakte van het Spaanse rijk, is een groot aantal barokke constructies bewaard gebleven, waaronder de Barokke kerken van de Filippijnen dat vier van deze, en de barokke en neoklassieke stad Vigan, zijn beide Unesco Werelderfgoedlocaties​Het was ook heel opmerkelijk de Ommuurde stad Manilla (Intramuros). Een andere stad met opmerkelijk bewaard gebleven barok uit het Spaanse tijdperk is Tayabas.

Schilderen

De graflegging van Christus​door Caravaggio​circa 1602-1604; olieverf op canvas; 3 x 2 m; Pinacoteca Vaticana (Vaticaanstad)

Barokke schilders werkten bewust om zich te onderscheiden van de schilders uit de Renaissance en het maniërisme erna. Ze gebruikten in hun palet intense en warme kleuren, en maakten vooral gebruik van de primaire kleuren rood, blauw en geel, waarbij ze alle drie vaak dicht bij elkaar staan.[66] Ze vermeden de gelijkmatige verlichting van de renaissanceschilderkunst en gebruikten sterke contrasten van licht en duisternis op bepaalde delen van de afbeelding om de aandacht te vestigen op de centrale acties of figuren. In hun compositie vermeden ze de verstilde scènes van renaissanceschilderijen en kozen ze de momenten van de grootste beweging en het grootste drama. In tegenstelling tot de verstilde gezichten van renaissanceschilderijen, gaven de gezichten in barokke schilderijen duidelijk uitdrukking aan hun emoties. Ze gebruikten vaak asymmetrie, waarbij de actie buiten het midden van de afbeelding plaatsvond, en creëerden assen die niet verticaal of horizontaal waren, maar naar links of rechts schuin afhielden, wat een gevoel van instabiliteit en beweging gaf. Ze versterkten deze indruk van beweging door de kostuums van de personages te laten waaien door de wind, of bewogen door hun eigen gebaren. De algemene indrukken waren beweging, emotie en drama.[67] Een ander essentieel element van de barokke schilderkunst was de allegorie; elk schilderij vertelde een verhaal en had een boodschap, vaak versleuteld in symbolen en allegorische karakters, die een goed opgeleide kijker geacht werd te kennen en te lezen.[68]

Las Meninas​door Diego Velázquez​1656-1657; olieverf op canvas; 318 cm × 276 cm; Museo del Prado (Madrid, Spanje)

Vroege bewijzen van Italiaanse barokke ideeën in de schilderkunst deden zich voor in Bologna, waar Annibale Carracci, Agostino Carracci en Ludovico Carracci probeerde de beeldende kunst terug te brengen naar het geordende classicisme van de Renaissance. Hun kunst omvatte echter ook ideeën die centraal stonden in de contrareformatie; deze omvatten intense emoties en religieuze beelden die meer op het hart dan op het intellect trokken.[69]

Een andere invloedrijke schilder uit de barok was Michelangelo Merisi da Caravaggio​Zijn realistische benadering van de menselijke figuur, rechtstreeks naar het leven geschilderd en dramatisch uitgelicht tegen een donkere achtergrond, schokte zijn tijdgenoten en opende een nieuw hoofdstuk in de geschiedenis van de schilderkunst. Andere grote schilders die nauw verbonden zijn met de barokstijl zijn onder meer Artemisia Gentileschi, Guido Reni, Domenichino, Andrea Pozzo, en Paolo de Matteis in Italië; Francisco de Zurbarán en Diego Velázquez in Spanje; Adam Elsheimer in Duitsland; en Nicolas Poussin en Georges de La Tour in Frankrijk (hoewel Poussin het grootste deel van zijn werkzame leven in Italië heeft doorgebracht). Poussin en La Tour namen een "klassieke" barokstijl aan met minder aandacht voor emotie en meer aandacht voor de lijn van de figuren in het schilderij dan voor kleur.

Het toilet van Venus​door François Boucher​1751; olieverf op canvas; 108 × 85 cm; Metropolitan Museum of Art (New York City)

Peter Paul Rubens was de belangrijkste schilder van de Vlaamse barok stijl. Rubens 'sterk geladen composities verwijzen naar erudiete aspecten van de klassieke en christelijke geschiedenis. Zijn unieke en immens populaire barokke stijl benadrukte beweging, kleur en sensualiteit, die de onmiddellijke, dramatische artistieke stijl volgde die in de Contrareformatie​Rubens specialiseerde zich in het maken van altaarstukken, portretten, landschappen en geschiedenis schilderijen van mythologische en allegorische onderwerpen.

Een belangrijk domein van de barokke schilderkunst was Quadratura, of schilderijen in trompe-l'oeil, die letterlijk "het oog voor de gek hield". Deze werden meestal geschilderd op het stucwerk van plafonds of bovenmuren en balustrades, en gaven de indruk dat degenen die op de grond keken, de indruk gaven dat de hemel werd bevolkt met menigten engelen, heiligen en andere hemelse figuren, afgezet tegen geschilderde luchten en denkbeeldige architectuur.[35]

In Italië werkten kunstenaars vaak samen met architecten op het gebied van interieurdecoratie; Pietro da Cortona was een van de schilders uit de 17e eeuw die deze illusionistische manier van schilderen hanteerde. Een van zijn belangrijkste opdrachten waren de fresco's die hij schilderde voor de Paleis van de familie Barberini (1633–39), om de regering van te verheerlijken Paus Urbanus VIII​De composities van Pietro da Cortona waren de grootste decoratieve fresco's die in Rome zijn gemaakt sinds het werk van Michelangelo aan de Sixtijnse Kapel.[70]

François Boucher was een belangrijke figuur in de meer delicate Franse rococo-stijl, die verscheen tijdens de late barok. Hij ontwierp wandtapijten, tapijten en theaterdecoratie en schilderde. Zijn werk was enorm populair bij Mevrouw Pompadour, de Meesteres van King Lodewijk XV​Zijn schilderijen bevatten mythologische romantische en licht erotische thema's.[71]

Spaans Amerika

Voorbeeld van Boliviaanse schilderkunst (uit de Cusco School): een Haakbusier Angel​door Meester van Calamarca​17e eeuw

In het Spaanse Amerika waren de eerste invloeden afkomstig van Sevillan Tenebrisme, voornamelijk uit Zurbarán - waarvan sommige werken nog steeds worden bewaard in Mexico en Peru- zoals te zien is in het werk van de Mexicanen José Juárez en Sebastián López de Arteaga, en de Boliviaanse Melchor Pérez de Holguín​De Cusco School of painting ontstond na de komst van de Italiaanse schilder Bernardo Bitti in 1583, die introduceerde Maniërisme in Amerika. Het benadrukte het werk van Luis de Riaño, leerling van de Italiaan Angelino Medoro, auteur van de muurschilderingen van de Kerk van San Pedro van Andahuaylillas​Het benadrukte ook de Indiase (Quechua) schilders Diego Quispe Tito en Basilio Santa Cruz Pumacallao, net zoals Marcos Zapata, auteur van de vijftig grote doeken die de hoge bogen van de Kathedraal van Cusco​In Ecuador, de Quito School werd gevormd, voornamelijk vertegenwoordigd door de mestizo Miguel de Santiago en de criollo Nicolás Javier de Goríbar.

In de 18e eeuw begonnen sculpturale altaarstukken te worden vervangen door schilderijen, met name de barokke schilderkunst in Amerika. Evenzo groeide de vraag naar civiele werken, voornamelijk portretten van de aristocratische klassen en de kerkelijke hiërarchie. De belangrijkste invloed was de Murillesque, en in sommige gevallen - zoals in de criollo Cristóbal de Villalpando - dat van Valdés Leal​Het schilderij uit deze tijd heeft een meer sentimentele toon, met zoete en zachtere vormen. Het benadrukt Gregorio Vásquez de Arce in Colombia, en Juan Rodríguez Juárez en Miguel Cabrera in Mexico.

Beeldhouwwerk

De Buste van Lodewijk XIV​door Gian Lorenzo Bernini​1665; marmeren; 105 × 99 × 46 cm; Paleis van Versailles

De dominante figuur in de barokke beeldhouwkunst was Gian Lorenzo Bernini​Onder de bescherming van Paus Urbanus VIIImaakte hij een opmerkelijke reeks monumentale beelden van heiligen en figuren wiens gezichten en gebaren hun emoties levendig uitdrukken, evenals portretbustes van uitzonderlijk realisme en zeer decoratieve werken voor het Vaticaan, waaronder de imposante Voorzitter van St. Peter onder de koepel in St. Peters Basiliek​Daarnaast ontwierp hij fonteinen met monumentale beeldengroepen om de belangrijkste pleinen van Rome te versieren.[74]

Barokke beeldhouwkunst is geïnspireerd op oude Romeinse beeldhouwwerken, met name door het beroemde standbeeld van Laocoön uit de eerste eeuw na Christus, die te zien was in de galerij van het Vaticaan. Toen hij in 1665 Parijs bezocht, sprak Bernini de studenten van de Academie voor schilderkunst en beeldhouwkunst toe. Hij adviseerde de studenten om naar klassieke modellen te werken in plaats van naar de natuur. He told the students, "When I had trouble with my first statue, I consulted the Antinous like an oracle."[75]

Notable late French baroque sculptors included Étienne Maurice Falconet en Jean Baptiste Pigalle​Pigalle was commissioned by Frederik de Grote to make statues for Frederick's own version of Versailles at Sanssouci in Potsdam, Duitsland. Falconet also received an important foreign commission, creating the famous statue of Peter de grote on horseback found in St. Petersburg.

In Spain, the sculptor Francisco Salzillo worked exclusively on religious themes, using polychromed wood. Some of the finest baroque sculptural craftsmanship was found in the gilded stucco altars of churches of the Spanish colonies of the New World, made by local craftsmen; examples include the Rosary Chapel of the Church of Santo Domingo in Oaxaca (Mexico), 1724–1731.

Meubilair

A beautiful gilded Baroque table, with a stone top (most probably marble), from the Jubelparkmuseum (Brussel, Belgie)

The main motifs used are: hoorns des overvloeds, slingers, baby angels, lion heads holding a metal ring in their mouths, female gezichten surrounded by garlands, oval cartouches, acanthus bladeren, klassiek kolommen, kariatiden, frontons en andere elementen van Klassieke architectuur sculpted on some parts of pieces of furniture,[76] baskets with fruits or flowers, shells, armour and trophies, heads of Apollo of Bacchus, and C-shaped voluten.[77]

During the first period of the reign of Louis XIV, furniture followed the previous style of Louis XIII, and was massive, and profusely decorated with sculpture and gilding. After 1680, thanks in large part to the furniture designer André Charles Boulle, a more original and delicate style appeared, sometimes known as Boulle work​It was based on the inlay of ebbehout and other rare woods, a technique first used in Florence in the 15th century, which was refined and developed by Boulle and others working for Louis XIV. Furniture was inlaid with plaques of ebony, copper, and exotic woods of different colors.[78]

New and often enduring types of furniture appeared; de commode, with two to four drawers, replaced the old coffre, or chest. De canapé, or sofa, appeared, in the form of a combination of two or three armchairs. New kinds of armchairs appeared, including the fauteuil en confessionale or "Confessional armchair", which had padded cushions ions on either side of the back of the chair. The console table also made its first appearance; it was designed to be placed against a wall. Another new type of furniture was the table à gibier, a marble-topped table for holding dishes. Early varieties of the desk appeared; de Mazarin desk had a central section set back, placed between two columns of drawers, with four feet on each column.[79]

Music and ballet

Antonio Vivaldi, (1678–1741)

De voorwaarde Barok is also used to designate the style of music composed during a period that overlaps with that of Baroque art. The first uses of the term 'baroque' for music were criticisms. In an anonymous, satirical review of the première in October 1733 of Rameau's Hippolyte et Aricie, gedrukt in de Mercure de France in May 1734, the critic implied that the novelty of this opera was "du barocque," complaining that the music lacked coherent melody, was filled with unremitting dissonances, constantly changed key and meter, and speedily ran through every compositional device.[82] Jean-Jacques Rousseau, who was a musician and noted composer as well as philosopher, made a very similar observation in 1768 in the famous Encyclopédie van Denis Diderot: "Baroque music is that in which the harmony is confused, and loaded with modulations and dissonances. The singing is harsh and unnatural, the intonation difficult, and the movement limited. It appears that term comes from the word 'baroco' used by logicians."[15]

Common use of the term for the music of the period began only in 1919, by Curt Sachs,[83] and it was not until 1940 that it was first used in English in an article published by Manfred Bukofzer.[82]

Louis XIV in costume as Apollo for the Ballet Royal de la Nuit (1653)

The baroque was a period of musical experimentation and innovation. New forms were invented, including the concerto en sinfonia. Opera was born in Italy at the end of the 16th century (with Jacopo Peri's mostly lost Dafne, geproduceerd in Florence in 1598) and soon spread through the rest of Europe: Louis XIV created the first Royal Academy of Music, In 1669, the poet Pierre Perrin opened an academy of opera in Paris, the first opera theatre in France open to the public, and premiered Pomone, the first grand opera in French, with music by Robert Cambert, with five acts, elaborate stage machinery, and a ballet.[84] Heinrich Schütz in Duitsland, Jean-Baptiste Lully in Frankrijk, en Henry Purcell in England all helped to establish their national traditions in the 17th century.

The classical ballet also originated in the Baroque era. The style of court dance was brought to France by Marie de Medici, and in the beginning the members of the court themselves were the dancers. Lodewijk XIV himself performed in public in several ballets. In March 1662, the Académie Royale de Danse, was founded by the King. It was the first professional dance school and company, and set the standards and vocabulary for ballet throughout Europe during the period.[84]

Several new instruments, including the piano, were introduced during this period. The invention of the piano is credited to Bartolomeo Cristofori (1655–1731) of Padua, Italy, who was employed by Ferdinando de 'Medici, grootvorst van Toscane, as the Keeper of the Instruments.[85][86] Cristofori named the instrument un cimbalo di cipresso di piano e forte ("a keyboard of cipres with soft and loud"), abbreviated over time as pianoforte, fortepiano, and later, simply, piano.[87]

Composers and examples

Theater

Decorontwerp voor Andromedé door Pierre Corneille, (1650)
Design for a theater set created by Giacomo Torelli voor het ballet Les Noces de Thétis, van Décorations et machines aprestées aux nopces de Tétis, Ballet Royal

The Baroque period was a golden age for theatre in France and Spain; playwrights included Corneille, Racine en Moliere In Frankrijk; en Lope de Vega en Pedro Calderón de la Barca Spanje.

During the Baroque period, the art and style of the theatre evolved rapidly, alongside the development of opera and of ballet. The design of newer and larger theatres, the invention the use of more elaborate machinery, the wider use of the proscenium boog, which framed the stage and hid the machinery from the audience, encouraged more scenic effects and spectacle.[88]

The Baroque had a Catholic and conservative character in Spain, following an Italian literary model during the Renaissance.[89] The Hispanic Baroque theatre aimed for a public content with an ideal reality that manifested fundamental three sentiments: Catholic religion, monarchist and national pride and honour originating from the chivalric, knightly world.[90]

Two periods are known in the Baroque Spanish theatre, with the division occurring in 1630. The first period is represented chiefly by Lope de Vega, but also by Tirso de Molina, Gaspar Aguilar, Guillén de Castro, Antonio Mira de Amescua, Luis Vélez de Guevara, Juan Ruiz de Alarcón, Diego Jiménez de Enciso, Luis Belmonte Bermúdez, Felipe Godínez, Luis Quiñones de Benavente of Juan Pérez de Montalbán​The second period is represented by Pedro Calderón de la Barca and fellow dramatists Antonio Hurtado de Mendoza, Álvaro Cubillo de Aragón, Jerónimo de Cáncer, Francisco de Rojas Zorrilla, Juan de Matos Fragoso, Antonio Coello y Ochoa, Agustín Moreto, en Francisco Bances Candamo.[91] These classifications are loose because each author had his own way and could occasionally adhere himself to the formula established by Lope. It may even be that Lope's "manner" was more liberal and structured than Calderón's.[92]

Lope de Vega introduced through his Arte nuevo de hacer comedias en este tiempo (1609) the nieuwe komedie​He established a new dramatic formula that broke the three Aristoteles unities of the Italian school of poetry (action, time and place) and a fourth unity of Aristotle which is about style, mixing of tragic and comic elements showing different types of verses and stanzas upon what is represented.[93] Although Lope has a great knowledge of the plastic arts, he did not use it during the major part of his career nor in theatre or scenography. The Lope's comedy granted a second role to the visual aspects of the theatrical representation.[94]

Tirso de Molina, Lope de Vega, and Calderón were the most important play writers in Golden Era Spain. Their works, known for their subtle intelligence and profound comprehension of a person's humanity, could be considered a bridge between Lope's primitive comedy and the more elaborate comedy of Calderón. Tirso de Molina is best known for two works, The Convicted Suspicions en The Trickster of Seville, one of the first versions of the Don Juan mythe.[95]

Upon his arrival to Madrid, Cosimo Lotti brought to the Spanish court the most advanced theatrical techniques of Europe. His techniques and mechanic knowledge were applied in palace exhibitions called "Fiestas" and in lavish exhibitions of rivers or artificial fountains called "Naumaquias". He was in charge of styling the Gardens of Buen Retiro, van Zarzuela en van Aranjuez and the construction of the theatrical building of Coliseo del Buen Retiro.[96] Lope's formulas begin with a verse that it unbefitting of the palace theatre foundation and the birth of new concepts that begun the careers of some play writers like Calderón de la Barca. Marking the principal innovations of the New Lopesian Comedy, Calderón's style marked many differences, with a great deal of constructive care and attention to his internal structure. Calderón's work is in formal perfection and a very lyric and symbolic language. Liberty, vitality and openness of Lope gave a step to Calderón's intellectual reflection and formal precision. In his comedy it reflected his ideological and doctrine intentions in above the passion and the action, the work of Autos sacramentales achieved high ranks.[97] The genre of Comedia is political, multi-artistic and in a sense hybrid. The poetic text interweaved with Medias and resources originating from architecture, music and painting freeing the deception that is in the Lopesian comedy was made up from the lack of scenery and engaging the dialogue of action.[98]

The best known German playwright was Andreas Gryphius, who used the Jezuïet model van de Nederlands Joost van den Vondel en Pierre Corneille​Er was ook Johannes Velten who combined the traditions of the English comedians and the commedia dell'arte with the classic theatre of Corneille and Molière​His touring company was perhaps the most significant and important of the 17th century.

Spanish colonial Americas

Following the evolution marked from Spain, at the end of the 16th century, the companies of comedians, essentially transhumant, began to professionalize. With professionalization came regulation and censorship: as in Europe, the theatre oscillated between tolerance and even government protection and rejection (with exceptions) or persecution by the Church. The theatre was useful to the authorities as an instrument to disseminate the desired behavior and models, respect for the social order and the monarchy, school of religious dogma.[99]

De corrales were administered for the benefit of hospitals that shared the benefits of the representations. The itinerant companies (or "of the liga"), who carried the theatre in improvised open-air stages by the regions that did not have fixed locals, required a viceregal license to work, whose price or pinción was destined to alms and works pious.[99] For companies that worked stably in the capitals and major cities, one of their main sources of income was participation in the festivities of the Corpus Christi, which provided them with not only economic benefits, but also recognition and social prestige. The representations in the viceregal palace and the mansions of the aristocracy, where they represented both the comedies of their repertoire and special productions with great lighting effects, scenery and stage, were also an important source of well-paid and prestigious work.[99]

Born in the Viceroyalty of Nieuw Spanje[100] but later settled in Spain, Juan Ruiz de Alarcón is the most prominent figure in the Baroque theatre of New Spain. Despite his accommodation to Lope de Vega's new comedy, his "marked secularism", his discretion and restraint, and a keen capacity for "psychological penetration" as distinctive features of Alarcón against his Spanish contemporaries have been noted. Noteworthy among his works La verdad sospechosa, a comedy of characters that reflected his constant moralizing purpose.[99] The dramatic production of Sor Juana Inés de la Cruz places her as the second figure of the Spanish-American Baroque theatre. It is worth mentioning among her works the auto sacramenteel El divino Narciso en de komedie Los empeños de una casa.

Tuinen

Parterre of the Orangerie from the Paleis van Versailles (1684)

De Barokke tuin, ook wel bekend als de jardin à la française of Franse formele tuin, first appeared in Rome in the 16th century, and then most famously in France in the 17th century in the gardens of Vaux le Vicomte en de Paleis van Versailles​Baroque gardens were built by Kings and princes in Germany, the Netherlands, Austria, Spain, Poland, Italy and Russia until the mid-18th century, when they began to be remade into by the more natural Engelse landschapstuin.

The purpose of the baroque garden was to illustrate the power of man over nature, and the glory of its builder, Baroque gardens were laid out in geometric patterns, like the rooms of a house. They were usually best seen from the outside and looking down, either from a chateau or terrace. The elements of a baroque garden included parterres of flower beds or low hedges trimmed into ornate Baroque designs, and straight lanes and alleys of gravel which divided and crisscrossed the garden. Terraces, ramps, staircases and cascades were placed where there were differences of elevation, and provided viewing points. Circular or rectangular ponds or basins of water were the settings for fountains and statues. Bosquets or carefully trimmed groves or lines of identical trees, gave the appearance of walls of greenery and were backdrops for statues. On the edges, the gardens usually had pavilions, orangeries and other structures where visitors could take shelter from the sun or rain.[101]

Baroque gardens required enormous numbers of gardeners, continual trimming, and abundant water. In the later part of the Baroque period, the formal elements began to be replaced with more natural features, including winding paths, groves of varied trees left to grow untrimmed; rustic architecture and picturesque structures, such as Roman temples or Chinese pagodas, as well as "secret gardens" on the edges of the main garden, filled with greenery, where visitors could read or have quiet conversations. By the mid-18th century most of the Baroque gardens were partially or entirely transformed into variations of the Engelse landschapstuin.[101]

Besides Versailles and Vaux-le-Vicomte, Celebrated baroque gardens still retaining much of their original appearance include the Koninklijk Paleis van Caserta near Naples; Paleis Nymphenburg en Augustusburg en Falkenlust-paleizen, Brühl in Duitsland; Paleis Het Loo in Nederland; de Paleis Belvedere in Wenen​de Koninklijk Paleis van La Granja de San Ildefonso in Spanje; en Peterhof Paleis in St. Petersburg, Rusland.[101]

Differences between Rococo and Baroque

The following are characteristics that Rococo has and Baroque has not:[opheldering nodig]

  • The partial abandonment of symmetry, everything being composed of graceful lines and curves, similar to the Art Nouveau degenen
  • The huge quantity of asymmetrical curves and C-shaped voluten
  • The very wide use of flowers in ornamentation, an example being slingers made of flowers
  • Chinese and Japanese motifs
  • Warm pastel colours[102] (whitish-yellow, cream-coloured, pearl greys, very light blues)[103]

End of the style, condemnation and academic rediscovery

Madame de Pompadour, the mistress of Louis XV, contributed to the decline of the baroque and rococo style. In 1750 she sent her nephew, Abel-François Poisson de Vandières, on a two-year mission to study artistic and archeological developments in Italy. He was accompanied by several artists, including the engraver Nicolas Cochin en de architect Soufflot​They returned to Paris with a passion for classical art. Vandiéres became the Marquis of Marigny, and was named Royal Director of buildings in 1754. He turned official French architecture toward the neoclassical. Cochin became an important art critic; hij hekelde de petit style of Boucher, and called for a grand style with a new emphasis on antiquity and nobility in the academies of painting of architecture.[104]

The pioneer German art historian and archeologist Johann Joachim Winckelmann also condemned the baroque style, and praised the superior values of classical art and architecture. By the 19th century, Baroque was a target for ridicule and criticism. The neoclassical critic Francesco Milizia wrote: "Borrominini in architecture, Bernini in sculpture, Pietro da Cortona in painting...are a plague on good taste, which infected a large number of artists."[105] In the 19th century, criticism went even further; the British critic John Ruskin declared that baroque sculpture was not only bad, but also morally corrupt.[105]

The Swiss-born art historian Heinrich Wölfflin (1864–1945) started the rehabilitation of the word Baroque in his Renaissance und Barock (1888); Wölfflin identified the Baroque as "movement imported into mass", an art antithetic to Renaissance art. He did not make the distinctions between Mannerism and Baroque that modern writers do, and he ignored the later phase, the academic Baroque that lasted into the 18th century. Baroque art and architecture became fashionable between the two World Wars, and has largely remained in critical favor. The term "Baroque" may still be used, usually pejoratively, describing works of art, craft, or design that are thought to have excessive ornamentation or complexity of line.

Baroque Revival art

Example of very beautiful Baroque Revival details of city-houses from Boekarest (Romania), from left to right and from up to down: a window with a female mascaron tussen twee slingers​een cartouche boven een raam; cartouche-venster met mannelijke mascaron; balkon; stucwerk in een huis; raam met bovenaan een cartouche met daarin een monogram

Het einde van de 19e eeuw was een gouden eeuw voor opwekking stijlen, waaronder barokke heropleving of neobarok.

Naast zijn praktische (beschermende) functie heeft het gezicht ook esthetische en architectonische doeleinden. Het weerspiegelt de overheersende stijlen van een bepaald tijdperk. Ornamenten zijn de meest voorkomende "ornamenten" van gebouwen.[106] De ornamenten die in de 17e-18e-eeuwse architectuur worden gebruikt, worden hergebruikt in gebouwen uit de barokke revival, waaronder: hoorns des overvloeds, slingers, baby engelen, vrouw of man mascarons, ovaal cartouches, acanthus bladeren, klassiek kolommen, kariatiden, frontons en andere elementen van Grieks-Romeinse architectuur​De meeste barokke heroplevingsgebouwen hebben mansardedaken, meestal blauw of soms zwart, met ovaal of dakkapel ramen. Sommige huizen zijn in deze stijl cartouchevormig Oculus ramen, meestal met een mascaron aan de boven- of onderkant. In Frankrijk en Roemenië hebben veel van de ingangen luifels (Frans: Markiezin; Roemeense: marchiză), gemaakt van glas en metaal, meestal in een zeeschelp-vorm. In deze twee provincies, vooral in Roemenië, werd neobarok soms gecombineerd met Art Nouveau. Beaux-arts gebouwen uit de late jaren 1890 en vroege jaren 1900 zijn zeer goede voorbeelden van barokke heroplevingsarchitectuur. Het bekendste neo-barokke gebouw in Parijs zijn: de Pavillon de Flore (deel van de Palais du Louvre), de Palais Garnier, de Petit Palais, en de Grand Palais​Belangrijke architecten van deze stijl zijn onder meer Charles Garnier (1825–1898), Ferdinand Fellner (1847–1917), Hermann Helmer (1849-1919), en Ion D. Berindey (1871–1928).

In decoratieve kunsten is Baroque Revival meestal bekend als de Napoleon III-stijl of Second Empire-stijl. Objecten in deze stijl werden zeer gewaardeerd aan het eind van de jaren 1890 en begin van de 20e eeuw in Roemenië, waarvan er vele uit Frankrijk of Oostenrijk werden meegenomen. Een van de belangrijkste invloeden was de Louis XVI-stijl, of Frans neoclassicisme, die de voorkeur had van de Keizerin Eugénie​Haar kamers in het paleis van de Tuilerieën en andere plaatsen waren in deze stijl ingericht. Andere invloeden zijn onder meer de Franse Renaissance en de Henry II-stijl, die populaire invloeden waren op kisten en kasten, buffetten en credences, die enorm waren en gebouwd als kleine kathedralen, versierd met zuilen, frontons, cartouches, mascarons, en gesneden engelen en hersenschimmen. Ze waren meestal gemaakt van walnoot of eiken, of soms van poirier gekleurd om op te lijken ebbehout.[107]

Zie ook

Opmerkingen

  1. ^ een b Genees, Bridget (1 december 2011). "'Better Papist than Calvinist ': kunst en identiteit in het latere Lutherse Duitsland ". Duitse geschiedenis​Duitse Vereniging voor Geschiedenis. 29 (4): 584–609. doi:10.1093 / gerhis / ghr066.
  2. ^ Graur, Neaga (1970). Stiluri în arta decorativă (in het Roemeens). Cerces. p. 153, 154 en 156.
  3. ^ "Origem da palavra BARROCO - Etimologia". Dicionário Etimológico.
  4. ^ "BAROK: Etymologie de BAROK". www.cnrtl.fr. empr. au port. barroco «Rocher granitique» en «perle irrégulière», attesté dep. le xiiie s. sous la forme barroca (Inquisitie, p. 99, Portugaliae Monumenta Historica, 1856 m2. dans Mach.), d'orig. obsc., wellicht. préromane en raison du suff. -ǒccu très répandu sur le territoire ibérique
  5. ^ "Barok". Encyclopædia Britannica. 3 (11e ed.). 1911.
  6. ^ WikiWoordenboek. "Barok - Etymologie"​Opgehaald 17 juni 2019.
  7. ^ een b Robert Hudson Vincent, "Baroco: The Logic of English Baroque Poetics". Modern Language Quarterly, Jaargang 80, nummer 3 (september 2019)
  8. ^ een b "BAROK: Etymologie de BAROK". www.cnrtl.fr​Opgehaald 4 januari 2019.
  9. ^ Michael Meere, Franse Renaissance en Barok Drama: tekst, uitvoering, theorie, Rowman & Littlefield, 2015, ISBN 1611495490
  10. ^ "se dit seulement des perles qui sont d'une rondeur fort imparfaite". Le Dictionnaire de l'Académie Française (1694)
  11. ^ Bluteau, Raphael (1728). Vocabulario Portuguez & Latino. 2​p. 58.
  12. ^ "Barok". Online etymologisch woordenboek​Opgehaald 31 december 2018.: "Maar Klein suggereert dat de naam misschien afkomstig is van de Italiaanse schilder Federico Barocci (1528–1612), wiens werk de stijl beïnvloedde."
  13. ^ Claude V. Palisca, "Barok". The New Grove Dictionary of Music and Musicians, tweede editie, onder redactie van Stanley Sadie en John Tyrrell (Londen: Macmillan Publishers, 2001).
  14. ^ "se dit aussi au figuré, pour irrégulier, bizar, inégale." Le Dictionnaire de l'Académie Française (1762)
  15. ^ een b Encyclopedie; Lettre sur la Musique Française onder leiding van Denis Diderot
  16. ^ Quatremère de Quincy, Encyclopédie Méthodique, Architectuur, deel 1, geciteerd door B. Migliorini, Manierismo, baròcco, rococo, Rome, 1962, p. 46
  17. ^ "dictionnaires d'autrefois public access collection". artflsrv03.uchicago.edu​Opgehaald 2 januari 2019.
  18. ^ Burckhardt, Jacob (1855). Der Cicerone: een Anleitung zum Genuss der Kunstwerke Italiens​Schweighauser. p.356. OCLC 315796790.
  19. ^ Hopkins, Owen, Les Styles en Architecture (2014), blz. 70.
  20. ^ Denizeau, Gérard (2018). Zapping Prin Istoria Artelor (in het Roemeens). rao. p. 117. ISBN 978-606-006-149-6.
  21. ^ Hughes, J. Quentin (1953). De invloed van het Italiaanse maniërisme op Maltese architectuur Gearchiveerd 14 maart 2017 op de Wayback-machine. Melitensiawath​Ontvangen 8 juli 2016. pp. 104-110.
  22. ^ Helen Gardner, Fred S. Kleiner en Christin J. Mamiya, Gardner's Art Through the Ages (Belmont, Californië: Thomson / Wadsworth, 2005), p. 516.
  23. ^ Heal, Bridget (20 februari 2018). "De reformatie en de lutherse barok". Oxford Universiteit krant​Opgehaald 1 mei 2018. De geschriften van theologen kunnen echter maar zo ver gaan om de evolutie van het confessioneel bewustzijn en de vorming van religieuze identiteit te verklaren. De lutherse gehechtheid aan religieuze beelden was niet alleen het resultaat van Luthers eigen voorzichtige goedkeuring van het gebruik ervan, maar ook van de specifieke religieuze en politieke context waarin zijn Reformatie zich ontvouwde. Na de dood van de hervormer in 1546 werd de beeldkwestie opnieuw fel bestreden. Maar terwijl het calvinisme, met zijn iconoclastische tendensen, zich verspreidde, reageerden de Duitse lutheranen door opnieuw te bevestigen dat ze zich inzetten voor het juiste gebruik van religieuze beelden. In 1615 kwamen de lutherse burgers van Berlijn zelfs in opstand toen hun calvinistische heersers afbeeldingen uit de kathedraal van de stad verwijderden.
  24. ^ Ducher, pag. 102
  25. ^ een b Ducher (1988) p. 106-107
  26. ^ Ducher (1988), pag. 102
  27. ^ Cabanne (1988) pagina 12
  28. ^ Ducher (1988)
  29. ^ een b Ducher (1988) p. 104.
  30. ^ Cabanne (1988) pagina 15
  31. ^ Cabanne (1988), pagina's 18-19.
  32. ^ Cabanne (1988) pagina 48-49
  33. ^ een b c Cabanne (1988) pag. 48-51
  34. ^ Cabanne (1988) blz. 63
  35. ^ een b Ducher (2014), p. 92.
  36. ^ Cabanne (1988), blz. 89-94.
  37. ^ Ducher (1988) blz. 104-105.
  38. ^ "Kolumna Zygmunta III Wazy w Warszawie". Culture.pl​Opgehaald 24 juni 2019.
  39. ^ "WILANÓW PALACE". www.anothertravelguide.com​Opgehaald 24 juni 2019.
  40. ^ "Tylman z Gameren - architekt Warszawy: Polak z wyboru, Holender z pochodzenia -". CODART​Opgehaald 24 juni 2019.
  41. ^ Cabanne (1988) pagina's 25-32.
  42. ^ Cabanne (1988), pag. 25-28.
  43. ^ Cabanne (1988), pag. 28-33.
  44. ^ "Eeuw van de barok in Portugal". www.nga.gov.
  45. ^ http://www.resumos.net/files/caracterizacaodaarquiteturacha.doc
  46. ^ Bury, J. B. (1956). "Laatbarok en rococo in Noord-Portugal". Tijdschrift van de Society of Architectural Historians. 15 (3): 7–15. doi:10.2307/987760. JSTOR 987760.
  47. ^ "Um Roteiro pelo Barroco bracarense". Proef Braga​30 augustus 2017.
  48. ^ "Notícias - Direção Regional de Cultura do Norte". culturanorte.gov.pt.
  49. ^ Centrum, UNESCO Werelderfgoed. "Historisch centrum van Porto, Luiz I-brug en klooster van Serra do Pilar". UNESCO Werelderfgoedcentrum.
  50. ^ "Architectuur en de barok". www.torredosclerigos.pt.
  51. ^ "Kerk van S. João Novo". www.upt.pt.
  52. ^ "DGPC | Pesquisa Geral". www.patrimoniocultural.gov.pt.
  53. ^ "DGPC | Pesquisa Geral". www.patrimoniocultural.gov.pt.
  54. ^ William Craft Brumfield (1993). "Hoofdstuk acht: de fundamenten van de barok in Sint-Petersburg". Een geschiedenis van de Russische architectuur​Cambridge: Cambridge University Press. ISBN 978-0-521-40333-7.
  55. ^ Bailey, Gauvin Alexander (2012). Barok en rococo​Phaidon. p. 366 en 367. ISBN 978-0-7148-5742-8.
  56. ^ Thomas da Costa Kaufmann (1999). "12 / Oost en West: jezuïetenkunst en kunstenaars in Centraal-Europa, en Centraal-Europese kunst in Amerika"​In John W. O'Malley; Gauvin Alexander Bailey; Steven J. Harris; T. Frank Kennedy (red.). The Jesuits: Cultures, Sciences, and the Arts, 1540–1773, deel 1​Universiteit van Toronto Press. blz. 274–304. ISBN 9780802042873.
  57. ^ Gauvin Alexander Bailey (1999). Kunst over de jezuïetenmissies in Azië en Latijns-Amerika, 1542–1773​Universiteit van Toronto Press. pp. 4-10. ISBN 9780802085078.
  58. ^ José Maria Azcarate Ristori; Alfonso Emilio Perez Sanchez; Juan Antonio Ramirez Dominguez (1983). "Historia Del Arte".
  59. ^ Larousse (1990). DICCIONARIO ENCICLOPEDICO LAROUSSE. 12 TOMOS​Barcelona: Redactie Planeta.
  60. ^ "CATEDRAL, TESTIGO DE LA HISTORIA. LA CONSTRUCCIÓN DE LA NUEVA PARROQUIA, HOY CATEDRAL". catedraldechihuahua.blogspot.com.
  61. ^ "Historia y arquitectura". lahabana.com.
  62. ^ Cláudia Damasceno Fonseca. "Igreja de Nossa Senhora do Rosário dos Pretos". Património de influencia portuguesa. Calouste Gulbenkian Stichting.
  63. ^ Jorge Salvador Lara (2009). Historia de Quito, Luz de América. Bicentenario van 10 de agosto van 1809​Quito: Fonsal. blz. 124, 125. ISBN 9789978366189.
  64. ^ Asociación de Funcionarios del Servicio Diplomático del Perú. "UNA VISITA AL PALACIO DE TORRE TAGLE, CASA DE LA DIPLOMACIA PERUANA" (in het Spaans).
  65. ^ "Iglesia de Santo Domingo". Website van het Ministerie van Toerisme van Chili (in het Spaans).
  66. ^ Prater en Bauer, La Peinture du baroque (1997), pag. 11
  67. ^ Prater en Bauer, La Peinture du baroque (1997), pag. 3-15
  68. ^ Prater en Bauer, La Peinture du baroque (1997), pag. 12
  69. ^ "Elementen van de barokke stijl." In Arts and Humanities door de tijdperken, uitgegeven door Edward I. Bleiberg, James Allan Evans, Kristen Mossler Figg, Philip M. Soergel en John Block Friedman, 466-470. Vol. 5, Het tijdperk van de barok en de verlichting 1600-1800. Detroit, MI: Gale, 2005.
  70. ^ Ducher (1988) pagina's 108-109
  71. ^ Cabanne (1988) blz. 102-104
  72. ^ Fortenberry, Diane (2017). HET KUNSTMUSEUM​Phaidon. p. 246 ISBN 978-0-7148-7502-6.
  73. ^ Fortenberry, Diane (2017). HET KUNSTMUSEUM​Phaidon. p. 259. ISBN 978-0-7148-7502-6.
  74. ^ Boucher (1998), p. 146.
  75. ^ Boucher (1998), p. 16.
  76. ^ Graur, Neaga (1970). Stiluri op arta decorativă (in het Roemeens). Cerces. p. 168
  77. ^ Graur, Neaga (1970). Stiluri op arta decorativă (in het Roemeens). Cerces. p. 176 en 177.
  78. ^ Renault en Lazé, Les Styles de l'architecture en du mobilier (2006), pag. 59
  79. ^ Renault en Lazé, Les Styles de l'architecture en du mobilier (2006), pag. 59
  80. ^ "Pier Tafel". Het Art Institute of Chicago.
  81. ^ "Slant-Front Desk". Het Art Institute of Chicago.
  82. ^ een b Palisca 2001.
  83. ^ Sachs, Curt (1919). Barockmusik [Barokmuziek​Jahrbuch der Musikbibliothek Peters (in het Duits). 26​Leipzig: editie Peters. pp. 7-15.
  84. ^ een b Bély (2005), pp. 152–54.
  85. ^ Erlich, Cyril (1990). The Piano: A History. Oxford Universiteit krant, VS; Herziene editie. ISBN 0-19-816171-9.
  86. ^ Powers, Wendy (oktober 2003). "The Piano: The Pianofortes of Bartolomeo Cristofori (1655–1731)". Heilbrunn Chronologie van kunstgeschiedenis​New York: The Metropolitan Museum of Art​Opgehaald 27 januari 2014.
  87. ^ Isacoff (2012), p. 23.
  88. ^ "Barokke theaters en enscenering". Encyclopædia Britannica​Opgehaald 14 november 2019.
  89. ^ González Mas (1980), pp. 1-2.
  90. ^ González Mas (1980), p. 8.
  91. ^ González Mas (1980), p. 13.
  92. ^ González Mas (1980), p. 91.
  93. ^ Lope de Vega, 2010, Comedias: El Remedio en la Desdicha. El Mejor Alcalde El Rey, blz. 446-447
  94. ^ Amadei-Pulice (1990), p. 6.
  95. ^ Wilson, Edward M .; Moir, Duncan (1992). Historia de la literatura española: Siglo De Oro: Teatro (1492-1700). Redactioneel Ariel, pp. 155-158
  96. ^ Amadei-Pulice (1990), pp. 26-27.
  97. ^ Molina Jiménez, María Belén (2008). El teatro musical de Calderón de la Barca: Análisis tekstueel. EDITUM, p. 56
  98. ^ Amadei-Pulice (1990), pp. 6–9.
  99. ^ een b c d Maya Ramos Smith; Concepción Reverte Bernal; Mercedes de los Reyes Peña (1996). América y el teatro español del Siglo de Oro. II Congreso Iberoamericano del Teatro - Tercera ponencia: Actores y compañías de América durante la época virreinal​Cádiz: Publicatiedienst van de Universiteit van Cádiz. pp. 79-80, 85-86, 133-134, 141. ISBN 84-7786-536-1.
  100. ^ Volgens de eigen verklaringen van de toneelschrijver werd hij geboren in Mexico-Stad in 1580 of 1581. Er is echter een doopakte van 30 december 1572 gevonden in Taxco, die toebehoorde aan een jongen genaamd Juan, zoon van Pedro Ruiz de Alarcón en Leonor de Mendoza, de ouders van de dichter. Ondanks de verklaringen van Alarcón beschouwen de meeste critici Taxco als zijn geboorteplaats. Zie Lola Josa, Juan Ruiz de Alarcón en een nieuwe arte de entender in comedia, Madrid, International Association of Hispanists, 2008, pp. 7–14.
  101. ^ een b c Kluckert, Ehrenfried (2015). "Les Jardins Baroques". L'Art Baroque - Architectuur- Beeldhouwkunst- Peinture​Keulen: H.F. Ulmann. blz. 152-160. ISBN 978-3-8480-0856-8. (Franse vertaling uit het Duits)
  102. ^ Graur, Neaga (1970). Stiluri în arta decorativă (in het Roemeens). Boekarest: Cerces. p. 160 en 163.
  103. ^ Graur, Neaga (1970). Stiluri în arta decorativă (in het Roemeens). Boekarest: Cerces. p. 192.
  104. ^ Cabanne (1988), p. 106.
  105. ^ een b Boucher (1998), p. 9.
  106. ^ Popescu, Alexandru (2018). Casele și Palatele Bucureştilor (in het Roemeens). Cetatea de Scaun uitgever. p. 250. ISBN 978-606-537-382-2.
  107. ^ Ducher 1988, blz. 194-195.
  108. ^ Popescu, Alexandru (2018). Casele și Palatele Bucureştilor (in het Roemeens). Cetatea de Scaun uitgever. p. 113. ISBN 978-606-537-382-2.

Bronnen

  • Amadei-Pulice, María Alicia (1990). Calderón y el barroco: exaltación y engaño de los sentidos​Purdue University monografieën in Romaanse talen (in het Italiaans). 31​Amsterdam; Philadelphia: John Benjamins Publishing Company. ISBN 978-9-02-721747-9.CS1 maint: ref = harv (koppeling)
  • Bély, Lucien (2005). Louis XIV - Le Plus Grand Roi du Monde (in het Frans). Editions Jean-Paul Gisserot. ISBN 978-2-87-747772-7.CS1 maint: ref = harv (koppeling)
  • Boucher, Bruce (1998). Italiaanse barokke beeldhouwkunst​Wereld van kunst. Thames & Hudson. ISBN 0-50-020307-5.CS1 maint: ref = harv (koppeling)
  • Cabanne, Pierre (1988). L'Art Classique et le Baroque (in het Frans). Parijs: Larousse. ISBN 978-2-03-583324-2.CS1 maint: ref = harv (koppeling)
  • Causa, Raffaello, L'Art au XVIII siècle du rococo à Goya (1963), (in het Frans) Hachcette, Parijs ISBN 2-86535-036-3
  • Ducher, Robert (1988). Caractéristique des Styles​Parijs: Flammarion. ISBN 2-08-011539-1.CS1 maint: ref = harv (koppeling)
  • Ducher, Robert (2014). La Caractéristique des Styles.CS1 maint: ref = harv (koppeling)
  • Gardner, Helen, Fred S. Kleiner en Christin J. Mamiya. 2005. Gardner's Art Through the Ages, 12e editie. Belmont, Californië: Thomson / Wadsworth. ISBN 978-0-15-505090-7 (harde kaft)
  • González Mas, Ezequiel (1980). Historia de la literatura española: (Siglo XVII). Barroco, Deel 3​La Editorial, UPR.CS1 maint: ref = harv (koppeling)
  • Isacoff, Stuart (2012). Een natuurlijke geschiedenis van de piano: het instrument, de muziek, de muzikanten - van Mozart tot moderne jazz en alles daartussenin​Knopf Doubleday Publishing.CS1 maint: ref = harv (koppeling)
  • Prater, Andreas en Bauer, Hermann, La Peinture du baroque (1997), (in het Frans), Taschen, Parijs ISBN 3-8228-8365-4
  • Tazartes, Maurizia, Fontaines de Rome, (2004), (in het Frans) Citadelles, Parijs ISBN 2-85088-200-3

Verder lezen

  • Andersen, Liselotte. 1969. Barok en rococo-kunst, New York: H. N. Abrams. ISBN 978-0-8109-8027-3
  • Bailey, Gauvin Alexander. 2012. Barok en rococo, Londen: Phaidon Press. ISBN 978-0-7148-5742-8
  • Bazin, Germain, 1964. Barok en rococo​Praeger World of Art Series. New York: Praeger. (Oorspronkelijk gepubliceerd in het Frans, zoals Classique, barok en rococo​Parijs: Larousse. Engelse uitgave herdrukt als Barok en rococo-kunst, New York: Praeger, 1974)
  • Buci-Glucksmann, Christine. 1994. Baroque Reason: The Aesthetics of Modernity​Salie.
  • Downes, Kerry, "Barok"[permanent dode link], Grove Art Online, Oxford Art Online, Oxford University Press, Web. 23 oktober 2017.[verificatie nodig] (abonnement vereist)
  • Hills, Helen (red.). 2011. Heroverweging van de barok​Farnham, Surrey; Burlington, VT: Ashgate. ISBN 978-0-7546-6685-1.
  • Hortolà, Policarp, 2013, De esthetiek van hemotafonomie: stilistische parallellen tussen wetenschap en literatuur en de beeldende kunst. Sant Vicent del Raspeig: ECU. ISBN 978-84-9948-991-9.
  • Kitson, Michael. 1966. Het tijdperk van de barok​Oriëntatiepunten van de kunst van de wereld. Londen: Hamlyn; New York: McGraw-Hill.
  • Lambert, Gregg, 2004. Terugkeer van de barok in de moderne cultuur​Continuum. ISBN 978-0-8264-6648-8.
  • Martin, John Rupert. 1977. Barok​Icon Editions. New York: Harper en Rowe. ISBN 0-06-435332-X (kleding); ISBN 0-06-430077-3 (pbk.)
  • Palisca, Claude V. (1991) [1961]. Barokmuziek​Prentice Hall History of Music (3e ed.). Englewood Cliffs, NJ: Prentice Hall. ISBN 0-13-058496-7. OCLC 318382784.
  • Riegl, Alois (2010). Hopkins, Andrew (red.). De oorsprong van de barokke kunst in Rome (teksten en documenten)​Getty Research Institute. ISBN 978-1-6060-6041-4.
  • Wölfflin, Heinrich (1964) [Oorspronkelijk gepubliceerd in het Duits, 1888]. Renaissance en barok​Vertaald door Simon, Kathrin. ISBN 0-0021-7349-2.
  • Vuillemin, Jean-Claude, 2013. Episteme barok: le mot et la koos​Hermann. ISBN 978-2-7056-8448-8.
  • Wakefield, Steve. 2004. Carpentier's Baroque Fiction: Returning Medusa's Gaze​Colección Támesis. Serie A, Monografie 208. Rochester, NY: Tamesis. ISBN 1-85566-107-1.
  • Massimo Colella, Il Barocco sabaudo tra mecenatismo e retorica. Maria Giovanna Battista di Savoia Nemours e l'Accademia Reale Letteraria di Torino, Fondazione 1563 per l'Arte e la Cultura della Compagnia di San Paolo, Torino ("Alti Studi sull'Età e la Cultura del Barocco", IV-1), 2019, blz.180.
  • Massimo Colella, Separatezza en conversazione. Sondaggi intertestuali attorno a Ciro di Pers, in «Xenia. Trimestrale di Letteratura e Cultura »(Genova), IV, 1, 2019, pp. 11-37.

Externe links

Pin
Send
Share
Send